舞蹈编导创造

『壹』 舞蹈编导的创作要遵循哪几项原则

你好
我在网上查到你说的这道题的答案了
请看以下内容
民间舞蹈创作的原则不包括下面哪一项:
()=拿来主义
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『贰』 舞蹈编导考试舞蹈创意写作怎么写就是写故事么

尚翼舞社专业解答：
实际上是考察你的编舞技能，侧重点是创新。
拿到命题后先确立舞蹈的主题，你打算怎么通过编舞排舞去展示这个主题，你可以写成故事，那样画面感比较强。也可以以分析的角度阐述自己编舞的用意，这样易于别人理解你的创作思路。但是前提是要有创新。

尚翼舞社是中国唯一一家爵士舞教练培训体系中包含街舞教练培训课程的职业培训机构，是经由国家体育总局认可的国际流行舞蹈协会招考基地，北京爵士舞教练培训基地、北京街舞教练培训基地，是世界华人体育舞蹈协会成员。从尚翼走出的学员均就业于全国各地的健身房、电视台的舞蹈表演和编排部门，还有很多加盟尚翼开办了自己的舞蹈工作室。加入尚翼，还能获得赴美国留学深造的机会。尚翼舞社够为商业机构、企业等组织商业演出和年会编排、表演活动，并能够为各相关产业品牌提供诸如组织演出、文化交流推广和经纪人服务等卓越的时尚文化公关服务。

『叁』 优秀舞蹈编导需要具备哪些能力

1．全面文化艺术素养及舞蹈专业知识 作为舞蹈编导应能够熟练地运用舞蹈专业技术、技巧，全面掌握多元化舞蹈表现形式，可自如地表达各种不同类别、不同风格、不同形式的舞蹈语汇，并能有机的利用专业创作手段使自己的所想、所感用舞蹈的表现形式传达出来，这是一名专业舞蹈编导的必要基础。 2．想象力及创造力 舞蹈编导是以舞蹈的形象进行思维的，因此舞蹈编导应学会用眼睛在现实社会中去发现别人看见了但没有感觉及人人都看见但并没发现出美的事物 3．观察力及理解力 舞蹈创作是否能在形式上和内容上不断创新和突破，这与编导是否能够把自己的目光投向社会、投向自然、投向人与人之间、人与物之间的广阔空间之中有着 直接的关联，只有这样才能不断激荡出新的激情、新的发现、新的情感视角，学会从现象中去挖掘和发现事物的本质，才能从本质中提炼出舞蹈创作中所需要的各类语言形象、主题结构、内在感觉等。 4．形象思维及模仿力 对于专业的舞蹈编导者来讲，模仿是学习，更是一种专业职能， 5．表达情感能力 舞蹈语言具有其独特的、鲜明的个性化特征及独立性很强的语言表述方式，即高度利用人体的各关节部、肌肉、韧带、气息、力度、节律、幅度、表情等丰富的运动方式，形成舞蹈的外部语言表达特征，舞蹈编导就是要在自如地运用身体的各综合要素，对客观现实、人类情感等形成内部语言环境，使其在创作中达到传情达意，才能创作出好的舞蹈作品。 6．把握和控制舞台时空能力 舞蹈艺术创作是围绕着时间性和空间性发生的，因为舞蹈的动态过程是在空间中流动产生，而时间性呈现的是舞蹈动态的全部过程，时间和空间在舞蹈创作过程中需要相互依赖、相互交叉、相互推动，才能使舞蹈作品的外部形态与内部结构形成完整的审美表达过程。 7．敏锐发现问题能力形象思维是作为舞蹈编导非常重要的潜能，作为舞蹈编导要能在别人已经习以为常的环境和事物中挖掘出艺术创作动因，这需要舞蹈编导具备在非典型性环境中发现典型性、在典型性事物中发现普遍性的基本能力，以此来塑造鲜明的舞蹈艺术形象及创造出能给人留下深刻印象的舞蹈角色及难忘的舞蹈剧目。 8．排练及组织演出能力当舞蹈作品创作意图在舞蹈编导者的脑海里形成之时，编舞者便面临着一个必须实施的工作步骤，这就是当作品还在初创阶段，如何把创作意图迅速而准确地反映到表演者身上；当剧目形成之后又如何把表演者的表现力挖掘到最佳表演状态；当作品成为保留剧目之后，如何有利的再现和提高作品本身的精彩度等，这就需要舞蹈编导应具备较强的传达作品意图、提示舞蹈意境、挖掘肢体语言技术、表达情感要素等基本能力，通常情况下这是一个舞蹈编导与演员碰撞二度创作的重要发展过程，也是舞蹈艺术创作的重要特征之一。 9．视觉和听觉记忆能力 一位好的舞蹈编导的眼睛和耳朵要学会经常处于半成品状态，经过不断的吸纳信息之后，使其逐步成为较全面的成品。 10．突破自我表达个性能力创造性思维是一种独创性思维，独创性思维是一种突出个性化特征的思维。只有这样才能实质性的建立创造性想象、创新性想象及再造性想象，使自己的创作插上自如的翅膀，在更大的空间中翱翔。 11．合作能力舞蹈是一个典型的综合性表现艺术，因此在创作、排练及表演过程中都将涉及到与很多要素及人群进行配合，如：编导与演员之间的合作、与服装道具设计师的合作、与舞美灯光布景音效等各部门的合作、与作曲家的合作、与剧场及排练场管理人员的合作等，把以上这些要素看做是舞蹈编导的外部合作要素。 12．综合艺术鉴赏能力一直以来舞蹈编导这个职业都给人以一种神秘感，因为不懂得舞蹈专业的人经常会认为他们所看到的舞台上的表演是表演者自己创作出来的。舞蹈编导需全面加强自身的艺术修养、文化修养、舞台修养、哲学修养、人文修养等，这就是艺术创造所带来的不可抵挡的审美情趣。

