1. 文明奇迹对现代设计的影响
在今天的世界上，象中华文化这样一脉相承的，也只有中华文化。所谓世界四大文明古国，也只有中华民族5000多年的历史一脉相承，不曾中断。也正是因为积于这一点，中国人对传统文化情有独钟。
我们谈中国传统文化，大体离不开易学文化，离不开儒、道、释文化，即儒学、道学和佛学。佛学之所以被称为“释”，是因为它已经不是原来意义上的印度佛学，而是被汉化了的佛学，即经过中国千百年流传、演化，被中华文化重新诠释过的佛学。欧洲文化，在很大程度上，是一种宗教文化占支配地位的文化，所以在西方的历史上，宗教争端，又常常是战争的诱因。在东方，或者说主要是在中国，各种文化互相融通，数千年相安无事，这本身就说明中华文化的巨大兼容性，也正是因为这种兼容性，才使中华文化达到今天的博大精深。
中国传统文化离不开易经和儒道释这个主干，是因为它们各自担负着自己的使命，相互交叉作用，共同维持着这个社会的平衡和稳定。台湾学者南怀谨对儒、道、释三家，有一种比喻，他说：“儒家像粮食店，绝不能打。否则，打倒了儒家，我们就没有饭吃——没有精神粮食；佛家是百货店，像大都市的百货公司，各式各样的日用品俱备，随时可以去逛逛，有钱就选购一些回来，没有钱则观光一番，无人阻拦，但里面所有，都是人生必需的东西，也是不可缺少的；道家则是药店，如果不生病，一生也可以不必去理会它，要是一生病，就非自动找上门去不可。”南先生在这里没有谈到易经，如果把儒家比喻成粮食店；把佛家比喻成百货店；把道家比喻成中药店，那么，易经就是超级市场。它几乎成了中华文化的集散地，中华文化的任何一个支脉，都可以从它那里找到根，并且可以藉此证明自己对中华文化的发扬光大。我们姑且不论此种比喻是否恰如其分，至少说明易学文化与儒、道、释文化各司其职，共同维护着中国这个地大物博、人口众多、民族繁荣、历史厚重的社会。
中国传统文化对于中国社会发展，影响是巨大而又深刻的。用之于政治，可以治国安邦，譬如中国历史上的盛世，都是内用黄（帝）老（子），外施儒术的结果；用之于经济，可以富国强兵，譬如管仲使齐国成为春秋五霸，就是阴阳文化和道家哲学的实践结果；用之于军事，可以百战百胜，譬如中国的军事家，从孙子到诸葛亮，都是阴阳学家；用之于个人，可以修身养性，譬如老庄的“无为”哲学，贯穿于中华文化始终，使一代又一代的中国士大夫，或者知识分子中的大多数，实践着“达则兼济天下，穷则独善其身”的信条；用之于社会，可以安居乐业，譬如儒家的天命论，一向被统治者奉为正统，道家的无为观，一向被统治者视为至宝，就是因为它们一贯提倡知足常乐，使人人在社会上自安，从而带来整个社会的安定；用之于科学，可以见微知著，譬如许多科学家的发现与发明，都曾经受到易经文化的影响，西方人莱布尼茨的二进位制的发明，美籍华人杨振宁和李政道的“弱相互作用宇称不守恒定律”的发现等等，都有《易经》的影响；用之于艺术，可以美轮美奂，譬如中国水墨山水绘画的写意和抒情，中国书法艺术的出神入化，都曾经和正在陶醉着无数的世界名人；用之于设计，可以精美绝伦，譬如中国古代的浑天仪、司南等等，都曾经使世界历史为之倾倒……这就是中华文化的伟大和妙用，用它来解释宏观世界，可以知道，宇之表无极，宙之端无穷；用它来阐述微观世界，可以明白，一尺之捶，日截其半，万世不竭。
中华文化对于世界的影响，也同样是巨大的。我们先来看西方的哲学，黑格尔是19世纪德国著名的哲学家，这位大哲学家在他的自传中就承认，他所创造的“正反合辨证逻辑定律”，正是得自中国《易经》的启发。并且在《哲学史讲演录》上，赞叹《易经》说：“《易经》包含着中国人的智慧。”据说，这位西方哲学家后来曾经感叹地说，他一生中最大的遗憾是没有完全学透中国的《易经》！列宁曾经指出：“要继承黑格尔和马克思的事业，就应当辩证地研究人类思想、科学和技术的历史。”（见列宁《哲学笔记》）。列宁在这里不仅是对哲学家黑格尔的尊重，也说明了传统文化对于现代科技的重要作用。
不仅仅是哲学，在自然科学领域里，中华文化也仍然具有无穷的魅力。英国著名科学家李约瑟，曾以巨著《中国科学技术史》饮誉全球。他对中华文化不仅仅是情有独钟，而是如醉如痴，他在中国古代科学技术的王国里，已经穿行了很久很久，其贪婪程度，不亚于一头饿极之牛猛然闯进麦苗青青的田园。李约瑟，这位英国剑桥大学岗维尔和凯厄斯学院院长，对中国的传统文化有着浓厚的兴趣，他在研究莱布尼兹的二进位制数学与中国《易经》的相互关系后，对《易经》作出了很高的评价，他说：“我们看到他（莱布尼兹）的关于代数语言或数学语言的概念也是受到中国的影响，正如同《易经》的排列系预示二进制一样。”同时，他对易经卦象用于练丹术极为倾心，在《中国科学技术史》中，特辟十二消息卦与纳甲、《周易参同契》、外丹说与丹术等章节进行论述。李约瑟博士以自己的实践，对中华文化得出了这样的结论：中国古代科学技术是一座富有的金矿。
也不独自然科学，在艺术与设计领域，我们仍然可以见到中华文化的巨大影响力。我们在前面章节中已经提到过的，在西方艺术设计教育史上最具影响力的包豪斯，就深受中国传统文化的影响。包豪斯早在20世纪20年代，就对中国的老庄学说，发生了浓厚的兴趣，而且还把老庄哲学，应用到教学和设计实践中去。有一个曾经在包豪斯的历史上产生过重要影响的人物，他就是瑞士画家约翰·伊顿（Johannes
Itten）。伊顿是包豪斯最重要的教师，他的主要成就是，设计并推出了包豪斯的初步课程。这个初步课程的首要目的在于，把每个学生内心沉睡着的创造潜能解放出来。约翰·伊顿以中国传统文化与西方的科学技术相结合，在其教育实践中，引进了老庄的哲学思想和道教的气功修炼。伊顿给学生讲中国的老庄哲学思想，经常引用《老子》“道大，天大，地大，人亦大。域中有四大，而人居其一焉。人法地，地法天，天法道，道法自然”一类的话。要求学生在做专业训练之前，先要磨练自己的身体和意志，辅助手段是躯体拉伸、呼吸控制、沉思冥想。伊顿要求学生学习画中国山水画，让学生画山、画水、画树，要求学生用老庄的哲学思想观察与诠释世界。上人体绘画课时，伊顿也大胆引进老庄的哲学思想，他不要求解剖学意义上的准确无误，而要求学生独出心裁地发掘与诠释模特摆出来的各种姿势。伊顿还经常引用老子“有之以为利，无之以为用”的观点，帮助学生掌握建筑空间理论。伊顿十分注重发挥学生的个性，把学生分为倾向精神表现者、倾向理性结构者、倾向真实再现者三种类型，分别加以不同的指导。这明显源于孔子的“有教无类”和“因材施教”的思想。
皇皇5000余年中华文化，不断发展，不断丰富，但却从未中断，这一点是世界上任何文化都无法比肩的。曾经盛极一时的古埃及文化，在经历过古王国、中王国和新王国的辉煌之后，终于在公元前11世纪沉寂在尼罗河腹地的沙漠深处；曾经建立过法治社会的两河文化，在经历过汉谟拉比法典殊荣之后，踉踉跄跄走过四个王朝，虽然有过新巴比伦王朝的中兴，但最终还是在公元前5世纪的自相残杀中，落日于幼发拉底河与底格里斯河之间；曾经为地中海点燃文明之火的古希腊文化，在经历过克里特—迈锡尼文化的辉煌、希腊城邦的繁荣、亚历山大帝国的东西方交流之后，终于在公元前2世纪的三次马其顿战争之后，折戟沉沙在爱琴海中；建立在古希腊文化基础之上，把古希腊文化发扬光大的古罗马文化，在辉煌了上千年，完成了地中海文明的传承任务后，也在蛮族的劫掠下，于公元5世纪退出了历史舞台，虽然有东罗马帝国的延宕，但那已经是融合了东方文化的拜占廷帝国了。
上面的例证足以说明，在世界上，那些曾经在不同历史时期辉煌一时的文化，曾经为世界文明贡献过全部遗传的文化，都不曾象中华文化这样一脉相承，前后5000余年保持着丝丝入扣的传承关系。在博大精深的中华文化之下，生活在这块土地上的中华民族的子孙，都以传承和发展中华文化为己任，为荣耀。这种历史使命感，历史荣耀感，不仅为占绝对多数的汉民族所独有，而是中华民族大家庭中各兄弟民族所共有。我们姑且不论上古时代先民部族经过怎样数万年，乃至数十万年的融合，单就各兄弟民族共同承认自己是炎黄子孙这一点，就足以证明中华文化的博大精深和源远流长。黄帝发明衣服、舟、车，炎帝又被称为神农氏，“斲木为耜，揉木为耒，耒耨之利，以教天下”。太昊氏又被称为伏羲氏，发明网罟，又作八卦，八卦是比结绳为进步的记事方法。据说蚩尤“以金为兵器”，是金属冶炼的最早发明者……所有这些太古时期的物质文明、精神文明成果，都有我们各兄弟民族的不同贡献。
在中国，曾经有过许多少数民族或者局部，或者全部占统治地位的历史，但他们从来不曾否认自己是中华民族的传人。北魏时期，是鲜卑人统治中国北方的时代，但鲜卑人对自己的祖先却有最明确的解释，《魏书·序纪》开篇写道：
昔黄帝有子二十五人，或内列诸华，或外分荒服。昌意少子，受封北土，国有大鲜卑山，因以为号。其后世为君长，统幽都之北，广漠之野。畜牧迁徙，射猎为业，淳朴为俗，简易为化，不为文字，刻木纪契而已。世事远近，人相传授，如史官之纪录焉。黄帝以土德王，北俗谓土为托，谓后为跋，故以为氏。其裔始均，入仕尧世，逐女魃于弱水之北，民赖其勤，帝舜嘉之，命为田祖。爰历三代，以及秦汉，獯鬻、猃狁、山戎、匈奴之属，累代残暴，作害中州，而始均之裔，不交南夏，是以载籍无闻焉。积六十七世，至成皇帝讳毛立，聪明武略，远近所推，统国三十六，大姓九十九，威振北方，莫不率服。
由上可知，鲜卑人把自己的祖先直追到黄帝的儿子昌意门下，说自己是昌意小儿子的后人。据司马迁考证，黄帝生于寿丘，长于姬水，因以为姓；居轩辕之丘，因以为名，又以为号。黄帝有四个妃子，其中西陵之女，名曰嫘祖，是黄帝的正妃。嫘祖生了二个儿子，其一曰玄嚣，是为青阳，青阳居住在江水；其二曰昌意，居住在若水。若水在蜀地，黄帝就为昌意娶蜀山氏女，名曰昌仆，后来昌意与昌仆所生的子孙，都以山名封部落号。昌仆生的孩子中，有一个叫高阳的，也就是后来接了黄帝班的颛顼。至于昌意的小儿子是否昌仆所生，是否受封北方，并且统治幽都以北地区，我们不得而知，但鲜卑人以大鲜卑山为自己的部族名号，倒是真实的。鲜卑人以慕容氏、拓拔氏为最著名，北魏就是拓拔氏建立的政权。由鲜卑人自己修著的历史，我们知道。他们并不认为自己是中华民族的外夷，而是中华民族始祖之一黄帝的嫡出。
在北魏的皇帝中，有一位很有名气的皇帝，即历史上一再被后人提到的北魏孝文帝拓拔宏，或者元宏。孝文帝是一个很有作为的皇帝，在他统治北魏的时期，不但强调民族融合，而且对中华民族传统文化顶礼膜拜，《魏书·高祖纪》上说他“雅好读书，手不释卷。《五经》之义，览之便讲，学不师受，探其精奥。史传百家，无不该涉。善谈《庄》、《老》，尤精释义”。不仅好汉学，这位孝文帝还在北魏大力推广汉化，把首都也从今天的大同迁到了洛阳，后来索性自己带头，把拓拔氏也改成了汉化的元姓。
在中国历史上曾经占据过统治地位的，还有一个少数民族——蒙古族。蒙古族的成吉思汗，横扫欧亚大陆，虽然他和他的子孙们，没有把自己的上祖追溯到炎黄，但最终也只能把自己的根植于中华文化之下。成吉思汗的孙子忽必烈，最终统一了中国本土，成为一代很有些气度的皇帝。《元史·世祖传》说他“度量弘广，知人善任使，信用儒术，用能以夏变夷，立经陈纪，所以为一代之制者，规模宏远矣。”一个“信用儒术”；一个“以夏变夷”，就说明蒙古族统治者被中华文化所征服。元朝虽然把佛教奉为国教，但却不废儒学和道学。《元史·释老传》说：“释、老之教，行乎中国也千数百年，而其盛衰每系乎时君之好恶。是故佛于晋、宋、梁、陈，黄、老于汉、魏、唐、宋，而其效可睹矣。元兴，崇尚释氏，而帝师之盛，尤不可与古昔同语。维道家方士之流，假祷祠之说，乘时以起，曾不及其什一焉。宋旧史尝志老、释，厥有旨哉。乃本其意，作《释老传》。”《元史·儒学传》也说：“元兴百年，上自朝廷内外名宦之臣，下及山林布衣之士，以通经能文显著当世者，彬彬焉众矣。”可见这个在中国历史上维持不足百年的统治集团，也是十分看重传承和发展中华文化的分量。
带着一股朝气入主中国的满洲人，对中华文化更是完全接受。应该说，清朝的皇帝，大多数都是很能干的。自从进关，坐上了北京的金銮殿，他们为了打破“胡人统治中原不过百年”的所谓“神话”，战战栗栗，日谨一日，虚心好学，对中华文化虔诚至极。因为有入关后第一位皇帝顺治“渐习汉俗，于淳朴旧制，日有更张”，所以，满族统治者的后人，也都一代又一代地成了汉学名家。开创了“康乾盛世”的康熙，就是一个对中华文化有着很深造诣的皇帝，《清史稿·圣祖本纪》说他“圣学高深，崇儒重道。几暇格物，豁贯天人，尤为古今所未觏。而久道化成，风移俗易，天下和乐，克致太平。其雍熙景象，使后世想望流连，至于今不能已。”
一个“圣学高深，崇儒重道”，就说明了康熙对中华文化造诣之深。
