奥尔夫创造力

❶ 如何在音乐活动中培养幼儿的创造力

一、为孩子营造自由创造的氛围，变“要我学”为“我要学”。。 陶行知先生曾经说过“创造力最能发挥的条件是民主。”以激发幼儿对音乐的兴趣为前提，引导幼儿愉快、主动参与创造活动，为幼儿创设宽松愉悦、自由民主的音乐活动氛围，让他们能够怀着愉悦的心情利用已有的经验自由思索、展开想象，充满自信地与音乐进行交流，才能萌发最大多数幼儿的创造力，并使最大多数幼儿的创造力发挥到最高峰。由浅入深地引导创造，展示自己的才能。从改编歌词、敲奏简单乐句开始，发展到为图片故事配音乐、创作乐曲、编动作等，激励幼儿从自身实际出发，通过努力充分展示自己的创造力。比如：在《拔萝卜》教学活动中，借助老公公等角色的情节，引导幼儿倾听不同的声音，表现不同的形象，幼儿非常有创意，他们用不同的声音、动作、乐器表现老公公、老婆婆、小姑娘、小狗、小猫、小耗子，不但丰富了情节，而且还充实了音乐形象。尤其在表现角色的动态上，更加惟妙惟肖，充分体现了幼儿的创造力，又如欣赏乐曲《天鹅》时，我启发幼儿进行配乐朗诵。其中有个幼儿是这样“朗诵”的：“一只小天鹅受伤了，我轻轻把它抱回家，给它养伤。可是天鹅很寂寞，它准是想妈妈了。我明天一定把它送回天鹅妈妈的怀抱。”只有让幼儿按自己的条件、方式、愿意去做，他们才能学得主动，才能发挥想像力和独创性。尽管幼儿的表现还十分稚拙，但都是真情实感的流露，体现了他们独特的想像力和创造力。培养创造力并不是要摒弃模仿，在音乐活动中模仿是需要的，它是最初的学习方式，但必须较快地跨越这一分阶段进入探索期，引导幼儿大胆创新、独立思考，发表自己的独特见解。例如在音乐《狮王进行曲》中小动物们干了什么、发生了什么事以及小动物表演的动作等都是幼儿模仿、想象和创编的因素。由于幼儿的情感体验和表现表达很难全部预料，所以在活动中有时会出现一定程度的紊乱，但教师不要去训斥孩子，而是要学会容忍，并在宽松的氛围中鼓励、支持和欣赏幼儿的创造表现。 二、为幼儿提供自主创造的机会。 《新纲要》指出艺术是幼儿“表达自己的认识和情感的重要形式”，要使幼儿“大胆表达自己的情感、理解和想象”。并指出这种艺术表达是“自由表达”、是“创造表达”。但现实教学中，教师们常为了保证活动按计划顺利进行而代替孩子去体验、判断。在音乐活动中，教师们往往要求幼儿按照成人的思维方式去感受理解音乐，使幼儿没有机会主动感受、自由想象，只能在教师的牵引下被动参与。在这种教育影响下，孩子们的音乐兴趣会日益减弱，音乐灵性会不断消失。苏霍姆林斯基说过：“在孩子的心灵深处，都有一种根深蒂固的需要，就是希望自己是一个发现者、探究者和成功者。”作为教师，我善于捕捉幼儿不经意间的创造性的探索倾向，满腔热情鼓励和指导，让幼儿用特有的童心去感悟音乐，那么，音乐的世界就会在孩子面前打开新的窗口、展示新的内容，哪怕她们的理解与原音乐内涵大相径庭，也无关紧要，重要的是学习过程的体验。就象《动物狂欢曲》活动中，教师提供了充分、自由的活动空间和时间，鼓励幼儿在感知音乐的过程中运用已有经验展开想象，自由表现，把自己对音乐的感受和联想用他们喜欢的颜色，通过绘画的形式表现出来，有的幼儿绘画一对狐狸手拉手，其中一只狐狸的另一只手拿着一朵玫瑰花，另一只狐狸则把另一只手高高举起，形象地表现狂欢的心情。还有的画了狮子大王过生日的，画小兔举行运动会的，幼儿通过画面充分表现出各自对乐曲的感受和理解。当他们富有个性的理解以及稚嫩而新颖的创造性表现被教师接纳、赞许和分享时，他们体验到了被尊重的感觉，满足了自我表现的需要，这种正向的情绪会激励他们更加热爱音乐。作为教师，我们不但要善于发现并细心呵护这些灵感的幼芽，而且还要创造机会激发他们的创作灵感，以真诚喜悦之心去发现、鼓励、支持和欣赏他们的大胆表现。 三、重视孩子创造过程的体验。 幼儿创造性音乐活动的真正目的是强调在活动过程中获得心智的满足，在挖掘音乐潜能中让幼儿释放能量，发展能力。因此在教学中，应遵循重“过程”不重“结果”的观念，营造自由创造的氛围，注重幼儿的自我表达和表现。在音乐创造活动中，幼儿对“过程”比“结果”更感兴趣，因为过程给幼儿带来无比的满足。例如，在音乐活动《两只小象》中，根据歌曲内容，引导幼儿创编两只小象勾鼻子动作，但幼儿在活动中，两两结伴不是在表演勾鼻子，而是在做游戏，表现出强烈的表现欲望，如果教师能马上调整计划，孩子们也许能体验到自主探索和创造参与的快乐，能体验到用表情、动作、姿态与他人沟通的乐趣。细致严密的教学计划固然是必需的，但我们不能为了实现计划而牺牲孩子们享受音乐的机会，不能为了得到设计好的答案而牺牲孩子们自主学习、创造的机会。其实孩子不是为了取悦成人才进行音乐活动的。真正的音乐教育在于给幼儿以快乐和享受，只要从幼儿实际和音乐教育的本质出发，时间上多一点少一点，环节上多一个少一个，内容上动一动、改一改，都是可行的。评价音乐教育成功与否的标准是孩子是否更加喜欢音乐、是否促进了孩子身心和谐的发展、是否为他们将来积极参与社会文化生活奠定了基础。我们应重视孩子的过程性体验，而非具体的结果。