『肆』 什么叫舞蹈、舞蹈编导

舞蹈艺考中，对于大多数同学来说得分的重点同时也是难点的就是“即兴编舞”，它是检验考生基本功、舞种素材、音乐节奏及情感表达的综合能力，也是考生在考试中取得高分必不可失的部分。以下五点是即兴编舞时得高分的注意要点，一起来看！

紧扣主题

因题而作，“即兴编舞”中的“音乐命题即兴”需要一个明确的主题内容，围绕主题内容来表达，所有的动作语汇都是为其服务。可以使用开门见山扣主题-动作语言贯穿主题-闭门收尾点主题的结构来表达。

动作语言

即兴编舞的题目中，有“人物形象”、“人物情感”、“人物事件”、“自然现象"、“自然植物”、“自然动物”之分，而无论哪一种题目，都需要有一个鲜明的主题动作。在把握主题动作时，需要注意不同人物、动物、事物的不同形象状态，注意其各自不同的特点和特征有哪些，巧妙的把握和运用，演变成舞蹈语汇通做动作来传达，切记不可原生态照搬干演一定要通过舞蹈动作语言来传达，这样才是有所舞，有所动。

动作语汇的表达可以适量添加“跳、转、翻”，这样可以使动作语汇更加丰富，更加具有冲击力，可以给评委考官留下深刻影响，需要注意的是，“跳转翻”也是动作的一部分，也是为主题内容而服务，目的是争光添彩，切不可脱离内容或者过于频繁的添加，这样会使“跳转翻”看起来莫名其妙显得多余，又或者更像是技术技巧展示，反而适得其反。

空间调度

空间：有一、二、三度空间。

一度：躺、趴、跪，在地板上低度动作。

二度：站、半蹲、立脚尖，中间中度动作。

三度：腾空，泛指“跳转翻”高度动作。

调度：前、中、后场和中线。

前、中、后场和中线是每位舞者熟悉的概念，这里不做解释，需要强调的是，在调度空间位置时，可以巧妙的运用“流动线”的方式，来随时把握位置，在多人同时即兴考试中，可以避免不必要的冲撞和失误，也可增加自己动作的饱满度和吸引考官评委的一注意力。