为“康乾盛世”承上启下的雍正，更是强化“满汉一体”，他在亲自审理“吕留良文字狱”一案时，就曾经与“吕留良案”牵扯的主要人物曾静，进行过一场面对面的辩论。他驳斥曾静“满洲人入主中原，是外夷侵略中国”之说，说满洲人是中华民族的一员，自己就是继承中华大一统文化的中国皇帝，而不是建州大营的满洲部落首领。
把“康乾盛世”推上颠峰，也送上末路的乾隆，更是一个对中华文化痴迷如颠的皇帝。乾隆不仅是一位政治家，而且还是一位文学家和艺术家，他通诗文，精鉴别，诸练画史，游戏笔墨，兼擅山水花草、兰竹梅石，他对明代画家沈士充的《仿宋元十四家笔意》手卷之钟爱，就说明乾隆对中华文化与艺术的如醉如痴。沈士充是活跃于明万历至崇祯年间的著名画家，是明朝画坛上“云间派”的代表，他的山水、人物、花鸟，笔墨疏秀，丘壑茜葱，皴染淹润，都是云间派的正传，名噪于当时。沈士充是明代临摹古画的奇才高手，他所仿宋元名家佳作，不独皮毛面目，而有神有韵，风华秀润，惟妙惟肖，神采奕奕，扑人眉睫。特别集14家于一卷，又有明代董其昌等13位书画界名人点评，《仿宋元十四家笔意》是一幅自五代十国，至宋、元、明700余年中国绘画的历史图卷，嗜画如命的乾隆为之倾倒，题诗15段，钤印32方。我们下面仅举两例，以说明乾隆对中华文化的造诣。
乾隆在沈士充所仿北宋著名画家郭熙的《关山行旅图》上题诗：“架空栈道萦纡，问路行人迤逦：试思孰非此哉，太白言之尽矣。右仿郭熙关山行旅。钤御印两方：几暇怡情、得佳趣。”
郭熙不仅是著名画家，而且是著名的山水画理论家，长期担任北宋中央画院院长职务，是一位很有成就的绘画教育家，由其子郭思记录整理的《林泉高致集》，是中国美术史重要文献，对后代山水画的创作具有指导意义，而且受到西方艺术界的高度重视，西方人对中国山水画的兴趣，多半源于郭熙的理论著作。前面提到德国包豪斯教授学生学习中国北宋山水画，即是一例。沈士充所仿《关山行旅图》，高山雄起，回溪断崖，岩岫巉绝，长松虬枝，驿道艰险，一队行旅，跨越溪涧长桥，沿两山间峡谷，匆匆赶路。透过峡谷，隐约间显现出一关城，旗杆高立，雄旗飘扬，一派生机景象。
乾隆在沈士充所仿南宋著名画家赵孟頫《青山红树图》上题诗：“展卷古香扑鼻，了知手笔不凡；精神全是天水，秋色只在云岩；红叶绿叶错出，远霭近霭相衔；弗者游人策杖，恐妨湿却衣衫。右仿赵孟頫青山红树，钤御印二方：几暇怡情、得佳趣。”
赵孟頫是赵匡胤第11世孙，生于南宋理宗宝佑二年（1254年），卒于元英宗至治二年（1322年），他博学多才，诗词、书法、绘画、音乐造诣均深，特别是书画方面成绩最为突出。他的绘画理论和实践对明、清两代都有极大的影响。沈士充所仿《青山红树图》，近景湖岸树木，远景彼岸沙渚群山，用披麻皴或荷叶皴，山头用青绿皴染，树木、水草、沙渚则精描细点，后又以青、赭、红、绿等多色调加以渲染，整个画面结构颇富节奏感，虚实相生，笔法潇洒清逸，设色明丽浓郁，风格古雅俊秀，近景、中景和远景，布局合理，意境清旷深远，表现出文人画秀逸的笔墨风韵。
上面我们举证了在中国历史上占统治地位的少数民族政权，对中国传统文化的传承和发展所采取的态度，藉此说明中华文化的一脉相承，同时也说明，中华文化千百年的发展和演化，完全是中华民族各兄弟民族共同传承的结果。它是在各民族不断融合之中得到发展；同时也在发展中使各民族文化不断得到融合。发展，融合；融合，发展，共同传承，共同创造，这是中华文化得以生生不息、繁荣昌盛的根本所在。
02·中华文化与现代设计
中国古代有两部被世界称道的书，反映了中华文化对设计的影响。一部是先秦时期的《考工记》，另一部是被国外研究者誉为中国17世纪工艺网络全书的《天工开物》。
《考工记》的作者及成书年代不详，一般认为是春秋战国时期，经齐国人之手完成的。《天工开物》是我国明代大科学家宋应星（1587—1663年）的代表作，初版于崇祯十年（1637年）。这两部书都是对世界产生过，并且继续产生着影响的中国古代科技文献，也是中华文化与科学设计思想结合的典范之作。《考工记》和《天工开物》对后世的影响，足以让我们瞠目。大约还在唐代，《周礼》便传到了日本；19世纪50年代，《周礼》又被译成了法文，《考工记》亦随之传到了日本和西方。现在它已受到了更多外国学者的注意和重视。据不完全统计，截至1989年止，《天工开物》一书在全世界共发行了16个版本，印刷了38次之多。
下面我们结合这两部书，继续讨论中华文化对现代设计的影响。
《考工记》一向被称为“先秦百工技艺之书”，我们今天所见到的《考工记》，是作为《周礼》的一个部分——《周礼·冬官考工记》出现的。《周礼》一书原有六官之纪，即“天官冢宰”、“地官司徒”、“春官宗伯”、“夏官司马”、秋官司冠”、“冬官司空”。但“冬官司空”早佚。据说西汉时期，河间献王刘德修学好古，喜欢收集先秦经典，为购求此篇，曾费千金而不得，不得已而以《考工记》补之。此书原无名称，《考工记》之名亦是汉代人手笔，后又经刘歆父子之手，才得今本。《考工记》之被列入中国古代“三礼”之一的《周礼》，就足以说明中国古人已经注意到传统文化与现代科技的相互交融。
春秋战国时期，是中国古代社会大变革的重要历史时期，农业、手工业、商业、科学技术，在这个时代都有了很大的发展。在手工业中，一方面是原有的操作工艺更为纯熟；另一方面又产生了许多新的工艺。分工也更加精细，《考工记》就有“攻木之工七”、“攻金之工六”、“攻皮之工五”等等记载，表明在每一专业之中，还细化出不同的工种。这时，春秋以前的“工商食官”格局已经打破，除了官府手工业外，又出现了许多私营的个体手工业。由于社会大变革的深化，文化教育、科学技术开始普及于民间，于是“孔墨之弟子徒属，充满天下”，学术思想空前活跃，呈现出百家争鸣的局面。许多士大夫都比较重视实践，关心社会的进步和生产技术的发展，鲁班、墨翟、李冰等一些杰出的学者、技术发明家便应运而生。他们把中华文化与科学技术紧密结合起来，通过科学设计，使许多工艺技术得以改进和提高，从而使社会生产力获得巨大发展。
《考工记》就是反映当时工艺技术和设计水平发展的技术规范著作，涉及运输和生产工具、兵器、容器、乐器、玉器、皮革、染色、建筑等专业，每一专业又有更细的分工。譬如，“攻木之工七；攻金之工六；攻皮之工五；设色之工五；刮摩之工五；抟埴之工二”。攻木之工涉及与木工制作有关的工艺技术，包括轮、舆、弓、庐、匠、车、梓等7个工种；攻金之工涉及与金属制作有关的工艺技术，包括筑、冶、凫、栗、段、桃等6个工种；攻皮之工涉及与皮革制作有关的工艺技术，包括函、鲍、韗、韦、裘等5个工种；设色之工涉及与纺织印染有关的工艺技术，包括画、缋、钟、筐、覩等5个工种；刮摩之工涉及与精细加工有关的工艺技术，包括玉、楖、雕、矢、磬等5个工种；搏埴之工涉及与陶瓷制作有关的工艺技术，包括陶、瓬等2个工种。
《考工记》不但对上述6个专业30个工种，进行了严格的分工，而且对每一个专业和工种的设计规范和制作工艺，做出了明确的规定和解释，并在记述各种经验技术知识的同时，力图阐明其中的科学道理。
从《考工记》上可以看出，在专业和工艺技术分工上，中国的设计发展，是受着中华文化极大影响的，譬如《考工记》开篇就说：“坐而论道，谓之王公；作而行之，谓之士大夫；审曲面埶以饬五材，以辨民器，谓之百工；通四方之珍异以资之，谓之商旅；饬力以长地财，谓之农夫；治丝麻以成之，谓之妇功。”
上述的社会分工思想，就是中国传统文化，在专业分工、工种细化中的反映。不仅如此，许多技术规范，还直接反映了周王朝的一些典章制度。如我们前面提到的“玉人之事”条说：“镇圭尺有二寸，天子守之。命圭九寸，谓之桓圭，公守之；命圭七寸，谓之信圭，候守之；命圭七寸，谓之躬圭，伯守之。”这是传统文化对设计及工艺规范直接影响的明证。又如“车有六等之数”条说：“兵车之轮六尺有六寸，田车之轮六尺有三寸，乘车之轮六尺有六寸”。这是对车轮尺寸的一种标准化管理。若依当时齐国的尺（每尺约合19．7厘米）推算，此兵车、乘车之轮径应为1．30米；而经测量，河南辉县琉璃阁战国墓出土的16号车轮径正好为1．30米。这显然是一种标准化设计思想的体现，也是中国传统文化中，一再强调大一统和“无规矩不成方圆”思想的自然表现。
传统文化对现代设计的影响，我们在《考工记》的“匠人营国”条中，看得更清楚。书曰：“匠人营国，方九里，旁三门，国中九经、九纬。经涂九轨，左祖右社，面朝后市，市朝一夫。夏后氏世室，堂修二七，广四修一，五室三四步，四三尺，九阶。四旁两夹●，白盛。门堂三之二，室三之一。殷人重屋，堂修七寻，堂崇三尺，四阿重屋。周人明堂，度九尺之筵，东西九筵，南北七筵，堂崇一筵。五室凡室二筵，室中度以几，堂上度以筵，宫中度以寻，野度以步，涂度以轨。庙门容大扃七个，闱门容小扃参个，路门不容乘车之五个，应门二彻参个。内有九室，九嫔居之；外有九室，九卿朝焉。九分其国以为九分，九卿治之。王宫门阿之制五雉，宫隅之制七雉，城隅之制九雉。经涂九轨，环涂七轨，野涂五轨。门阿之制，以为都城之制；宫隅之制，以为诸侯之城制；环涂以为诸侯经涂；野涂以为都经涂。”
春秋战国之时，各诸侯国纷纷建都造城，规模十分宏大，从发掘的古代都城遗址看，都城已经有明确的分区规划设计，宫殿区、作坊区等，都十分明显。面对当时的城市化高潮，《考工记》对都城的形制、城门的数量、道路的设计，宫殿的布局，以及城市等级、建筑设计标准等等，都作出了明确的规定，使当时的大规模城市建设活动有所遵循。这是中国最早，也是最具影响力的城市规划设计规范，自周王朝以后，一直到明清的北京紫禁城，几乎都沿用着这个《周礼》上的都市规划指导思想。虽然随着社会发展，城市功能不断复杂化，城市的规划设计也发生很大变化，但中国的都市规划设计思想，在封建社会里几乎是一脉相承，即受着中国传统文化的深刻影响。直到今天，这种影响也还深刻地存在着，譬如我们对城市等级、城市规模、城市基础设施配置等等，自觉不自觉的就套用行政级别，首都为第一等，直辖市为第二等，省辖市为第三等，以此类推，降幂排列，这就是中国传统文化等级思想在设计上的体现。到了汉代，《考工记》被列入《周礼》之中，更成了封建社会必须遵循的仪礼规范，不但城市建制，连同人们使用的器物，也都按照等级地位，有了明确的规范约束。所谓“非礼勿动，非礼勿施”，就已经把传统文化灌输到一切设计当中了。
到宋应星编著《天工开物》的时候，人类社会已经进入17世纪，西方资本主义开始了世界性的扩张活动，这时的中国封建社会也已经进入了明王朝的末期。明代是我国古代农业、手工业、商业都比较发达的时期，由于商品经济的发展，明代中期以后，部分地区的不少行业中，也出现了资本主义萌芽。在农业中，耕地面积扩大，作物品种得到改良和增加，粮食作物、经济作物的单位面积产量和总产量都有了明显提高，一些地区出现了专业化经营。明代手工业种类较多，且已具备了一定规模，尤其是与国计民生关系较为密切的冶金、陶瓷、纺织等行业最为发达。明代商业和交通亦较发达，一些巨商往往致富于数千里之外。农业、手工业和商业的发展，都有力地促进了科学技术的发展。明代后叶是科技思想大放光芒的时期，徐光启的《农政全书》、李时珍的《本草纲目》、徐弘祖的《徐霞客游记》等长篇巨著，都在这时诞生。明代科学著作大都具有承前启后、集历代之大成的特点：它们既总结和继承了前人的优秀成果，又在研究方法和学术思想上有所创新。《天工开物》就是这样一部集中国传统文
2. 怎样理解现代文明中的民间工艺美术设计