❷ 幼儿园奥尔夫音乐给孩子带来什么好处

奥尔夫音乐教学

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音乐是人类共同的语言，他可以跨越国界，种族，年龄，让不同国家的人，不同肤色的人，不同年龄的人产生共鸣，甚至胎儿能理解音乐。

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❸ 奥尔夫教学法由何人何时传入中国

奥尔夫音乐教育体系的形成和发展,已有六十余年的历史,早在二十年代,奥尔夫已痛感传统音乐教学的弊病,致力于从根本上改革。1924年起,他与友人舞蹈家军特在慕尼黑创建了一所“军特体操-音乐-舞蹈学校”,使音乐与动作紧密结合在一起去教与学。第二次世界大战后,奥尔夫更把重点对象转为儿童,通过广播、电视播放儿童音乐教学实况,引起了巨大的反响。1
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3年在奥地利萨尔茨堡建立了“奥尔夫学院”,作为世界性的奥尔夫音乐教育国际中心。它每年为来自五大洲各国的几百名学员传授奥尔夫音乐教育体系,从而使他在世界范围内得到日益广泛的推广。奥尔夫音乐教育体系的内容丰富,教法生动活泼,深受学生的喜爱,不仅是孩子,连成人也会情趣盎然。而在教学方法上,其手段、教法更丰富多彩,且永远在发展中,任何一个教法,一个教案都只是一种范例,一种模式仅供参考,万不可硬套。
一、奥尔夫教学法最突出的特点
（一）创造性是灵魂。心理学研究表明,人的创造性思维是从小发展起来的,奥尔夫教学法正是抓住了这大好时机使一个人从小养成创新的思维习惯,并使创造性能力逐渐得到发展,这对人的一生将起到很大的作用。同时,原本性——是奥尔夫音乐教育的核心思想,也是这个体系的突出特点。原本性音乐学习注重人对音乐的最基本的感受,通过人们的自身参与,自发地自然地获得。人人都可以在轻松愉快的情绪中学习和掌握原本性音乐。
（二）实践活动贯穿教学始终。奥尔夫教学法认为每节课不用太多的讲述,教师主要引导学生去做,接下来就是实践排练与即兴创作,让学生感到每一节课都在“玩”,在置身于“玩”的过程中去感知音乐的内涵,在“玩”中增强合作意识和在群体中的协调能力。多年来,音乐教育一直在研究如何激发学生的学习兴趣,在这里有了明确的答案,那就是参与实践活动,把教师怎样讲变成让学生怎样做。让整节课都在实践中进行，注重孩子在课堂中的感受。
（三）综合性与音乐文化是奥尔夫教学的又一教学特色。课例的内容和形式是十分丰富的,集演唱、演奏、舞蹈、朗诵、表演于一体,所有的内容又紧紧与音乐文化相联系,处处体现着人文精神,全面提高我们的音乐修养。奥尔夫认为,在每一节课例后要引导大家去做总结,要求每人都要发表个人的看法。这时大家将把自己的切身体验提高到的科学理论上认识,并很自信的、大胆的发表自己的见解,不但提高了个人归纳总结的能力,还锻炼了语言表达能力。
二、奥尔夫教学法给我的启示
奥尔夫先生非常重视挖掘和培养每一个孩子的创造力。奥尔夫说过:“让孩子自己去找,自己去创造音乐,是最重要的。”他认为每一个孩子都有创造力。老师从来不讥笑孩子们的创作,而是保护他们的勇气,鼓励他们再创作,在奥尔夫的世界里没有错的，只鼓励孩子勇敢尝试。这样才能学得主动,发挥想象力和独创性。