中线，是每位舞蹈考生在学习中听到最多的一句话之一，也是在考试中最亮眼，最突出的位置之一，所以，在考试中，考生尽量去把握中线和前中场的位置，会有意想不到的收获。

情感表达

情感表达在舞蹈当中是重中之重，所有的动作语汇，结构都是为了传递舞者的思想、情感和内心话语，告诉大家一件事、一句话亦或是一个人，让人知所以然或思所以不然。

如果在即兴编舞考试当中，考生所有的技巧、动作、方位、音乐都把握很好而缺失了情感和情绪表达，那么，评审考官只能认为这位考生是一部运行良好的机器，并非一位活生生的舞者。

因此，舞蹈考生在考试当中，无论遇到什么题，什么音乐，都要认真去想去听，结合自身所看、所想、所知，融入角色与音乐当中，淋漓尽致的表现出来，走心而不单走形，情感与情绪乃至表情才会顺情体现出来。

音乐风格及节奏

即兴编舞考试中，音乐会有不同的风格类型，如：古典、民族民间、现当代等，不同音乐风格会有不同的音乐特色，以下为大家简单列举一些常见音色，考生需要加以注意和区分。

不同的音乐风格，需要考生熟悉熟练区分类别，把握不同舞种的风格特色。而不论何种类型音乐，都会有节奏的划分，节奏划分中，考生需要特别注意的是“3拍和4拍",也就是平时舞蹈课堂中常见的“12345678”与“123、223、323、423”。除此之外，还需注意的是音乐的结构，在即兴考试当中如何才能巧妙的把握好重拍点与停顿亮相点。

大家在记忆主旋律节奏点时，逢4变1，逢1卡点，这样会使节奏更加清晰，而每逢1点时，必然是音乐的重复点或是重拍点，这个点也正是需要考生突出的点和增加亮点的点。逢变奏变1卡点也是一样的到道理，变奏必然是音乐另一小段的开端，更是一个突出点。这样会使考生的动作看起来干净整齐，和音乐相辅相成，环环相扣，分数定会有所体现。

『伍』 舞蹈编导主题怎么构造

舞蹈作品的组织方式和内部构造。是作者塑造形象、表现作品主题思想的重要艺术手段。

在艺术构思时必须考虑如何把一系列的生活材料、人物、事件、情绪等分别主次、轻重、繁简、先后，合理而恰当地加以安排和组织，使其既符合生活的规律，又适应一定体裁的要求，组成一个完整的舞蹈作品。舞蹈和舞剧作品的结构形式,主要有以下几种：

①传统式结构,又称戏剧式结构，这是最常见的一种结构形式。即按照情节内容发展的时间顺序渐次展开，作品从开端、发展、高潮直至结局，层次递进比较清晰，场次划分也比较清楚。

②时空交错式结构，或称心理结构。其主要特点是，不受时间和空间的限制，以作品中人物的心理变化作为安排人物行动、展开情节事件的贯穿线，常采用正叙、倒叙、闪回等手法，把过去、未来与现实有机地交织在一起，便于在比较短的时间和篇幅里表现较为广阔的生活内容和深刻的人物内心世界。

③篇章式结构。一般是由几个既有联系又相对独立的场景和段落组成。整个作品有统一的主题和贯穿性人物，其中每幕、每场都有相对的独立性和完整性。近似于几个乐章组成的交响乐和几个篇章组成的组诗。

在结构作品时，还应注意：要服从表现主题、塑造人物形象的需要；要适应不同舞蹈体裁的要求，本身要完整协调；要尊重和适应民族的艺术欣赏习惯。

(5)舞蹈编导创造扩展阅读：

在舞蹈艺术中，“结构”和“语言”是作品的两大基本表现手段，也是构成舞蹈艺术美学特点的两大基础。

各取所需地在报刊上、会议上经常有所接触。持“形式”说观点的人，把“结构”看做是分幕、分场、舞段长度安排的一种形式手段;持“内容”说观点的人，把“结构”看做是编写情节内容，写一个编舞提纲的程序。