在今天的世界上，象中华文化这样一脉相承的，也只有中华文化。所谓世界四大文明古国，也只有中华民族5000多年的历史一脉相承，不曾中断。也正是因为积于这一点，中国人对传统文化情有独钟。 我们谈中国传统文化，大体离不开易学文化，离不开儒、道、释文化，即儒学、道学和佛学。佛学之所以被称为“释”，是因为它已经不是原来意义上的印度佛学，而是被汉化了的佛学，即经过中国千百年流传、演化，被中华文化重新诠释过的佛学。欧洲文化，在很大程度上，是一种宗教文化占支配地位的文化，所以在西方的历史上，宗教争端，又常常是战争的诱因。在东方，或者说主要是在中国，各种文化互相融通，数千年相安无事，这本身就说明中华文化的巨大兼容性，也正是因为这种兼容性，才使中华文化达到今天的博大精深。 中国传统文化离不开易经和儒道释这个主干，是因为它们各自担负着自己的使命，相互交叉作用，共同维持着这个社会的平衡和稳定。台湾学者南怀谨对儒、道、释三家，有一种比喻，他说：“儒家像粮食店，绝不能打。否则，打倒了儒家，我们就没有饭吃——没有精神粮食；佛家是百货店，像大都市的百货公司，各式各样的日用品俱备，随时可以去逛逛，有钱就选购一些回来，没有钱则观光一番，无人阻拦，但里面所有，都是人生必需的东西，也是不可缺少的；道家则是药店，如果不生病，一生也可以不必去理会它，要是一生病，就非自动找上门去不可。”南先生在这里没有谈到易经，如果把儒家比喻成粮食店；把佛家比喻成百货店；把道家比喻成中药店，那么，易经就是超级市场。它几乎成了中华文化的集散地，中华文化的任何一个支脉，都可以从它那里找到根，并且可以藉此证明自己对中华文化的发扬光大。我们姑且不论此种比喻是否恰如其分，至少说明易学文化与儒、道、释文化各司其职，共同维护着中国这个地大物博、人口众多、民族繁荣、历史厚重的社会。 中国传统文化对于中国社会发展，影响是巨大而又深刻的。用之于政治，可以治国安邦，譬如中国历史上的盛世，都是内用黄（帝）老（子），外施儒术的结果；用之于经济，可以富国强兵，譬如管仲使齐国成为春秋五霸，就是阴阳文化和道家哲学的实践结果；用之于军事，可以百战百胜，譬如中国的军事家，从孙子到诸葛亮，都是阴阳学家；用之于个人，可以修身养性，譬如老庄的“无为”哲学，贯穿于中华文化始终，使一代又一代的中国士大夫，或者知识分子中的大多数，实践着“达则兼济天下，穷则独善其身”的信条；用之于社会，可以安居乐业，譬如儒家的天命论，一向被统治者奉为正统，道家的无为观，一向被统治者视为至宝，就是因为它们一贯提倡知足常乐，使人人在社会上自安，从而带来整个社会的安定；用之于科学，可以见微知著，譬如许多科学家的发现与发明，都曾经受到易经文化的影响，西方人莱布尼茨的二进位制的发明，美籍华人杨振宁和李政道的“弱相互作用宇称不守恒定律”的发现等等，都有《易经》的影响；用之于艺术，可以美轮美奂，譬如中国水墨山水绘画的写意和抒情，中国书法艺术的出神入化，都曾经和正在陶醉着无数的世界名人；用之于设计，可以精美绝伦，譬如中国古代的浑天仪、司南等等，都曾经使世界历史为之倾倒……这就是中华文化的伟大和妙用，用它来解释宏观世界，可以知道，宇之表无极，宙之端无穷；用它来阐述微观世界，可以明白，一尺之捶，日截其半，万世不竭。 中华文化对于世界的影响，也同样是巨大的。我们先来看西方的哲学，黑格尔是19世纪德国著名的哲学家，这位大哲学家在他的自传中就承认，他所创造的“正反合辨证逻辑定律”，正是得自中国《易经》的启发。并且在《哲学史讲演录》上，赞叹《易经》说：“《易经》包含着中国人的智慧。”据说，这位西方哲学家后来曾经感叹地说，他一生中最大的遗憾是没有完全学透中国的《易经》！列宁曾经指出：“要继承黑格尔和马克思的事业，就应当辩证地研究人类思想、科学和技术的历史。”（见列宁《哲学笔记》）。列宁在这里不仅是对哲学家黑格尔的尊重，也说明了传统文化对于现代科技的重要作用。 不仅仅是哲学，在自然科学领域里，中华文化也仍然具有无穷的魅力。英国著名科学家李约瑟，曾以巨著《中国科学技术史》饮誉全球。他对中华文化不仅仅是情有独钟，而是如醉如痴，他在中国古代科学技术的王国里，已经穿行了很久很久，其贪婪程度，不亚于一头饿极之牛猛然闯进麦苗青青的田园。李约瑟，这位英国剑桥大学岗维尔和凯厄斯学院院长，对中国的传统文化有着浓厚的兴趣，他在研究莱布尼兹的二进位制数学与中国《易经》的相互关系后，对《易经》作出了很高的评价，他说：“我们看到他（莱布尼兹）的关于代数语言或数学语言的概念也是受到中国的影响，正如同《易经》的排列系预示二进制一样。”同时，他对易经卦象用于练丹术极为倾心，在《中国科学技术史》中，特辟十二消息卦与纳甲、《周易参同契》、外丹说与丹术等章节进行论述。李约瑟博士以自己的实践，对中华文化得出了这样的结论：中国古代科学技术是一座富有的金矿。 也不独自然科学，在艺术与设计领域，我们仍然可以见到中华文化的巨大影响力。我们在前面章节中已经提到过的，在西方艺术设计教育史上最具影响力的包豪斯，就深受中国传统文化的影响。包豪斯早在20世纪20年代，就对中国的老庄学说，发生了浓厚的兴趣，而且还把老庄哲学，应用到教学和设计实践中去。有一个曾经在包豪斯的历史上产生过重要影响的人物，他就是瑞士画家约翰·伊顿（Johannes Itten）。伊顿是包豪斯最重要的教师，他的主要成就是，设计并推出了包豪斯的初步课程。这个初步课程的首要目的在于，把每个学生内心沉睡着的创造潜能解放出来。约翰·伊顿以中国传统文化与西方的科学技术相结合，在其教育实践中，引进了老庄的哲学思想和道教的气功修炼。伊顿给学生讲中国的老庄哲学思想，经常引用《老子》“道大，天大，地大，人亦大。域中有四大，而人居其一焉。人法地，地法天，天法道，道法自然”一类的话。要求学生在做专业训练之前，先要磨练自己的身体和意志，辅助手段是躯体拉伸、呼吸控制、沉思冥想。伊顿要求学生学习画中国山水画，让学生画山、画水、画树，要求学生用老庄的哲学思想观察与诠释世界。上人体绘画课时，伊顿也大胆引进老庄的哲学思想，他不要求解剖学意义上的准确无误，而要求学生独出心裁地发掘与诠释模特摆出来的各种姿势。伊顿还经常引用老子“有之以为利，无之以为用”的观点，帮助学生掌握建筑空间理论。伊顿十分注重发挥学生的个性，把学生分为倾向精神表现者、倾向理性结构者、倾向真实再现者三种类型，分别加以不同的指导。这明显源于孔子的“有教无类”和“因材施教”的思想。 皇皇5000余年中华文化，不断发展，不断丰富，但却从未中断，这一点是世界上任何文化都无法比肩的。曾经盛极一时的古埃及文化，在经历过古王国、中王国和新王国的辉煌之后，终于在公元前11世纪沉寂在尼罗河腹地的沙漠深处；曾经建立过法治社会的两河文化，在经历过汉谟拉比法典殊荣之后，踉踉跄跄走过四个王朝，虽然有过新巴比伦王朝的中兴，但最终还是在公元前5世纪的自相残杀中，落日于幼发拉底河与底格里斯河之间；曾经为地中海点燃文明之火的古希腊文化，在经历过克里特—迈锡尼文化的辉煌、希腊城邦的繁荣、亚历山大帝国的东西方交流之后，终于在公元前2世纪的三次马其顿战争之后，折戟沉沙在爱琴海中；建立在古希腊文化基础之上，把古希腊文化发扬光大的古罗马文化，在辉煌了上千年，完成了地中海文明的传承任务后，也在蛮族的劫掠下，于公元5世纪退出了历史舞台，虽然有东罗马帝国的延宕，但那已经是融合了东方文化的拜占廷帝国了。 上面的例证足以说明，在世界上，那些曾经在不同历史时期辉煌一时的文化，曾经为世界文明贡献过全部遗传的文化，都不曾象中华文化这样一脉相承，前后5000余年保持着丝丝入扣的传承关系。在博大精深的中华文化之下，生活在这块土地上的中华民族的子孙，都以传承和发展中华文化为己任，为荣耀。这种历史使命感，历史荣耀感，不仅为占绝对多数的汉民族所独有，而是中华民族大家庭中各兄弟民族所共有。我们姑且不论上古时代先民部族经过怎样数万年，乃至数十万年的融合，单就各兄弟民族共同承认自己是炎黄子孙这一点，就足以证明中华文化的博大精深和源远流长。黄帝发明衣服、舟、车，炎帝又被称为神农氏，“斲木为耜，揉木为耒，耒耨之利，以教天下”。太昊氏又被称为伏羲氏，发明网罟，又作八卦，八卦是比结绳为进步的记事方法。据说蚩尤“以金为兵器”，是金属冶炼的最早发明者……所有这些太古时期的物质文明、精神文明成果，都有我们各兄弟民族的不同贡献。 在中国，曾经有过许多少数民族或者局部，或者全部占统治地位的历史，但他们从来不曾否认自己是中华民族的传人。北魏时期，是鲜卑人统治中国北方的时代，但鲜卑人对自己的祖先却有最明确的解释，《魏书·序纪》开篇写道： 昔黄帝有子二十五人，或内列诸华，或外分荒服。昌意少子，受封北土，国有大鲜卑山，因以为号。其后世为君长，统幽都之北，广漠之野。畜牧迁徙，射猎为业，淳朴为俗，简易为化，不为文字，刻木纪契而已。世事远近，人相传授，如史官之纪录焉。黄帝以土德王，北俗谓土为托，谓后为跋，故以为氏。其裔始均，入仕尧世，逐女魃于弱水之北，民赖其勤，帝舜嘉之，命为田祖。爰历三代，以及秦汉，獯鬻、猃狁、山戎、匈奴之属，累代残暴，作害中州，而始均之裔，不交南夏，是以载籍无闻焉。积六十七世，至成皇帝讳毛立，聪明武略，远近所推，统国三十六，大姓九十九，威振北方，莫不率服。 由上可知，鲜卑人把自己的祖先直追到黄帝的儿子昌意门下，说自己是昌意小儿子的后人。据司马迁考证，黄帝生于寿丘，长于姬水，因以为姓；居轩辕之丘，因以为名，又以为号。黄帝有四个妃子，其中西陵之女，名曰嫘祖，是黄帝的正妃。嫘祖生了二个儿子，其一曰玄嚣，是为青阳，青阳居住在江水；其二曰昌意，居住在若水。若水在蜀地，黄帝就为昌意娶蜀山氏女，名曰昌仆，后来昌意与昌仆所生的子孙，都以山名封部落号。昌仆生的孩子中，有一个叫高阳的，也就是后来接了黄帝班的颛顼。至于昌意的小儿子是否昌仆所生，是否受封北方，并且统治幽都以北地区，我们不得而知，但鲜卑人以大鲜卑山为自己的部族名号，倒是真实的。鲜卑人以慕容氏、拓拔氏为最著名，北魏就是拓拔氏建立的政权。由鲜卑人自己修著的历史，我们知道。他们并不认为自己是中华民族的外夷，而是中华民族始祖之一黄帝的嫡出。 在北魏的皇帝中，有一位很有名气的皇帝，即历史上一再被后人提到的北魏孝文帝拓拔宏，或者元宏。孝文帝是一个很有作为的皇帝，在他统治北魏的时期，不但强调民族融合，而且对中华民族传统文化顶礼膜拜，《魏书·高祖纪》上说他“雅好读书，手不释卷。《五经》之义，览之便讲，学不师受，探其精奥。史传百家，无不该涉。善谈《庄》、《老》，尤精释义”。不仅好汉学，这位孝文帝还在北魏大力推广汉化，把首都也从今天的大同迁到了洛阳，后来索性自己带头，把拓拔氏也改成了汉化的元姓。 在中国历史上曾经占据过统治地位的，还有一个少数民族——蒙古族。蒙古族的成吉思汗，横扫欧亚大陆，虽然他和他的子孙们，没有把自己的上祖追溯到炎黄，但最终也只能把自己的根植于中华文化之下。成吉思汗的孙子忽必烈，最终统一了中国本土，成为一代很有些气度的皇帝。《元史·世祖传》说他“度量弘广，知人善任使，信用儒术，用能以夏变夷，立经陈纪，所以为一代之制者，规模宏远矣。”一个“信用儒术”；一个“以夏变夷”，就说明蒙古族统治者被中华文化所征服。元朝虽然把佛教奉为国教，但却不废儒学和道学。《元史·释老传》说：“释、老之教，行乎中国也千数百年，而其盛衰每系乎时君之好恶。是故佛于晋、宋、梁、陈，黄、老于汉、魏、唐、宋，而其效可睹矣。元兴，崇尚释氏，而帝师之盛，尤不可与古昔同语。维道家方士之流，假祷祠之说，乘时以起，曾不及其什一焉。宋旧史尝志老、释，厥有旨哉。乃本其意，作《释老传》。”《元史·儒学传》也说：“元兴百年，上自朝廷内外名宦之臣，下及山林布衣之士，以通经能文显著当世者，彬彬焉众矣。”可见这个在中国历史上维持不足百年的统治集团，也是十分看重传承和发展中华文化的分量。 带着一股朝气入主中国的满洲人，对中华文化更是完全接受。应该说，清朝的皇帝，大多数都是很能干的。自从进关，坐上了北京的金銮殿，他们为了打破“胡人统治中原不过百年”的所谓“神话”，战战栗栗，日谨一日，虚心好学，对中华文化虔诚至极。因为有入关后第一位皇帝顺治“渐习汉俗，于淳朴旧制，日有更张”，所以，满族统治者的后人，也都一代又一代地成了汉学名家。开创了“康乾盛世”的康熙，就是一个对中华文化有着很深造诣的皇帝，《清史稿·圣祖本纪》说他“圣学高深，崇儒重道。几暇格物，豁贯天人，尤为古今所未觏。而久道化成，风移俗易，天下和乐，克致太平。其雍熙景象，使后世想望流连，至于今不能已。” 一个“圣学高深，崇儒重道”，就说明了康熙对中华文化造诣之深。 为“康乾盛世”承上启下的雍正，更是强化“满汉一体”，他在亲自审理“吕留良文字狱”一案时，就曾经与“吕留良案”牵扯的主要人物曾静，进行过一场面对面的辩论。他驳斥曾静“满洲人入主中原，是外夷侵略中国”之说，说满洲人是中华民族的一员，自己就是继承中华大一统文化的中国皇帝，而不是建州大营的满洲部落首领。 把“康乾盛世”推上颠峰，也送上末路的乾隆，更是一个对中华文化痴迷如颠的皇帝。乾隆不仅是一位政治家，而且还是一位文学家和艺术家，他通诗文，精鉴别，诸练画史，游戏笔墨，兼擅山水花草、兰竹梅石，他对明代画家沈士充的《仿宋元十四家笔意》手卷之钟爱，就说明乾隆对中华文化与艺术的如醉如痴。沈士充是活跃于明万历至崇祯年间的著名画家，是明朝画坛上“云间派”的代表，他的山水、人物、花鸟，笔墨疏秀，丘壑茜葱，皴染淹润，都是云间派的正传，名噪于当时。沈士充是明代临摹古画的奇才高手，他所仿宋元名家佳作，不独皮毛面目，而有神有韵，风华秀润，惟妙惟肖，神采奕奕，扑人眉睫。特别集14家于一卷，又有明代董其昌等13位书画界名人点评，《仿宋元十四家笔意》是一幅自五代十国，至宋、元、明700余年中国绘画的历史图卷，嗜画如命的乾隆为之倾倒，题诗15段，钤印32方。