奥尔夫一直强调,进行儿童音乐教育,应当从“元素性的”音乐教育着手。在奥尔夫之前的音乐理论家、教育家,已采用过“元素性”这个名词。奥尔夫重新采用,并赋予了新的含义。他说“元素性的音乐决不是单独的音乐,它是和动作、舞蹈、语言紧密结合一起的;他是一种人们必需自己参与的音乐。所以应当强调指出:在小学里安排元素性的音乐,不是一项外加物,而是一项基本的、奠基性的项目。或许我们可以这样来概括奥尔夫音乐教育的基本思想原则:1.以自然的本性为出发点;2.发挥即兴性、幻想性和创造性;3.必须自己动手（脚）去唱、奏、演、跳;4.也要求学生自己设计音乐（包括伴奏、合奏的安排和创作）;5.以节奏为基础;6.重视体感（结合动作）;7.强调兴趣。在教学中具体地贯彻这些原则,即:应用怎样的方式方法和怎样的教材、步骤进行,那还有待于大量的科学实验和实践经验的积累,以及从这个过程中产生大量的、经过实践考验的教材。在这些方面,奥尔夫和他的合作者凯特曼,以及奥尔夫学说的教师们和各国出色的奥尔夫音乐教师们,均已取得了卓著的成果,值得我们广泛、深人地学习、参考和应用。
三、适当拓宽、兼顾加深
讲评试卷时,如仅仅就题论题,平铺直叙是远远不够的。只有适当拓宽加深才能有效地激发学生的求知欲望和学习兴趣,才能使学有余力的尖子生“吃得饱”。考试大都是对某一阶段所学内容的检查和考核,老师在讲评时不应只局限于已学内容,否则有“烫剩饭”之嫌。当然,拓宽加深不能面面具到,应根据学生对所学知识掌握情况和答题情况进行拓宽和加深。
四、方法灵活、激发兴趣
由于试题形式多样,讲解方法也应因题型不同而灵活多变。这可以使原本枯燥无味的讲评变得趣味横生,从而达到预期的效果。我们平时运用的讲解法、对话法、讨论法、问答法、板演法等等，都有优点也有缺点，我们必须结合实际情况灵活运用教学方法，激发学生的兴趣。
五、善于总结、不断提高
一套试题评讲结束后,学生往往都把试卷放到一边再也不管了,有的甚干脆扔掉了。其实工作并没有结束。老师应引导学生进行总结归纳。通过这次考试,我有何得失,通过讲评,我又有何启发,讲评完之后应让学生回过头来把整张试卷浏览一遍,有些问题和知识点也需要反思。如能把错题、好题集中起来,作个记录,做成错题集,不断积累,这将对避免重复犯错,提高考试成绩将大有益处。
正如这样，我们学习奥尔夫的教学方法也要善于总结，并结合实际,在课堂教学中,我认为要注重培养学生自己参于音乐,创造音乐的能力,提高学生学习音乐的兴趣。
虽然我接触奥尔夫音乐教育体系的时间不长,但我已深深地认识到了自己作为一名音乐教员的职责的重要性。以往上音乐课,总是按照大纲该教什么教什么。课上要求课堂纪律要好,不允许学生乱说乱动,这样就限制了他们的自由发挥,失去了奥尔夫所提到的音乐教育的原本性和即兴性。奥尔夫教学法全面具体的体现着音乐素质教育的精神,我边学习边实践,直接把一些课例或改编一些课例甚至重新编写课例运用到课堂教学中。综上所述,奥尔夫音乐体系的确给我们带来了一种新鲜的气息。做为一名教育工作者,深感教育是未来世界的希望,应更加努力学习,提高自身的文化素质和修养。把提高下一代的整体素质,作为教育者的坚定不移的追求！

❹ 谁接触过奥尔夫啊！！！帮忙给我篇教案

今年九月份,在李妲娜老师的“奥尔夫教学法”的课上.使我了解到一种全新的音乐教学法. “奥尔夫教学法”在欧洲已经相当成功的运用在儿童音乐启蒙教育中了。但在中国,它却还被作为一个全新的课题被推广和运用.