『陆』 在“舞蹈编导的创作程序”一节中，罗·扎哈洛夫指出了什么

舞剧的创作过程是由统一而不可分割的锁链般的五个环节组成的。其中每个环节都是独立的，但同时又是与其他各个环节有机地联系着的复杂的创作过程。第一个环节，是剧作家(或是舞剧编导本人)头脑中产生出来未来舞剧的主题思想，并把它体现在大纲中。大纲是按照戏剧结构的规律编写出来的，扼要地说明发生在一定的时代和条件下的事件，指明和描述出剧情发生的地点、时间和特点，并列举所有主要的登场人物。即使是神幻题材，一般也同样带有这个或那个时代的烙印和民族的色彩。第二个环节是结构计划，或者称它为音乐舞蹈台本，这是舞剧编导在现成的大纲的基础上并研究了一切必要的材料，专门为作曲家编写的。作曲家得到了结构计划，就着手写音乐，而在这一工作过程中，应与舞剧编导进行协商。作曲家写出作为独立的艺术作品的舞剧音乐，也就是锁链的第三个环节。第四个环节包括舞剧所有场面和舞蹈的整个编舞阶段。编舞的第一个阶段是舞剧编导同钢琴伴奏者一起合作进行的。舞剧编导熟悉了写好的音乐作品，弄清楚了它的戏剧结构发展以后，就制订出编舞以及排练的工作计划。他把所有的独舞、群舞和各个场面编出来，并把它们记录下来以免遗忘。在这同时舞剧编导还要写出舞剧的编导计划，也就是叙述出自己的构思。第五个环节，是在排练厅里排演整个作品：给独舞演员示范和教会他们扮演角色，给群舞演员示范和教会所有的群舞和场面。直到这段工作的最后阶段——在舞台上会同乐队、布景、服装、化妆以及灯光装置一起排练。作为整个创作过程的成果——将是在初次演出中与观众见面。

『柒』 舞蹈编导的创作各环节中面对着什么问题

舞蹈形象语言在舞蹈编导的创作各环节中，都是其在一生的不同阶段需要面对的课题。初学编导时，我们接触主题动作的编排会遇到舞蹈形象塑造问题。在"独、双、三"编舞技法训练结束之后，每次都要进行小品练习，此时又会遇到形象塑造的问题。

在群舞编舞阶段也会遇到形象塑造的问题。在舞剧创作中，主要演员的舞段编排更是需要先确立每位人物的"形象语言"的主题形象，主题形象确立以后，在全剧中将会分别依据不同的情况对这一主题进行发展变化，从而形成完整丰满的人物形象。在舞剧群舞当中也是要有这一段群舞的主题或主导动作或动机，在主题的选择和确立上面也还会遇到"形象语言"的确立问题。因此，编导各环节和编导一生的各个创作阶段都会遇到形象塑造问题，我们需要加大对舞蹈编导在"形象语言"方面的训练和研究力度。

在初学编舞时，我们会讲到"舞蹈作品的主题"，在舞蹈语言的组成上我们会遇到舞蹈语言的"主题动作"，"主题动作"应是舞蹈创作中舞蹈编排的最小单位。无论是编导将来编排舞蹈作品，还是舞剧作品，从空想的构思转入切实的编舞，都要一步步地将构思落实到舞蹈动作的层面，在落实舞蹈动作的时候，最小的编舞单位就是动作主题的确立。在确立舞蹈的主题动作的同时，要兼顾舞蹈的形象塑造。这就要在设立主题动作的时候，将形象塑造元素融会到主题动作之中，主题动作的创造应包含着形象的主题。

编舞练习：练习要求是在舞蹈编舞方面对动作发展的编创。我们要求编导在练习中，先编出一个主题动作，这个主题动作：练习要求一，选一段音乐长度为45秒的乐段，依据乐段创造一个主题动作和主题动作舞段。练习要求二，无音乐情况下，编导学生依据自己感兴趣的"人物形象"或是"情感因素"或是"大自然中的形象"或"景象"的一种"情境"创造一个舞蹈主题动作段落，这一主题动作长度约为四个八拍。要求：首先是舞蹈动作，其次是形象要准确，最后是形象要生动。

形象元素是指舞蹈塑造出来的艺术形象，其中包括人物形象和非人物形象类的艺术形象。从观看角度，舞蹈是利用舞姿对空间和动律节奏对时间的占有；从舞动角度，舞蹈是利用意识对肢体的支配产生舞姿和动作运动力度，编排有逻辑支配下的动作群组，使这些群组动作具有意味，可以表示动作意念的指向性和空间占有的动作审美和动作质量，这质量包含专业规范、编导对形象的要求、舞蹈审美度、节奏分配和感觉或感情需要。最主要的是该动作是可以发展的，具有可发展性的。