我们下面仅举两例，以说明乾隆对中华文化的造诣。 乾隆在沈士充所仿北宋著名画家郭熙的《关山行旅图》上题诗：“架空栈道萦纡，问路行人迤逦：试思孰非此哉，太白言之尽矣。右仿郭熙关山行旅。钤御印两方：几暇怡情、得佳趣。” 郭熙不仅是著名画家，而且是著名的山水画理论家，长期担任北宋中央画院院长职务，是一位很有成就的绘画教育家，由其子郭思记录整理的《林泉高致集》，是中国美术史重要文献，对后代山水画的创作具有指导意义，而且受到西方艺术界的高度重视，西方人对中国山水画的兴趣，多半源于郭熙的理论著作。前面提到德国包豪斯教授学生学习中国北宋山水画，即是一例。沈士充所仿《关山行旅图》，高山雄起，回溪断崖，岩岫巉绝，长松虬枝，驿道艰险，一队行旅，跨越溪涧长桥，沿两山间峡谷，匆匆赶路。透过峡谷，隐约间显现出一关城，旗杆高立，雄旗飘扬，一派生机景象。 乾隆在沈士充所仿南宋著名画家赵孟頫《青山红树图》上题诗：“展卷古香扑鼻，了知手笔不凡；精神全是天水，秋色只在云岩；红叶绿叶错出，远霭近霭相衔；弗者游人策杖，恐妨湿却衣衫。右仿赵孟頫青山红树，钤御印二方：几暇怡情、得佳趣。” 赵孟頫是赵匡胤第11世孙，生于南宋理宗宝佑二年（1254年），卒于元英宗至治二年（1322年），他博学多才，诗词、书法、绘画、音乐造诣均深，特别是书画方面成绩最为突出。他的绘画理论和实践对明、清两代都有极大的影响。沈士充所仿《青山红树图》，近景湖岸树木，远景彼岸沙渚群山，用披麻皴或荷叶皴，山头用青绿皴染，树木、水草、沙渚则精描细点，后又以青、赭、红、绿等多色调加以渲染，整个画面结构颇富节奏感，虚实相生，笔法潇洒清逸，设色明丽浓郁，风格古雅俊秀，近景、中景和远景，布局合理，意境清旷深远，表现出文人画秀逸的笔墨风韵。 上面我们举证了在中国历史上占统治地位的少数民族政权，对中国传统文化的传承和发展所采取的态度，藉此说明中华文化的一脉相承，同时也说明，中华文化千百年的发展和演化，完全是中华民族各兄弟民族共同传承的结果。它是在各民族不断融合之中得到发展；同时也在发展中使各民族文化不断得到融合。发展，融合；融合，发展，共同传承，共同创造，这是中华文化得以生生不息、繁荣昌盛的根本所在。 02·中华文化与现代设计 中国古代有两部被世界称道的书，反映了中华文化对设计的影响。一部是先秦时期的《考工记》，另一部是被国外研究者誉为中国17世纪工艺网络全书的《天工开物》。 《考工记》的作者及成书年代不详，一般认为是春秋战国时期，经齐国人之手完成的。《天工开物》是我国明代大科学家宋应星（1587—1663年）的代表作，初版于崇祯十年（1637年）。这两部书都是对世界产生过，并且继续产生着影响的中国古代科技文献，也是中华文化与科学设计思想结合的典范之作。《考工记》和《天工开物》对后世的影响，足以让我们瞠目。大约还在唐代，《周礼》便传到了日本；19世纪50年代，《周礼》又被译成了法文，《考工记》亦随之传到了日本和西方。现在它已受到了更多外国学者的注意和重视。据不完全统计，截至1989年止，《天工开物》一书在全世界共发行了16个版本，印刷了38次之多。 下面我们结合这两部书，继续讨论中华文化对现代设计的影响。 《考工记》一向被称为“先秦百工技艺之书”，我们今天所见到的《考工记》，是作为《周礼》的一个部分——《周礼·冬官考工记》出现的。《周礼》一书原有六官之纪，即“天官冢宰”、“地官司徒”、“春官宗伯”、“夏官司马”、秋官司冠”、“冬官司空”。但“冬官司空”早佚。据说西汉时期，河间献王刘德修学好古，喜欢收集先秦经典，为购求此篇，曾费千金而不得，不得已而以《考工记》补之。此书原无名称，《考工记》之名亦是汉代人手笔，后又经刘歆父子之手，才得今本。《考工记》之被列入中国古代“三礼”之一的《周礼》，就足以说明中国古人已经注意到传统文化与现代科技的相互交融。 春秋战国时期，是中国古代社会大变革的重要历史时期，农业、手工业、商业、科学技术，在这个时代都有了很大的发展。在手工业中，一方面是原有的操作工艺更为纯熟；另一方面又产生了许多新的工艺。分工也更加精细，《考工记》就有“攻木之工七”、“攻金之工六”、“攻皮之工五”等等记载，表明在每一专业之中，还细化出不同的工种。这时，春秋以前的“工商食官”格局已经打破，除了官府手工业外，又出现了许多私营的个体手工业。由于社会大变革的深化，文化教育、科学技术开始普及于民间，于是“孔墨之弟子徒属，充满天下”，学术思想空前活跃，呈现出百家争鸣的局面。许多士大夫都比较重视实践，关心社会的进步和生产技术的发展，鲁班、墨翟、李冰等一些杰出的学者、技术发明家便应运而生。他们把中华文化与科学技术紧密结合起来，通过科学设计，使许多工艺技术得以改进和提高，从而使社会生产力获得巨大发展。 《考工记》就是反映当时工艺技术和设计水平发展的技术规范著作，涉及运输和生产工具、兵器、容器、乐器、玉器、皮革、染色、建筑等专业，每一专业又有更细的分工。譬如，“攻木之工七；攻金之工六；攻皮之工五；设色之工五；刮摩之工五；抟埴之工二”。攻木之工涉及与木工制作有关的工艺技术，包括轮、舆、弓、庐、匠、车、梓等7个工种；攻金之工涉及与金属制作有关的工艺技术，包括筑、冶、凫、栗、段、桃等6个工种；攻皮之工涉及与皮革制作有关的工艺技术，包括函、鲍、韗、韦、裘等5个工种；设色之工涉及与纺织印染有关的工艺技术，包括画、缋、钟、筐、覩等5个工种；刮摩之工涉及与精细加工有关的工艺技术，包括玉、楖、雕、矢、磬等5个工种；搏埴之工涉及与陶瓷制作有关的工艺技术，包括陶、瓬等2个工种。
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3. 包豪斯建筑风格特征（从家具、陈设、材料、造型、色彩）方面说明
包豪斯是现代主义建筑的源头
从风格角度讲，就是现代主义
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纽约西格拉姆大厦
这幢雄立于纽约曼哈顿区花园街的西格拉姆大厦建立于1954—1958年，设计人为著名建筑师密斯·凡·德·罗和菲利普·约翰逊。这是一座豪华的办公楼，总高达158米，建筑物外型极为简单，方方正正，直上直下。整座大楼采用当时刚刚发明染色隔热玻璃作幕墙，这占外墙面积75％的琥珀色玻璃，配以镶包青铜的铜窗格，使大厦在纽约众多的高层建筑中显得优雅华贵，与众不同。昂贵的建材和设计师精心的推敲及施工人员的精确无误的建造使大厦成了纽约最豪华精美的大厦。
4. 《包豪斯理想》试读：包豪斯是什么
包豪斯是一所设计学校，成立于二战后的德国。名字本身的意义是“house of building”。它的建立者瓦尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）立志在设计和教育方面要和过去的习俗一刀两断。他雇用有才华的教师来授课，然后这些教师会挑选出他们的得意门生来执教。 目的是用符合机器时代的简洁风格取代维多利亚时代的设计风格。包豪斯的首创逐渐发展成一项运动，将白色的室内设计、躺椅和玻璃摩天楼带进了我们的生活。这个运动的发起者另有其人——法国建筑师勒·柯布西耶就是其中一个。但是包豪斯开了一个好头，因为它本身就是一个崭新的、有抱负的设计产品——我称其为“包豪斯理想”。 包豪斯的教师，以其共有的目标和教学方法，将作为本书探索其历史踪迹的起点。 包豪斯的教师都是实干的艺术家和设计师。1933年包豪斯解散之后，许多教师都在美国大展身手且影响很大。纽约的现代艺术博物馆陈有下列所有包豪斯教师的作品： 安妮·艾尔伯斯（Anni Albers）——纺织品设计师。起先在包豪斯学习编织，后在包豪斯执教。后来她和丈夫约瑟夫·艾尔伯斯一起去了美国北卡罗来纳州的黑山学院，在那里任教16年。她的纺织设计承袭了她的老师保罗·克利的画作风格。她曾在现代艺术博物馆表演过独角戏时装秀（One Woman Show）。 约瑟夫·艾尔伯斯（Josef Albers）——画家。他最闻名遐迩的成就是一系列色彩研究，叫做“向正方形致敬”。他先在包豪斯就读，后成为教师。1933年后，他在黑山学院执教。他在那里的同伴有约翰·凯奇、摩斯?康宁汉、罗伯特·劳森伯格和巴克明斯特·富勒。他作为耶鲁设计系主任结束了职业生涯。 拉斯洛·莫合利-那基（Laszlo Moholy-Nagy）——摄影师、设计师和雕刻师。他因非传统材料——金属、塑料和电线制作的抽象雕塑而闻名。他的成就还有把空间压缩成动态二维构成的照片和照片拼贴。包豪斯解散之后，他在芝加哥成立了新包豪斯，作为包豪斯的继任机构。新包豪斯后来与伊利诺伊工学院合并。 赫伯特·拜尔（Herbert Bayer）——平面设计师。曾在包豪斯学习绘画，后成立包豪斯印刷广告工作室。主要成就是非衬线字体，他称之为“通用字体”。从1938年开始，他在美国做平面设计师。著名作品包括为美国集装箱公司设计的一系列艺术插画广告，被称为“Great Ideas of Western Man”。 马塞尔·布劳耶（Marcel Breuer）——设计师、建筑师。先就读于包豪斯，后在包豪斯执教。他设计的几把椅子迄今都是抢手货。后来他在美国做了建筑师，作品包括惠特尼博物馆和位于巴黎的联合国教科文组织总部。 路德维希·密斯·凡·德·罗——建筑师。他的建筑被称为现代设计里最纯洁最高雅的作品。他在1930年到1933年之间领导包豪斯。包豪斯解散后，他到了芝加哥，为伊利诺伊工学院建了一个新校区。他在芝加哥和纽约建造的摩天大楼，以及在柏林建造的公共建筑，都是玻璃箱的变体。现代艺术博物馆陈有他的精选论文集。 保罗·克利（Paul Klee）——艺术家。尽管他的朋友都是表现派画家，他自己的作品却是安静小巧——以灵巧之手快速绘制的梦境意象。他试图像孩子一样，对空荡荡的白纸产生自发反应。这种对技术的不信任使他根本不像老师。他相信线条和颜色有内在的交流属性——这也正是他所教授的内容。 瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）——画家。他出生于俄国，去德国参加了前卫派。就像克利一样，他也认为颜色和形式会传达信息，这种信息与它们所表现的自然物体截然不同。为了探索这种语言，他发明了抽象绘画。他的作品是纽约所罗门古根海姆美术馆的中流砥柱。 瓦尔特·格罗皮乌斯——建筑师。他成立了包豪斯，将工匠和艺术家汇集一堂，打破了行业屏障。作为推进建筑国际风格的动力，他于1938年到美国哈佛大学任教。后来，他成为设计研究所的负责人，成立了一家剑桥建筑实体——建筑师联会。 利奥尼?费宁格（Lyonel Feininger）——画家、平面艺术家，毕生的表现派画家。他曾是德国的一位漫画家，后在包豪斯教授平面艺术。他因画锯齿状矩形的建筑物轮廓而闻名，在纽约结束了职业生涯。1944年，现代艺术博物馆举行了他的作品回顾展览。 顾达·斯托兹（Gunta Stoltzl）——纺织品设计师，包豪斯纺织工作室的负责人。她的设计和抽象壁毯在欧洲的影响力可以和安妮·艾尔伯斯的图案在美国的影响力相媲美。 约翰内斯·伊滕（Johannes Itten）——画家，理论家。他设计了包豪斯的入门教程——学生学会如何处理颜色、形状和材料。他从拜火教吸收了视觉秩序和和谐的理念（拜火教是基于波斯索罗亚斯德教而建立的当代宗教）。自从包豪斯把重点转移到工业产品上之后，他就离开了包豪斯。他余生都致力于教授知识和写作，他的关于颜色和形状的书籍仍在出版。 玛丽安娜·布兰德（Marianne Brandt）——设计师。她在包豪斯设计的茶壶和银质器具，因其简洁的几何轮廓，现在仍极受收藏家的青睐。银制品从来都不会大量生产，但是她的金属台灯却在商业上获得了巨大成功。 面对工业化的来势汹汹，包豪斯的设计师没有惊慌失措，相反，他们想要掌控工业化趋势——创造匹兹堡和曼彻斯特那样的工业城镇以及开发一战中的致死技术。他们的梦想是制作意义非凡、赏心悦目的成品，为人们的日常生活带来身心健康和勃勃生机。他们非常清醒地意识到要走在时代前列。
5. 如何理解包豪斯在世界艺术的意义
包豪斯---永恒的影响
当第一次世界开始毁灭性爆发开始，不但摧残了世界爱好和平的人们，更把世界文化的发展埋单。