奥尔夫自二.三十年代就对欧洲中世纪音乐,文艺复兴时期音乐,早期的巴洛克音乐以及德意志民歌,进行深入的钻研.尽管他不是音乐民族学家,但对亚.非洲的打击乐器也有深入的研究.正是这些因素的影响,使他摆脱了浪漫主义音乐的制约,摆脱了欧洲大小调功能和声体系的制约,转向了一个崭新的音乐天地.

由此创建了独特的,创新的,开放的奥尔夫体系,奥尔夫力图通过人类最自然,也最古老的实践形式----即兴演奏,以唤起几乎在一切人,特别是儿童身上都存在的音乐本能.使音乐成为人们自发的要求和需要.奥尔夫同时强调音乐教育的目的在于培养人,而不是局限于音乐,奥尔夫强调音乐只是手段.通过音乐来培养人多方面的素质.包括许多“非音乐”的素质.同时奥尔夫认为儿童早期的音乐启蒙教育非常重要,必须高度重视.在奥尔夫教学法的课堂上教师应自行安排和进行创造,现场自创尤为突出.奥尔夫同时强调节奏,并利用身体的各个部位去做声势.尤其其强调儿歌,儿童游戏在儿童课堂上的重要地位.

以下是我对奥尔夫教学法特点的总结:

1. 节奏. 奥尔夫认为儿童音乐才能的发展,应从其自然趋势出发.如四分音符为走步,八分音符是跑步的节奏等.他还认为音乐构成的第一要素是节奏,不是旋律.节奏可以脱离旋律单独存在.应当说奥尔夫强调节奏是音乐的生命,是音乐生命力的源泉.因此,奥尔夫强调从节奏入手进行音乐教育.并且同时要结合语言节奏,动作的节奏来训练和培养儿童的节奏感.因此在一开始上课时就要安排一些有节奏的语言朗诵练习.如:

小 老 鼠∣ 上 灯 台 ∣偷 油 吃∣ 下 不 来∣ 喵 喵 喵∣

∣ 猫 来 了∣叽 里 咕 噜 叽 里 咕 噜∣ 滚 下 来‖

就这么一个小儿歌,你可以把他变成各种节奏来朗诵.然后再结合一定动作或舞蹈去加强节奏.,使孩子在边朗诵边跳或边拍掌,跺脚等过程中.培养对节奏的敏感.这种基本节奏练习,应在儿童学习的过程中,不断穿插着进行.

2. 奥尔夫教学第二个重要特点就是打击乐器.在奥尔夫的教学中一般不用钢琴,小提琴等这种乐器,而采用精制的打击乐器.有固定音高能奏出旋律的,和无固定音高而起节奏作用的两类.如三角铁,木质音条琴,鼓等等.利用打击乐器有一些目的性.因为打击乐器最易奏出节奏,这迎合奥尔夫以节奏为第一的目的.其次打击乐器音色鲜明,富于幻想性,这很适合小孩子的好奇心.再者打击乐器容易掌握,避免演奏者的技术负担.尤其对于孩子可以使它们尽心的演奏.打击乐器的运用非常广泛,他可以排练已经编好的歌曲和器乐曲.在排练过程中,可让孩子们交换乐器,以便他们能够掌握各种打击乐器的使用.在打击乐器的运用中常与朗诵,表演,舞蹈相结合起来运用.

3. 在奥尔夫教学法中即兴演奏也是他的一大特点.由于打击乐器的演奏技术简易,和声思维单纯,而且伴奏的各个声部均以固定的节奏型为基础,因此完全可以让孩子一开始就作自由即兴性演奏.这对培养孩子奏乐的灵活性,创造性以及合作能力都极其有益.即兴演奏可以让儿童直接参与到音乐活动中.充分发挥他们的想象力和创造力.这些正好符合奥尔夫要求孩子“动” 、“注重培养艺术想象力和创造力” 、要求孩子自己创造音乐,发展个性和创造性的精神.

以上是我对奥尔夫教学法的一些粗浅认识和特点总结.奥尔夫教学法正在以其独特,新颖, 富于创造性的特点一步一步走进中国.让中国的儿童在早期的音乐教育中有了更好的教材和方法,也让我们这些从事音乐教育的人们受到很大的启发,开阔了我们的视野,为我们今后的工作开辟了新天地.