随着1919年隆隆的一战炮火的湮灭，这时候人们从噩耗中醒来，战后的欧洲和世界开始复苏，著名的建筑师、设计师Walter Gropius抱着振兴民族的艺术与设计希望，兼容了荷兰的风格派和俄罗斯的构成派艺术，在德国魏玛创建了Staatliches Bauhaus(国立建筑学校)，简称Bauhause，包豪斯是德语Bauhaus的译音，由德语Hausbau（房屋建筑）一词倒置而成。它由魏玛艺术学校和工艺学校合并而成，其目的是培养新型设计人才。融合建筑、纺织、陶瓷、金工、玻璃、雕塑、印刷等科目，因此，包豪斯主要是一所设计学校。1925年，包豪斯由于在学术见解上同当地名流发生分歧，迁至德绍，改名为“设计学院”。从1919年到1933年的14年中，它培养了整整一代现代建筑和设计人才，也培育了整整一个时代的现代建筑和工艺设计风格，被人们称为"现代设计的摇篮。"
第一任校长也就是包豪斯的创始人-Walter Gropius，1919年-1928年，1928-1930年瑞士建筑师H.迈耶任院长，1930-1932年 LudwigMies van der Rohe任院长。包豪斯于1932年迁柏林,不久停办。然而，正如他的开始，命运有着惊人的相似。随着政治气氛的进一步恶化，终于使包豪斯于1933年8月彻底解散。14年的积淀和融合无法阻挡摧毁世界的第2次毁灭性战争。学校中的教员和学生大部分都流散，1937年以后，他们多数移居美国，并在新的国家开始发展，包豪斯对于现代工业设计的贡献是巨大的，特别是它的设计教育体系和教学方式，现已成为世界许多艺术、设计院校的参照范例和构架基础；包豪斯的学术观点和教育观点随之传播四方，一度为欧美许多大学所采纳。
同时在20世纪诞生的4位著名设计师中，其中两位是包豪斯的学校校长。对世界现代设计的发展产生了深远的影响。
包豪斯主张创新，反对复古，讲究以人为本，少即是多，讲究材料与设计巧妙集合。设计了许多炙快人口的作品，影响了世界的现代设计。，其作品设计的融合性和经典性到快到百年的今天仍让人自叹不如。让我们回头来看他们几十名设计教师和一千多名学生对世界设计体系的影响吧。
Walter Gropius：第一任校长，成功的设计了包豪斯学校校舍，也是这所建筑的成功设计，是原本一直没把建筑学作为专业的包豪斯设计学院开设了建筑课，建筑专业的开设，使得原本传统的建筑设计融入现代设计的概念，被誉为现代建筑里程碑。建筑完全按照包豪斯的设计理念进行设计。高低错落，简洁明快，学习，制造等车间有机结合，面对主要街道的实习车间为大面积装有机械开窗装置的玻璃幕墙，
当在2003年我参观北大的建筑学院的一个会议厅时就见到了自动控制的玻璃幕墙，可以自由的采光，通风，把实用与美观巧妙的设计在墙体里，可见包豪斯该所建筑的影响力。依靠简朴的体块空间组成表面起伏和凹凸，富有节奏感。由于其简洁，这些建筑也创造了当时建筑的最低造价，20美分/平方英尺。也体现了少既是多的设计原则。
Ludwig Mies van der Rohe，20世纪世界 最伟大的四位设计师之一，他的设计概念少 既是多广为流传，被设计师奉为设计的至理名言，1929年巴塞罗那的德国馆的设计以几根 柱子组合简单横截面的展馆另人耳目一新，但是最为人引以为毫的并不是他的展馆，而是 他设计的一款金属藤椅，后来被所有的人称为巴塞罗那椅，成为家具设计的典范代表做， 单从他的名字上来就能看出它的影响，大家干脆叫他巴塞罗那椅，把他的金属藤椅的原名 忘记而用展览会的名字取代，可见他的影响意义非同凡响，他的构造式建筑设计，到了美 国得到凌厉的发挥，强调玻璃的应用，也可以说他是现代玻璃幕墙的创始人，典型的代表 作湖滨公寓和西格拉姆大厦，强调钢架结构和玻璃的完美融合，在美国乃至现代国际建筑 史上不得不谈的设计师，也是现代建筑设计的领路人。
在这中情况下，密斯被迫将学校迁到柏林，但是经费不管密斯如何的努力，包括已经到了出让设计专利以获取支持时期，但是经费已经
不足开支，虽然Dessau市答应提供到1935年的学院经费，但是1933年纳粹上台后，因为左倾的前期表现，已经被纳粹政府视为不可不打击的目标，因为包豪斯的国际设计界影响太大，他的立场势必影响民众。所以纳粹上台后，文化部一纸命令，关闭包豪斯，并宣称可以继续包豪斯，但是必须开除2个人：康定斯基，海波赦默，包豪斯在这种条件下于8月10日只好通知永久解散，解散后的大部分学生和老师去了美国追随他们的老校长去了。就这样，包豪斯设计如他们提倡的兼容发展，相互协作，少既是多的设计精神以14年的岁月解束了他的发展，虽然后来在纳吉组织下在美国芝加哥1937年成立新包豪斯，但是已经元气大伤，后来改为芝加哥设计学院，但是再也没有取得过像包豪斯时代的影响。
设计的原则是兼容并包，古为今用，去糟存精的一门学问，力求增之一分则太长，减之一分则太短，当删繁就简，以人为本。实用与美观相结合，达到一种完美的境界。原本创作就是综合产业技术的结合，本不是一种宣传工具，政治产物，而是一种以使用为目的一种艺术。但是设计师往往缺乏实践体验，感性太多，缺乏理性，所以一般的称谓他为匠人我认为合适些，像密斯这样的实用表现主义的设计大师才当称之为大师。可是受累非常，也可惜了他们的名气被部分人利用。但愿这种情形不会再发生。这只是我的一个良好的愿望而已，只有兴趣与爱好和工作完美的置换入脑中也许会诞生几位令人尊重的德高望重的先生来。
Marcel Breuer是包豪斯的第一期学生，毕业后留校任教成为包豪斯的教师，在家具设计方面的天才令所有同仁钦佩，并负责家具设计专业。他融合了表现主义，构成主义，以及风格派的主流意识，并融汇贯通形成自己独有的风格，在包豪斯新校舍完成后，校长Walter Gropius为诸位老师设计了新住宅，并请他为这批住宅设计家具，其中为包豪斯的老师Wassily （康定斯基）住宅所设计的（“WassilyChair (1925)”）椅子就是这批家具中的一件。他在受到自行车把手的启示后，设计出划时代的作品。这件作品中引入了他在包豪斯所受到的全部影响：其方型造型来自立体派，交叉的平面构图来自“风格派”，复杂的构架则来自结构主义，在其设计中充分利用新意的材料.首创和发明了世界钢管椅的设计。“WassilyChair ”后来由世界许多厂家生产过，至今仍以各种变体形式被家具厂制作着。这件作品对设计界的影响是划时代的，它不仅影响着以后的设计作品，而且影响着成百上千的其他设计师的作品。
他没有停止他的创作欲望，并再次利用这种创意思维推出又一件力作－－CESCA悬臂弹性椅，他注意到钢材会给人们视觉带来冰冷的感觉，他结合胶合板，藤，皮革等来调节这种感觉，使他的作品达到了视觉的无比的冲击享受，在现在家具设计的影响无人能比。包豪斯解散后1937年应老校长的邀请到哈佛大学任教，在美国他更多地置身于建筑设计当中。在建筑设计领域继续他的家具风格的设计延续，同时取得辉煌的成就。法国的IBM研究中心，联合国教科文组织大厦等等著名的建筑中，几乎全部都运用了混凝土的树形支架，展示了巧妙的力学应用。是包豪斯设计学院学生和老师的典范代表之一，他的完美融合风格影响了几代人，在家具设计不可忘却的前辈.
包豪斯的设计教师当然不是只有他们三位，他们几十位教师和一千多名学生的作品和影响不是某一篇文章和某一本书来概括的，他们的设计小到烟灰缸大到一座大厦，都组成了包豪斯的设计理念的一部分。其实每一位的作品都是引导了世界设计的潮流，引导了设计界的发展诸如其他设计作品和代表人物还有很多，譬如：Walter Gropius的台灯，柏林住宅。Walter Gropius的门锁，Marianne Brandt的壶，Josef Albers,Hinnerk Scheper,Georg Muche,Laszu o Moholynagy,Herbert Bayer, Joost Schmidt, Vassily Kandinsly,Paul KellHeininger,Gunta Stoskar Schlemmer等等的设计师画家等等诸多包豪斯人中，构成了包豪斯完整的精神，使设计融合，发展。改善了世界人们的生活。
由于不分种族，国家的融合了世界上先进的设计理念，在国家民族主义政治纳粹环境下，国际主义的综合结合必然导致部分政治机构的枉加迫害，政治上以泛红的倾向为由强迫关闭和解散了包豪斯。所 解散后的包豪斯大部分师生都到了美国发展，Walter Gropius在离任后，后来任哈佛大学建筑系主任，他的包豪斯理念和设计风格让他的学生遍及美国各高校的建筑系。在包豪斯解散后，他和他最得意的7个哈佛的门生一起组成了名噪一时的"协和建筑师事务所"（The Architects Colaborative，简称TAC），于1937Laszlo Moholy Nagy年也在美国芝加哥成立了新包豪斯，延续了包豪斯事业，将一种新的设计教育方法导入了美国，新包豪斯后来与伊利诺工学院合并芝加哥设计学院，他们继续序写着包豪斯宣言的的设计理念。不管是哈佛大学的包豪斯教师们，还是后来陆陆续续的以包豪斯命名的学校，设计公司，他们的学生，学生的学生，以及同时代的设计界同仁无不充满了对包豪斯的尊重，他们的教育足迹遍布世界各个国家，哈佛，耶鲁，麻省理工等等世界著名的大学。以及今天不管盗版，正版，16开,32开还是A4,B5的书籍，课本，设计史描述中,不可避免的讲述包豪斯的发展历史，设计理念，不世成就。不论在现在还是将来都受到包豪斯的设计理念的永恒的影响。
6. 西方建筑各流派的代表作品
1、古希腊建筑
古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，也是古希腊，乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。古希腊建筑风格的特点最集中体现在柱式上：
多立克柱式：柱子比例粗壮，高度约为底径的4～6倍。柱身有凹槽，槽背呈尖形，没有柱础。檐部高度约为整个柱式高度的1/4，柱距约为底径的1.2～1.5倍。
爱奥尼柱式：柱子比例修长，高度约为底径的9～10倍。柱身有凹槽，槽背呈带形。檐部高度约为整个柱式高度的1/5，柱距约为底径的2倍。
科斯林柱式 ：除了柱头如满盛卷草的花篮外，其他同爱奥尼柱式。
古代希腊是欧洲文化的摇篮，同样也是西欧建筑的开拓者，但毕竟还处在萌芽和胚胎的时期，它们的类型还少，形制很简单，结构比较幼稚，这是因为它的艺术的完美所致。古希腊的纪念性建筑在公元前8世纪大致形成，公元前5世纪已成熟，公元前4世纪进入一个形制和技术更广阔的发展时期。
由于宗教在古代社会具有重要的地位，因而古代国家的神庙往往是这一国家建筑艺术的最高成就的代表，希腊亦不例外。古希腊是个泛神论国家，人们把每个城邦，每个自然现象都认为受一位神灵支配着，因此希腊人祀奉各种神灵建造神庙。希腊神庙不仅是宗教活动中心，也是城邦公民社会活动和商业活动的场所,还是储存公共财富的地方。这样神庙就成了希腊崇拜的圣地，围绕圣地又建起竞技场、会堂旅舍等公共建筑。
希腊最早的神庙建筑只是贵族居住的长方形有门廊的建筑。在他们看来神庙是神居住的地方，而神不过是更完美的人，所以神庙也不过是更高级的人的住宅。后来加入柱式，由早期的 “端柱门廊式”逐步发展到“前廊式”，即神庙前面门廊是由四根圆柱组成，以后又发展到“前后廊式”，到公元前6世纪前后廊式又演变为希腊神庙建筑的标准形式——“围柱式”，即长方形神庙四周均用柱廊环绕起来。
2、古罗马建筑
古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术，继承古希腊建筑成就，在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新 的一种建筑风格。古罗马建筑在公元一～三世纪为极盛时期，达到西方古代建筑的高峰。
古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙 ，以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑，也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅，还有四、五层公寓式住宅。
古罗马世俗建筑的形制相当成熟，与功能结合得很好。例如，罗马帝国各地的大型剧场，观众席平面呈半圆形，逐排升起，以纵过道为主、横过道为辅。观众按票号从不同的入口、楼梯，到达各区座位。人流不交叉，聚散方便。舞台高起，前有乐池，后面是化妆楼，化妆楼的立面便是舞台的背景，两端向前凸出，形成台口的雏形，已与现代大型演出性建筑物的基本形制相似。
古罗马多层公寓常用标准单元。一些公寓底层设商店，楼上住户有阳台。这种形制同现代公寓也大体相似。从剧场、角斗场、浴场和公寓等形制来看，当时建筑设计这门技术科学已经相当发达。古罗马建筑师维特鲁威写的《建筑十书》就是这门科学的总结。
古罗马建筑能满足各种复杂的功能要求，主要依靠水平很高的拱券结构，获得宽阔的内部空间。巴拉丁山上的弗莱维王朝宫殿主厅的筒形拱，跨度达29.3米。万神庙穹顶的直径是43.3米。公元一世纪中叶，出观了十字拱，它覆盖方形的建筑空间，把拱顶的重量集中到四角的墩子上，无需连续的承重墙，空间因此更为开敞。
把几个十字拱同筒形拱、穹窿组合起来，能够覆盖复杂的内部空间。罗马帝国的皇家浴场就是这种组合的代表作。
古罗马城中心广场东边的君士坦丁巴西利卡 ，中央用三间十字拱，跨度25.3米，高40米，左右各有三个跨度为23.5米的筒形拱抵抗水平推力，结构水平很高。剧场和角斗场的庞大的观众席，也架在复杂的拱券体系上。
拱券结构得到推广，是因为使用了强度高、施工方便、价格便宜的火山灰混凝土。约在公元前 二世纪，这种混凝土成为独立的建筑材料，到公元前一世纪，几乎完全代替石材，用于建筑拱券，也用于筑墙。混凝土表面常用一层方锥形石块或三角形砖保护，再抹一层灰或者贴一层大理石板；也有在混凝土墙体前再砌一道石墙做面层的作法。
古罗马建筑的木结构技术已有相当水平，能够区别桁架的拉杆和压杆。罗马城图拉真巴西利卡，木桁架的跨度达到25米。公元一世纪建造的罗马大角斗场，可容 五万观众，只用了5～6年时间就建成了。它建在一个填没的湖上，但地基竟没有明显的沉陷。
3、罗曼建筑
罗曼建筑是10～12世纪，欧洲基督教流行地区的一种建筑风格。罗曼建筑原意为罗马建筑风格的建筑，又译作罗马风建筑、罗马式建筑、似罗马建筑等。罗曼建筑风格多见于修道院和教堂。
罗曼建筑的典型特征是：墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门宙洞口用同心多层小圆券，以减少沉重感。西面有一、二座钟楼，有时拉丁十字交点和横厅上也有钟楼。中厅大小柱有韵律地交替布置。窗口窄小，在较大的内部空间造成阴暗神秘气氛。朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比，中厅与侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。
随着罗曼建筑的发展，中厅愈来愈高。为减少和平衡高耸的中厅上拱脚的横椎力，并使拱顶适应于不同尺寸和形式的平面，后来创造出了哥特式建筑。罗曼建筑作为一种过渡形式，它的贡献不仅在于把沉重的结构与垂直上升的动势结合起来，而且在于它在建筑史上第一次成功地把高塔组织到建筑的完整构图之中。
罗曼建筑的著名实例有：意大利比萨主教堂建筑群、德国沃尔姆斯主教堂等。
4、哥特式建筑
哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。
哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。
飞扶壁由侧厅外面的柱墩发券，平衡中厅拱脚的侧推力。为了增加稳定性，常在柱墩上砌尖塔。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题，建筑风格与结构手法形成一个有机的整体。
5、文艺复兴建筑
文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。十五世纪产生于意大利，后传播到欧洲其它地区，形成带 了有各自特点的各国文艺复兴建筑。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。
文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。
文艺复兴时期的建筑师和艺术家们认为，哥特式建筑是基督教神权统治的象征，而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑，特别是古典柱式构图体观着和谐与理性，并同人体美有相通之处，这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。
但是意大利文艺复兴时代的建筑师绝不是食古不化的人。虽然有人(如帕拉第奥和维尼奥拉)在著作中为古典柱式制定出严格的规范 。不过当时的建筑师，包括帕拉第奥和维尼奥拉本人在内并没有受规范的束缚。
他们一方面采用古典柱式，一方面又灵活变通，大胆创新，甚至将各个地区的建筑风格同古典柱式融合一起。他们还将文艺复兴时期的许多科学技术上的成果，如力学上的成就、绘画中的透视规律、新的施工机具等等，运用到建筑创作实践中去。
在文艺复兴时期，建筑类型、建筑形制、建筑形式都比以前增多了。建筑师在创作中既体现统一的时代风格，又十分重视表现自己的艺术个性。总之，文艺复兴建筑，特别是意大利文艺复兴建筑，呈现空前繁荣的景象，是世界建筑史上一个大发展和大提高的时期。
一般认为，十五世纪佛罗伦萨大教堂的建成，标志着文艺复兴建筑的开端。而关于文艺复兴建筑何时结束的问题，建筑史界尚存在着不同的看法。有一些学者认为一直到 十八世纪末，有将近四百年的时间属于文艺复兴建筑时期。另一种看法是意大利文艺复兴建筑到十七世纪初就结束了，此后转为巴洛克建筑风格。
意大利以外地区的文艺复兴建筑的形成和延续呈现着复杂、曲折和参差不一的状况。建筑史学界对其它各国文艺复兴建筑的性质和延续时间并无一致的见解。尽管如此，建筑史学界仍然公认 ，以意大利为中心的文艺复兴建筑，对以后几百年的欧洲及其他许多地区的建筑风格都产生了广泛持久的影响。
6、巴洛克建筑
巴洛克建筑17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。
巴洛克一词的原意是奇异古怪，古典主义者用它来称呼这种被认为是离经叛道的建筑风格。这种风格在反对僵化的古典形式，追求自由奔放的格调和表达世俗情趣等方面起了重要作用，对城市广场、园林艺术以至文学艺术部门都发生影响，一度在欧洲广泛流行。
7、洛可可风格
洛可可风格是一种建筑风格，主要表现在室内装饰上。18世纪20年代产生于法国，是在巴洛克建筑的基础上发展起来的。
洛可可风格的特点是：室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间非常复杂。
洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和 S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。
为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。
洛可可风格反映了法国路易十五时代宫廷贵族的生活趣味，曾风靡欧洲。这种风格的代表作是巴黎苏俾士府邸公主沙龙和凡尔赛宫的王后居室。
8、浪漫主义建筑
浪漫主义建筑是18世纪下半叶到19世纪下半叶，欧美一些国家在文学艺术中的浪漫主义思潮影响下流行的一种建筑风格。
浪漫主义在艺术上强调个性，提倡自然主义，主张用中世纪的艺术风格与学院派的古典主义艺术相抗衡。这种思潮在建筑上表现为追求超尘脱俗的趣味和异国情调。
十八世纪60年代至十九世纪30年代 ，是浪漫主义建筑发展的第一阶段，又称先浪漫主义。出现了中世纪城堡式的府邸，甚至东方式的建筑小品。十九世纪30～70年代是浪漫主义建筑的第二阶段，它已发展成为一种建筑创作潮流。由于追求中世纪的哥特式建筑风格，又称为哥特复兴建筑。
9、古典复兴建筑
古典复兴建筑是十八世纪60年代到十九世纪流行于欧美一些国家的，采用严谨的古希腊、古罗马形式的建筑，又称新古典主义建筑 。
当时，人们受启蒙运动的思想影响，崇尚古代希腊、罗马文化。在建筑方面，古罗马的广场、凯旋门和记功柱等纪念性建筑成为效法的榜样。当时的考古学取得了很多的成绩，古希腊、罗马建筑艺术珍品大量出土，为这种思想的实现提供了良好的条件。
采用古典复兴建筑风格的主要是国会、法院、银行、交易所、博物馆、剧院等公共建筑和一些纪念性建筑。这种建筑风格对一般的住宅、教堂、学校等影响不大。
法国在十八世纪末、十九世纪初是欧洲资产阶级革命的中心，也是古典复兴建筑活动的中心。法国大革命前已在巴黎兴建万神庙这样的古典建筑，拿破仑时代在巴黎兴建了许多纪念性建筑，其中雄师凯旋门、马德兰教堂等都是古罗马建筑式样的翻版。
英国以复兴希腊建筑形式为主，典型实例为爱丁堡中学、伦敦的不列颠博物馆等，德国柏林的勃兰登堡门，申克尔设计的柏林宫廷剧院和阿尔塔斯博物馆也都是复兴希腊建筑形式的；勃兰登堡门以雅典卫城的山门为蓝本。
美国独立以前，建筑造型多采用欧洲式样，称为“殖民时期风格”。独立以后，美国资产阶级在摆脱殖民统治的同时，力图摆脱建筑上的“殖民时期风格”，借助于希腊、罗马的古典建筑来表现民主、自由、光荣和独立，因而古典复兴建筑在美国盛极一时。
美国国会大厦就是一个典型例子。它仿照巴黎万神庙，极力表现雄伟，强调纪念性。希腊建筑形式在美国的纪念性建筑和公共建筑中也比较流行，华盛顿的林肯纪念堂即为一例。
10、折衷主义建筑
折衷主义建筑是十九世纪上半叶至二十世纪初，在欧美一些国家流行的一种建筑风格。折衷主义建筑师任意模仿历史上各种建筑风格，或自由组合各种建筑形式，他们不讲求固定的法式，只讲求比例均衡，注重纯形式美。
随着社会的发展，需要有丰富多样的建筑来满足各种不同的要求。在十九世纪，交通的便利，考古学的进展，出版事业的发达，加上摄影技术的发明，都有助于人们认识和掌握以往各个时代和各个地区的建筑遗产。于是出现了希腊、罗马、拜占廷、中世纪、文艺复兴和东方情调的建筑在许多城市中纷然杂陈的局面。
折衷主义建筑在十九世纪中叶以法国最为典型，巴黎高等艺术学院是当时传播折衷主义艺术和建筑的中心 。而在十九世纪末和二十世纪初期，则以美国最为突出。总的来说，折衷主义建筑思潮依然是保守的，没有按照当时不断出现的新建筑材料和新建筑技术去创造与之相适应的新建筑形式。
折衷主义建筑的代表作有：巴黎歌剧院，这是法兰西第二帝国的重要纪念物，剧院立面仿意大利晚期巴洛克建筑风格，并掺进了繁琐的雕饰，它对欧洲各国建筑有很大影响；
11、功能主义建筑
功能主义建筑是认为建筑的形式应该服从它的功能的建筑流派。自古以来许多建筑都是注重功能的，但到了十九世纪后期，欧美有些建筑师为了反对学院派追求形式、不讲功能的设计思想，探求新建筑的道路，又把建筑的功能作用突出地强调起来。
随着现代主义建筑运动的发展，功能主义思潮在20世纪20～30年代风行一时。本来讲求建筑的功能是现代主义建筑运动的重要观点之一，但是后来有人把它当作绝对信条，被称为“功能主义者”。他们认为不仅建筑形式必须反映功能，表现功能，建筑平面布局和空间组合必须以功能为依据，而且所有不同功能的构件也应该分别表现出来。
二十世纪20～30年代出现了另一种功能主义者，主要是一些营造商和工程师。他们认为经济“实惠”的建筑就是合乎功能的建筑，就会自动产生美的形式。这些极端的思想排斥了建筑自身的艺术规律，只会给功能主义本身造成混乱。
二十世纪50年代以后，功能主义逐渐销声匿迹，就连强调建筑功能的勒"柯布西耶也同功能主义者分道扬镐了。但无庸置疑，功能主义产生之初对推进现代建筑的发展起过重要作用。
12、现代主义建筑
现代主义建筑是指二十世纪中叶，在西方建筑界居主导地位的一种建筑思想。这种建筑的代表人物主张：建筑师要摆脱传统建筑形式的束缚，大胆创造适应于工业化社会的条件、要求的崭新建筑。因此具有鲜明的理性主义和激进主义的色彩，又称为现代派建筑。
现代主义建筑思潮产生于 十九世纪后期，成熟于二十世纪20年代，在50～60年代风行全世界。从60年代起有人认为现代主义建筑已经过时，有人认为现代主义建筑基本原则仍然正确，但需修正补充。70年代以来，有的文献在提到现代主义建筑时，还冠以“20年代”或“正统”字样。
1919年，德国建筑师格罗皮乌斯担任包豪斯校长。在他的主持 下，包豪斯在20年代，成为欧洲最激进的艺术和建筑中心之一，推动了建筑革新运动。德国建筑师密斯"范德罗也在20年代初发表了一系列文章，阐述新观点，用示意图展示未来建筑的风貌。
20年代中期，格罗皮乌斯、勒"柯布西耶、密斯"范德罗等人设计和建造了一些具有新风格的建筑。其中影响较大的有格罗皮乌斯的包豪斯校舍 、勒"柯布西耶的萨伏伊别墅、巴黎瑞士学生宿舍和他的日内瓦国际联盟大厦设计方案、密斯"范德罗的巴塞罗那博览会德国馆等。在这三位建筑师的影响下，在20年代后期，欧洲—些年轻的建筑师 ，如芬兰建筑师阿尔托也设计出一些优秀的新型建筑。