❺ 奥尔夫音乐教育有什么特点

1、综合性；

2、即兴性；

3、亲自参与、诉诸感性、回归人本；

4、从本土文化出发；

5、适于开端；

6、为所有人。

(5)奥尔夫创造力扩展阅读：

奥尔夫音乐教育的价值所在：

1、音乐教育不再是个别的，而是让每一个孩子都有了机会来感受，表现音乐的丰富性。

2、让孩子们摆脱了琴凳琴弦的束缚，也不再只是被动地聆听。没有枯燥乏味的技巧训练，即可让孩子进入表现音乐的阶段，使学习音乐不再那么“BORING”。

3、孩子不再是一直被动地学习固化的东西，而有了自己广泛的即兴创作的空间。

4、把孩子从单纯的个体化的练声，练琴带入了合作的天地，让他们早早地开始学习如何协作、服从、领导与被领导。

5、在置身于“玩”的过程中去感知音乐的内涵，去产生人与人之间的在情感上的沟通与联系，在“玩”中增强合作意识和在群体中的协调能力。

❻ 学习奥尔夫音乐的好处有哪些

学习奥尔夫音乐的好处有培养宝宝对音乐的兴趣、培养宝宝的专注力专和协调能力、属培养宝宝的听力和创造力。

3、培养宝宝的听力和创造力

0-3岁的宝宝，是听力发展的关键期，这个时期让宝宝多听各种各样的声音和节奏，有助于听力的发展。由于宝宝社会经验较少，创造力的发展还不明显。4岁的宝宝，是创造力发展的关键时期，这时如果充分运用宝宝这一时期的特点，可以开发宝宝的创造力。

❼ 奥尔夫音乐特色课程

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❽ 奥尔夫教学法的奥尔夫教学法

从音乐产生的本源和本质出发，即“诉诸感性，回归人本”—这是奥尔夫音乐教育的基本理念。这与我们原先对音乐教育本质和目的的认识，有着根本的不同。
奥尔夫认为：表达思想和情绪，是人类的本能欲望，并通过语言、歌唱（含乐器演奏）、舞蹈等形式自然地流露，自古如此。这是人原本固有的能力。音乐教育的首要任务，就是不断地启发和提升这种本能的表现力，而表现得好不好则不是追求的最终目标。而我们传统的音乐教育认识却不是这样，我们的课程一直是把通过学习歌唱和乐理以及相关的音乐技巧和能力作为美育的手段和目标，目光集中在如何学得好上。
其实，学生在音乐学习中，本能的唱、奏、舞蹈并不是很难的，甚至可以表现出一定的水平。因为出于本能的唱、奏、舞蹈是符合人的天性的，在这样的过程中，学生没有担心“学不会”而挨训或丢面子的精神负担，因而都会得到各种不同程度的满足感。这种自然流露的形式还有助于促进学生即兴发挥的创造力的萌发。由于这种创造力的萌发和得到激励，所以造就了学生学习各种音乐技巧和能力的最佳状态，教师在这样的教学过程中，必然成了学生学习的引导者、诱导者和参与者。愉悦身心、学习艺 术，二者相得益彰。这正是奥尔夫教学法的重要特点之一。
我国音乐教育原先的模式是单纯地教唱歌 —— 教材也 主要是以一首一首的歌曲出现的，后来有了少量变化，少数学校也学一点器乐技巧。学生主要是模仿着现成的音乐艺术作品，很被动。教师呢，也是认真地追求着“出成果”，严厉地对待学生，学生自然会感到一股莫名的压力。由于在音乐方面人的先天素质客观上有着很大差异，就我国原有的课程要求来说，总会有一部分学生离教学要求甚远，于是他们自然对音乐“敬而远之”，教师也束手无策。对此，奥尔夫的教学理念和体系应该能使我们从中得到很多启示。 A节奏、旋律练习，包括：从朗诵入手，提取“节奏基石”；
B基本形体动作教学，包括：反应训练；体操练习；动作训练；动作变奏和动作组合；动作游戏；即兴练习。 三大原则，包括
A 一切从儿童出发是奥尔夫教学法的首要原则；
B 通过亲身实践，主动学习音乐是奥尔夫教学法的又一个基本原则；
C 培养学生的创造力是奥尔夫教学法的第三个基本原则，也是奥尔夫教学法的归结点。

❾ 如何理解奥尔夫音乐教育即兴创造性的特点

在这个音乐教育他就是特别的即兴，而且他的创造能力是非常强的。可以让孩子们感受到音乐的魅力，融入到当中。