与学院派建筑师不同，格罗皮乌斯等人对大量建造的普通居民需要的住房相当关心，有的人还对此作了科学研究。
1927年，在密斯"范德罗主持下，在德国斯图加特市举办了住宅展览会，对于住宅建筑研究工作和新建筑风格的形成都产生很大影响。1928年，来自12个国家的42名革新派建筑师代表在瑞士集会，成立国际现代建筑协会，“现代主义建筑”一名也四处传播。
从格罗皮乌斯、勒"柯布西耶、密斯"范德罗等人的言论和实际作品中，可以看出他们提倡的“现代主义建筑”是要强调建筑要随时代而发展，现代建筑应同工业化社会相适应；强调建筑师要研究和解决建筑的实用功能和经济问题；主张积极采用新材料、新结构，在建筑设计中发挥新材料、新结构的特性；主张坚决摆脱过时的建筑样式的束缚，放手创造新的建筑风格；主张发展新的建筑美学，创造建筑新风格。
现代主义建筑的代表人物提倡新的建筑美学原则。其中包括表现手法和建造手段的统一；建筑形体和内部功能的配合；建筑形象的逻辑性；灵活均衡的非对称构图；简洁的处理手法和纯净的体型；在建筑艺术中吸取视觉艺术的新成果。
对这些建筑观点，有人称为“功能主义”，有人称为“理性主义”，不过更多的人则称为“现代主义”。
在20世纪20～30年代，持有现代主义建筑思想的建筑师设计出来的建筑作品，有一些相近的形式特征，如平屋顶，不对称的布局，光洁的白墙面，简单的檐部处理，大小不一的玻璃窗，很少用或完全不用装饰线脚等等。这样的建筑形象一时间在许多国家出现，于是有人给它起了一个名称叫“国际式”建筑，当然，这样的称呼是就其某些表面形式而言的。
现代主义建筑思想在20世纪30年代从西欧向世界其他地区迅速传播。由于德国法西斯政权敌视新的建筑观点，格罗皮乌斯和密斯"范德罗先后被迫迁居美国；包豪斯学校被查封。但包豪斯的教学内容和设计思想却对世界各国的建筑教育产生了深刻的影响。
现代主义建筑思想先是在实用为主的建筑类型如工厂厂房、中小学校校舍、医院建筑、图书馆建筑以及大量建造的住宅建筑中得到推行；到了50年代，在纪念性和国家性的建筑中也得到实现，如联合国总部大厦和巴西议会大厦。现代主义思潮到 了二十世纪中叶，在世界建筑潮流中占据主导地位。
13、后现代主义建筑
20世纪60年代以来，在美国和西欧出现的反对或修正现代主义建筑的思潮。第二次世界大战结束后，现代主义建筑成为世界许多地区占主导地位的建筑潮流。但是在现代主义建筑阵营内部很快就出现了分歧 ，一些人对现代主义的建筑观点和风格提出怀疑和批评。
1966年，美国建筑师文丘里在《建筑的复杂性和矛盾性》一书中 ，提出了一套与现代主义建筑针锋相对的建筑理论和主张，在建筑界特别是年轻的建筑师和建筑系学生中，引起了震动和响应。到二十世纪70年代，建筑界中反对和背离现代主义的倾向更加 强烈。对于这种倾向，曾经有过不同的称呼，如“反现代主义”、“现代主义之后”和“后现代主义”，以后者用得较广。
对于什么是后现代主义，什么是后现代主义建筑的主要特征，人们并无一致的理解。美国建筑师斯特恩提出后现代主义建筑有三个特征：采用装饰；具有象征性或隐喻性；与现有环境融合。
现在，一般认为真正给后现代主义提出比较完整指导思想的还是文丘里，虽然他本人不愿被人看作后现代主义者，但他的言论在启发和推动后现代主义运动方面，有极重要的作用。
文丘里批评现代主义建筑师热衷于革新而忘了自己应是“保持传统的专家”。文丘里提出的保持传统的做法是“利用传统部件和适当引进新的部件组成独特的总体”，“通过非传统的方法组合传统部件”。他主张汲取民间建筑的手法，特别赞赏美国商业街道上自发形成的建筑环境。文丘里概括说：“对艺术家来说，创新可能就意味着从旧的现存的东西中挑挑拣拣”。实际上，这就是后现代主义建筑师的基本创作方法。
西方建筑杂志在二十世纪70年代大肆宣传后现代主义的建筑作品，但实际直到80年代中期，堪称有代表性的后现代主义建筑，无论在西欧还是在美国仍然为数寥寥。比较典型的有美国奥柏林学院爱伦美术馆扩建部分、美国波特兰市政大楼、美国电话电报大楼、美国费城老年公寓等。
1976年，在美国俄亥俄州建成的奥柏林学院爱伦美术馆扩建部分与旧馆相连，墙面的颜色、图案与原有建筑有所呼应。在一处转角上，孤立地安置着一根木制的 、变了形的爱奥尼式柱子，短粗矮胖，滑稽可笑，得到一个绰号叫“米老鼠爱奥尼”。这一处理体现着文丘里提倡的手法：它是一个片段、一种装饰、一个象征，也是“通过非传统的方式组合传统部件”的例子。
美国电话电报大楼是1984年落成的，建筑师为约翰逊，该建筑坐落在纽约市曼哈顿区繁华的麦迪逊大道。约翰逊把这座高层大楼的外表做成石头建筑的模样。楼的底部有高大的贴石柱廊；正中一个圆拱门高33米；楼的顶部做成有圆形凹口的山墙 ，有人形容这个屋顶从远处看去象是老式木座钟。约翰逊解释他是有意继承十九世纪末和二十世纪初，纽约老式摩天楼的样式。
美国建筑师史密斯被认为是美国后现代主义建筑师中的佼佼者。他设计的塔斯坎和劳伦仙住宅包括两幢小住宅，一幢采用西班牙式，另一幢部分地采用古典形式，即在门面上不对称地贴附三根橘黄色的古典柱式。
1980年，威尼斯双年艺术节建筑展览会被认为是后现代主义建筑的世界性展览。展览会设在意大利威尼斯一座 十六世纪遗留下来的兵工厂内，从世界各国邀请20位建筑师各自设计一座临时性的建筑门面，在厂房内形成一条70米长的街道。展览会的主题是“历史的呈现”。
被邀请的建筑师有美国的文丘里、巳穆尔，斯特恩、格雷夫斯、史密斯，日本的矶崎新，意大利的波尔托盖西，西班牙的博菲尔等。这些后现代派或准后现代派的建筑师，将历史上的建筑形式的片断，各自按非传统的方式表现在自己的作品中。
人们对后现代主义的看法非常分歧，又往往同对现代主义建筑的看法相关。部分人认为现代主义只重视功能、技术和经济的影响，忽视和切断新建筑和传统建筑的联系，因而不能满足一般群众对建筑的要求。他们特别指责与现代主义相联系的国际式建筑同各民族、各地区的原有建筑文化不能协调，破坏了原有的建筑环境。
此外，经过70年代的能源危机，许多人认为现代主义建筑并不比传统建筑经济实惠，需要改变对传统建筑的态度。也有人认为现代主义反映产业革命和工业化时期的要求，而一些发达国家已经越过那个时期，因而现代主义不再适合新的情况了。持上述观点的人寄希望于后现代主义。
反对后现代主义的人士则认为现代主义建筑会随时代发展，不应否定现代主义的基本原则。他们认为 ：现代主义把建筑设计和建筑艺术创作同社会物质生产条件结合起来是正确的，主张建筑师关心社会问题也是应该的。相反，后现代主义者所关心的主要是装饰、象征、隐喻传统、历史，而忽视许多实际问题。
在形式问题上，后现代主义者搞的是新的折衷主义和手法主义，是表面的东西。因此，反对后现代主义的人认为：现代主义是一次全面的建筑思想革命，而后现代主义不过是建筑中的一种流行款式，不可能长久 ，两者的社会历史意义不能相提并论。
也有的人认为后现代主义者指出现代主义的缺点是有道理的，但开出的药方并不可取 。认为后现代主义者迄今拿出的实际作品，就形式而言，拙劣平庸，不能登大雅之堂。还有人认为后现代主义者并没有提出什么严肃认真的理论，但他们在建筑形式方面突破了常规，他们的作品有启发性。
7. 世界上第一把椅子是什么时候发明的
椅子是一种有靠背、有的还有扶手的坐具。古代席地而坐，原没有椅子，“椅”本是木名。《诗经》有“其桐其椅”，“椅”即“梓”，是一种树木的名称。 据文籍记载，椅子的名称始见于唐代，而椅子的形象则要上溯到汉魏时传入北方的胡床。敦煌285窟壁画就有两人分坐在椅子上的图像；257窟壁画中有坐方凳和交叉腿长凳的妇女；龙门莲花洞石雕中有坐圆凳妇女。这些图像生动地再现了南北朝时期椅、凳在仕宦贵族家庭中的使用情况。尽管当时的坐具已具备了椅子、凳子的形状，但因其时没有椅、凳的称谓，人们还习惯称之为“胡床”，在寺庙内，常用于坐禅，故又称禅床。唐代以后，椅子的使用逐渐增多，椅子的名称也被广泛使用，才从床的品类中分离出来。因此，论及椅、凳的起源，必须从汉魏时的胡床谈起。 椅始源于魏晋和隋朝,初名为胡床或马扎,直至唐明宗时期开始形成有靠背的椅子,到宋代出现交椅,是至高无上权力的象征,成语正襟危坐也是源于历代皇帝在交椅上的坐姿。 宋。高承《事物纪原》引《风俗通》称：“汉灵帝好胡服，景师作胡床，此盖其始也，今交椅是也”。《后汉书。五行志一》：“汉灵帝好胡服、胡帐、胡床、胡坐、胡饭……，京都贵戚皆竟为之。”这两段记载可证，我国古代椅子的出现当在汉灵帝时期（168-189年）。 胡床在魏晋南北朝至隋唐时期使用较广，有钱、有势人家不仅居室必备，就是出行时还要由侍从扛着胡床跟随左右以备临时休息之用。胡床在当时家具品类中是等级较高的品种，通常只有家中男主人或贵客才有资格享用。在方人雅士中还多有褒词及生动描述。如南朝梁庾肩 吾《咏胡床诗》曰： 传名乃外域，入用信中京。 足欹形已正，文斜体自平。 临堂对远客，命旅誓出征。 何如淄馆下，淹流奉盛明。 胡床因其形态特点又有“交床”和“绳床”之称。隋朝称“交床”，是因为隋高祖意在忌“胡”字，器物涉“胡”字者，咸令改之。宋。陶 《清异录》云：“胡床施转关以交足，穿绷带以容坐，转缩须臾，重不数斤。相传明皇行幸频多，从臣扈驾，欲息无以寄身，遂创意如此，当时称 ‘逍遥坐’”。胡床开始并无靠背，形如今天所见的马扎儿。唐代始有靠背。这种逍遥坐很可能就是带靠背的胡床。胡床最早出现于汉代，比唐明皇早几百年，要说为唐明皇创意显然不妥。所以这里所说的创意，应指增加了靠背。胡床在唐宋时期盛行，宋代尤甚，不过宋时称胡床者渐少，而称其为交椅的逐渐增多了。 带靠背的胡床始自唐明皇，还可以从唐代《济渎庙北海坛祭器杂物铭。碑阴》的记载中得到印证，文中记有：“绳床十，内四椅子”。从这段记载可知在唐代贞元元年已有了椅子的名称。这里所说的“绳床十，内四椅子”是指在十件绳床中有四件是可以倚靠的椅子，显然是为了与另外六件无靠背绳床相区别。可见，椅子的名称虽已出现，在日常生活中可是常见家具，但它还未完全从床概念中分离出来。在唐代的典籍中，把椅子称为床的仍很普遍。唐代著名诗人杜甫在《少年行。七绝》中写道： 马上谁家白面郎，临街下马坐人床。 不通姓名粗豪甚，指点银瓶索酒尝。 这里所说的床，虽反映不出是否为带靠背的椅子，但可以肯定决不会是睡眠用的卧具。 “椅”，也作“倚”。起源较早，但不是指供人坐的椅子。其原为一种树木的名称，又名“山桐子”、“水冬瓜”，木材可做家具。 唐代以前的“椅”字还有一种解释，作“车旁”讲，即车的围栏。其作用是人乘车时有所依靠。后来的椅子，其形式是在四足支撑的平台上安装围栏，其制当是受车旁围栏的启发，并沿用其名而称这种坐具为“椅子”了。从现存资料看，唐代已有相当讲究的椅子了。如郎余令《历代帝王像》中唐太宗所坐的椅子为四直腿，束腰，上侧安托角牙，棱角处起线。这种装饰在明清时期称为“混面双边线”。坐面上在后部立四柱，中间两柱稍高，上装弧形横梁，两端长出部分雕成龙头，扶手由后中柱通过边柱向前兜转搭在前立柱上。扶手与坐面中间空当嵌圈口花牙。扶手尽端亦雕成龙头，与后背搭脑融为一体。坐面附软垫、衬背。这在当时应是十分精制的椅子了。唐代卢楞枷《六尊者像》中描绘的椅子更具代表性，它用四支铃杵代替四足，两侧有横枨连接，扶手前柱和椅边柱圆雕莲花，扶手和搭脑上拱，两端上翘并装饰莲花，莲花下垂串珠流苏，整体造型庄重华贵。镶金坠玉的家具在当时寺院中体现了 高僧的尊贵与神圣。 五代至宋，高型坐具空前普及，椅子的形式也多起来，出现靠背椅、扶手椅、圈椅等。同时根据尊卑等级的不同，椅子的形制、质料和功能也有所区别。 五代至两宋时期的家具大体保留着唐代遗风，只是高型家具较前更加普及了。 高型家具的使用在民间形成时尚，居家必备高型桌椅，这从当时的绘画中可见一斑。如宋代张择端《清明上河图》中的市肆小店，无不陈放各式高型家具。宋代《会昌九老图》中描绘的圈椅也是前代没有品种。在近年发掘的宋代墓葬中还有以石、陶制作的家具模型或在墓室墙壁用砖砌成或雕成各式家具，其中表现墓主夫妇对坐在椅子上的场面最为普遍。如河南方城出土的石椅残件、河北井径县柿庄七号宋墓墓室砖雕桌椅、柿庄二号墓墓室壁画《对坐图》中的桌椅、洛阳涧西宋墓墓室的砖雕家具等。这说明椅子等高型坐具不仅在人们日常生活中普遍使用，还被人微言轻殉葬用器。 宋代流行一种交椅，等级高于其它椅子，稍有身份的家庭都置备交椅，供主人和贵客使用。 圈椅 圈椅，由交椅发展而来。最明显的特征是圈背连着扶手，从高到低一顺而下，座靠时可使人的臂膀都倚着圈形的扶手，感到十分舒适，颇受人们喜爱。造型圆婉优美，体态丰满劲健，是我们民族独具特色的椅子样式之一。后来逐渐发展为专门在室内使用的圈椅。它和交椅所不同的是不用交叉腿，而采用四足，以木板作面，和平常椅子的底盘无大区别。只是椅面以上部分还保留着交椅的形态。这种椅子大多成对陈设，单独摆放的不多。圈椅的椅圈因是弧形，所以用圆材较为协调。圈椅大多采用光素手法，只在背板正中浮雕一组简单的纹饰，但都很浅。背板都做成“S”形曲线，是根据人体脊椎骨的曲线制成的，为明式家具科学性的一个典型例证。 明代中后期，有的椅圈在尽头扶手处的云头外透雕一组花纹，既美化了家具，又起到格外加固的作用。明代人们对这种椅式极为推崇，因此当时多把它称为“太师椅”。更有一种圈椅的靠背板高出椅圈，并稍向后卷，可以搭脑。也有的圈椅椅圈从背板向两侧延伸通过边柱后，但不延伸下来。这样就成了没有扶手的半圈椅了，这种椅子造型奇特，可谓新鲜别致。 圈椅是明代家具中最为经典的制作。明代圈椅，造型古朴典雅，线条简洁流畅，制作技艺达到了炉火纯青的境地，“天圆地方”是中国人文化中典型的宇宙观，不但建筑受其影响，也融入到了家具的设计之中。圈椅是方与圆相结合的造型，上圆下方，以圆为主旋律，圆是和谐，圆象征幸福；方是稳健，宁静致远，圈椅完美的体现了这一理念。从审美角度审视，明代圈椅造型美、线条美，与书法艺术有异曲同工之妙，又具有中国泼墨写意画的手法，抽象美产生的视觉效果很符合现代人的审美观点。圈椅的扶手与搭背形成的斜度，圈椅的弧度，座位的高度，这三度的组合，比例协调，构筑了完美的艺术想象空间。 躺椅 躺椅为清代出现的具有新样式与功能用途的家具之一，中国封建社会末期工艺与技艺不断提高，人们对生活质量越来越重视，生活用具分类越来越细，家具也相应生产出一些像躺椅这样的新品种。 躺椅还有许多别称，“睡前椅”、“暖椅”、“逍遥椅”、“春椅”等，都是对某个式样的躺椅的不同称谓。 现代的躺椅所用的材料可以是：红木、竹、藤、铝合金等。 折叠椅 许多世纪以来，折叠椅一直被认为是最重要的家具之一，是社会地位的象征。在古文明中，折叠椅不只是为了供人就座，还用在了各种正式场合和仪式中。 在古埃及的家具中，折叠椅被列为其中最重要的家具之一。折叠椅的发展开始于约公元前2000～1500年，起初的折叠椅是战场上军队指挥官的专用座椅，同时也是权势与威望的象征。虽然时间在不断推移，折叠椅却始终带有权力的象征。 埃及的折叠椅，与随后的希腊和伊特鲁里亚(意大利中西部古国)的折叠椅一起，成为后来罗马折叠椅的原型，在罗马共和时期，sellacurulis椅开始广泛出现在了平民法庭上。 从罗马的“sellacurulis”椅，到伦巴族人的“sellaplicatilis”，再到加洛林王朝的“faldistorium”，我们可以发现一种形态的改变。 由在椅子两侧交叉的椅子腿，转到椅子正前方交叉。这是为了强调交叉的“X”结构，显示权力的象征。最好的例子就是theFranconians君王Dagobert一世的座椅。 文艺复兴时期之前，出现了折叠椅的类型学。我们发现了16世纪的sediadellaforbice椅（剪刀椅）继承了faldistorium的特点。但是由两个主要的不同： the‘chairofpetrarca’和the’sediaatenaglia’继承了the‘Savonarola’和the‘dantesca’，而且它们的椅腿交叉处又回到了椅子两侧。 在巴洛克时期，包含交叉椅腿的椅子并不能折叠，特别是在路易十四到路易十六时期，’X'结构带有排外的象征。拿破仑的战场座椅“fauteuil”从词源学讲来自古法语“faldestoel”，而词根源于拉丁语”faldistorium”。过去折叠椅的命名带有尊严和高贵的意蕴，而这个拿破仑椅“fauteuil”一直作为长官座椅的名称而存在。 由于折叠椅本身成为人们普遍的座椅，所以出现了形式与制作工艺的多样化。也由于折叠椅已经不包含太多的权力与尊贵的象征，所以这也导致了新功能、新设计的发展。19世纪末，折叠椅已是功利主义者所玩弄的设计品，出现了各种形式各种用途的座椅。折叠椅有很长的军事用途历史。它需要有直率紧凑的外观，和结识耐用的特点。当它开始展示美学后，人们就有了对它的记忆。但是它从未被设计得漂亮。拿破仑椅fauteuil的名称来自古法语”faldestoel”，词根源于拉丁语中的”faldistorium”，过去折叠椅的命名带有尊严和高贵的意蕴，而这个拿破仑椅“fauteuil”一直作为长官座椅的名称而存在。 全世界有成千数万的专利是关于折叠椅（凳）的新奇想法。设计师、发明家和普通工匠都把他们的精力投入到座椅设计中，极为关注于椅子的折叠、调节与舒适性，但是大量生产的椅子并不都包含了精细的设计。 折叠与便携的产品与日俱增，工业生产出最小和最轻的零部件来构成折叠家具，以适应各种天气气候。人们可以在野营、沙滩休闲、运动赛事等随处见到不同的折叠椅，它是一种适应所有习惯和需求的椅子。 折叠椅可以应用在学校的课桌椅上，可以应用在电影院与剧院中…… 创造一种基本座椅的主要目标就是能提供短暂的休息，可以容易地折叠（和收藏）。 折叠椅成为了家具中不可或缺的一部分。最现代的折叠椅是经过大量的社会调查与技术讨论后被设计出来的：工业视觉化（thonet）后，随着德国包豪斯的理论，折叠椅的设计在1965～75年间开始繁荣起来。
8. 摄影艺术的发明
应该是先有了摄影的技术才有的照相机...关于摄影艺术的发明LZ可以找下世界回摄答影史,..很多..说不清楚 ...
世界摄影史-顾铮
一、摄影的曙光 /l
l．摄影术前史／2
2．摄影术的发明者／3
3．一系列的新进展／5
4．摄影与绘画／6
5．彩色摄影的探索／9
二、在美与真之间/11
l．都市真相／12
2．“他者”的人类学观察／13
3．战争与灾难的影像／14
4．来自“东方”的影像／16
5．地理空间的摄影确认／18
6．刻画人性的肖像摄影／19
7．艺术美的表述／20
8．运动中的身体／23
三、画意的乡愁与摄影的大众化/25
l．画意摄影的兴起／26
2．乡愁的艺术／27
3．向现代主义倾斜／31
4．画意摄影在日本／32
5．柯达与摄影的大众化／33
四、现代主义摄影的实验光谱/35
l．现代摄影在美国的确立／36
2．两次大战间的欧洲实验摄影／37
3．莫霍利一纳吉与包豪斯的摄影实验／40
4．达达与超现实主义摄影／41
5．苏联的先锋摄影与日本的新兴摄影／45
五、纪实的眼光/47
l．纪实的滥觞／48
9. 谁第一个发明了折纸
大约在西汉中期，中国人造出了最早的真正意义上的纸．由于早期的纸质量不高，而且产量也很低，显然不适合用于折迭．
文献和出土文物始终并没有关于折纸的记载，所以折纸到底起源于何时已经不可考，这也成为了今天许多日本人认为折纸起源于日本的间接证据．
日本最早出现纸是隋炀帝大业六年，多才多艺的高句丽①高僧昙征把造纸术传到了日本，昙征本人也被日本人称为“纸神”．从那之后，折纸在日本很快兴起并且被广泛运用到了佛教礼仪当中．
在公元1200年左右，日本出现了比较复杂的纸模型．当时的日本武士流行一种礼仪，交换自己的刀和一种特殊折法折出的纸花来证明友谊．纸模型并且被用于庆祝婚礼．
到了室町幕府时期，纸成为廉价品，折纸开始流传到社会各个阶层，这一时期在日本的传统节日女儿节，母亲们开始折出各种纸偶用于祭祀，并且一直流行到今天．
然而在日本，关于折纸文物最早的记载也是18世纪以后，江户时代的一些浮世绘作品反映了折纸在日本的情况．1797年，三重县桑名市长円寺的僧人义道一円写出了世界第一部折纸书《秘传千羽鹤折形》并将之出版．
在公元7世纪中期，大唐帝国成为全球最强大和开放文明的国家，折纸艺术也就是在那时候伴随着中国人民的美好祝福传播到了更广泛的世界各国．
唐玄宗天宝十年，中国军队在怛逻斯战役中遭到了阿拉伯军队和突厥联军的包围，大约有两万多士兵被俘虏，其中包括很多造纸工匠，造纸技术也就是在这时候传入了穆斯林世界．
随后的一个世纪里，处于文化鼎盛时期的阿拉伯人独立发展了折纸艺术，他们为折纸所做的最大贡献在于，将欧洲几何学原理运用到折纸中，并且利用折纸来研究几何学，这是折纸与数学相结合的开始．不过由于宗教的关系，禁止偶像崇拜的阿拉伯人不允许折纸人，而在同时期的日本，纸偶则是折纸的主要形式．
公元8世纪摩尔人进入欧洲，也将先进的文化科学传播到了尚处于西哥特人野蛮统治下的伊比利亚半岛，欧洲人正是在那时第一次学到了折纸．西班牙人非常喜好从摩尔人那里学来的折纸艺术，并将之发展成为本国文化的一部分，甚至还传播到广大的西属殖民地，今天阿根廷人对折纸的热诚，正是始于西班牙统治时期．
出生于阿根廷首都布宜诺斯艾利斯的Ismael Adolfo Cerceda原来是表演飞刀的名演员，通过折纸来保持镇静，但是他在折纸方面的才华使得他成为少数几个西方现代折纸的奠基人，并且激励起了更多的阿根廷人去学习折纸．
从19世纪开始，折纸与自然科学也走到了一起，开始在西方成为教学和科学研究的工具．包豪斯建筑学院的Laszlo Moholy Nagy创立了用折纸进行建筑设计的方法．学前教育创始人，德国的杰出的教育大师Friedrich Froebel认为折纸能够非常好的启迪智慧，并把折纸与自己的教育学说结合起来,在他创办的世界第一所幼儿园——勃兰登堡幼儿园中开设折纸课程，这种做法后来被推广到全世界．
解决在折纸过程中发现的一些数学之迷已经发展成为现代几何学的一个分支．第一任英国折纸协会会长，南非著名的魔术师Robert Harbin则把折纸用于他的魔术表演，他在1956年出版的著作《Paper Magic》风靡西方，无论对魔术还是对折纸来说，都产生了非常大的影响．
大约在19世纪晚期，第一次国际折纸学术会议在巴黎举行．后来又分别在阿根廷和纽约召开了第二次和第三次会议．从19世纪晚期到20世纪，是现代折纸快速发展时期，出现了很多了不起的折纸大师，如日本的吉泽章，本多功以及西方的Ligia Montoya与Adolfo Cerceda．
被日本奉为“国宝级艺术大师”的吉泽章在1950年前后创作出了大量充满艺术魅力与创新精神的折纸作品，完全改变了世人对折纸的看法．他和美国的Sam Randlett一起发展一套国际通用的折纸图解术语，使得折纸可以方便地通过图解传播而且没有文字障碍．在他的影响下，西方人对折纸的热情高涨，许多国家都很快成立了自己的折纸协会．
20世纪80年代，进入暮年的吉泽章又创造了湿折法，在开始折纸之前将纸湿润，成型之后再把它晾干，这种方法大大提高了折纸的精确程度，使得以前一些看似很难完成的折法变为可能，折纸由此进入一个新的境界．
今天折纸虽然普遍于世界各地，然而最普及的地方还是日本．日本人把折纸当做自己国粹，中小学开设必修的折纸课程．在日本人看来，折纸很有利于培养艺术素质和创造力．日语发音里“折”是“ori”，“纸”是“gami”，除了与日本有仇的韩国人，坚持把“折纸”的英语称为“paperfolding”外，全球普遍采用的“折纸”英文名“origami”便是根据了日本的发音．
不过平心而论，与我们一衣带水的这个邻邦，折纸水平也确实远远地超过了折纸的故乡．但是随着20年来的开革开放，折纸艺术也慢慢回到了它的祖国，尽管这样的变化是微不足到的，但是确实是一个好的开始．相信在不久的将来，还会有更多的中国人喜欢上折纸，中国的折纸水平也能得到提高，赶上世界的脚步．
10. 板式家具的起源是什么时间哪个国家
18世纪末开始的欧洲工业革命，奏响了现代家具诞生的序曲。森林资源的减少和环保意识的兴起，促使人造板材应运而生。1836年，比利时家具师托耐特发明了层压板技术和曲木工艺，并首先采用生产线批量生产家具，这是现代板式家具和机械化生产的萌芽。
一说到家具的组合，许多人的思绪就会回到上个世纪下半叶，眼前自然浮现出风靡世界的欧洲板式家具影子来。以组合为特色的板式家具之所以勃然兴起形成潮流，主因离不开此前德国包豪斯（Bauhaus）学派变革建筑与家具设计理念、创立全新国际风格的长时间探索。包豪斯学派倡导流动的建筑空间，使得突破传统束缚的标准化板式家具在去除装饰细节、强化使用功能的同时，几乎衍生为室内建筑灵活的构件，迎合了二战以后世人普遍寻求平实与清新的需要。
板式家具之所以成为家具市场的主流产品，是由它自身的特点决定的，其特点是：有效地减少实木材料消耗，有利于保护森林资源；产品结构简单化，易拆装、易运输；产品部件标准化、专业化；生产方式高度机械化、自动化和专业化。部件生产趋向规范化，设计和制造技术趋向现代化、一体化。