在一个可发展性的主题动作中，一般要包含一定的形象元素，要将形象的元素或成分内置在舞蹈的主题动作中，在主题动作的编排方面哪怕是再简单不过的动作也要有意识地摄入形象因素，非主题性的动作编排不一定需要有形象元素。动作当中有了形象元素在主题动作中，这个可发展的主题动作和形象元素将来是有希望和前景的。我们在编排主题动作的时候，对形象元素的确立是依照两个途径得来。

其一，观察生活而来，其二，调集生活经验而来。北京舞蹈学院编导系建系之初，舞蹈编导课程开设的第一个单元的编舞课程就是观察生活练习，这个课依据当时的文艺理论，讲究现实主义的创作风格。中国艺术各界也是讲究现实主义创作。当时美术的代表作是以四川美术学院罗中立的油画作品《父亲》为代表的一系列现实主义创作风格的作品。

中国话剧长久以来也备受斯坦尼斯拉夫斯基表演体系的熏陶，表演体系注重对生活的观察。中国舞剧也比较接受戏剧表演体系的美学影响，舞剧当中也讲究对生活的观察，因此，在"艺术源于社会生活"的观念指导下，编舞课很直接地采用了戏剧表演创作的方法。"观察生活"这门课程的主讲教师当时是黄伯寿老师，黄老是北京舞蹈学院在20世纪建校初期举办的第十二届编导培训班的毕业生。学成毕业后创作的舞剧《宝莲灯》是中国舞剧古典风格的代表剧目。

而第一二届编导培训班是北京舞蹈学校邀请苏联专家查普林、古雪夫帮助建立新中国舞剧创作力量和传授舞剧创作经验的。我们舞剧与话剧、歌剧一样在新中国成立之初，齐头并进开辟出事业发展的最初规模。全体艺术界讲究艺术创作来源于生活，因此，开课的目标就朝着生活进发。随着时代的发展，更多的和更新的创作观念和思想不断丰富，我们要充实到我们的编导理论之中。艺术创作是要对生活进行观察，但是不能流于形式。因此要加强对于人文的关心和人本的关注，也要加大对创作者自身经验的重视和对创作者既往生活经验的调集，也要讲究个体生活经验的体验。

『捌』 舞蹈创作成功的重要条件

有一颗坚持不懈的心，不半途而废，除了学习，把所有的心机都放在舞蹈上，多难的舞蹈也能学会！（跳舞中记得不要忘了学习哦）

『玖』 舞蹈编导理论对舞蹈作品创作的实践性意义

蹈实践与舞蹈文化
舞蹈实践。简而言之就是指经过提炼、组织和美化了的人体动作。
与其他人体动作范畴的艺术相比，其不同之处在于，它是以舞蹈动作为主要艺术表现手段，着重表现语言文字和其他艺术手段难以表现的人们内在深层的精神世界，创造出可被人感知的、生动的舞蹈形象，以表达编导和演员的审美情感、审美理想，反映生活的审美属性。
舞蹈文化。在人类的发展史上，舞蹈与人类生存现实一直存在本质的关联，闻一多先生很早就运用文化人类学的研究方法对舞蹈“是什么”做出了精辟的阐述：“舞是生命情调最直接、最本质、最强烈、最尖锐、最单纯而又最充足的表现。”这一论断从实质而言是通过舞蹈形态来解析、透视舞蹈本质内涵的。
任何形态的舞蹈，都是由它的文化因素所决定的。要想使自己创作出来的舞蹈作品有内涵，只有深刻地理解相应的文化知识。这是作为一个演员、一个编导所必不可少的。但长期以来，我们只是单纯地对纯舞蹈本身进行研究，比较关注舞蹈的精致、典雅、工整和纯艺术的审美咀嚼，而忽略了艺术化的行为动作。舞蹈的形态极美，技术性极强，但这种形态美和技艺性都是发自人体自身的。外部的形态美和技艺都不可避免地与人体内部精神情感相通，受其支配并表现情感。
舞蹈是一门独立的艺术，它并不从属于其他艺术门类，也不是其他艺术门类的附属品。文化是人类社会发展的标志，作为精神财富范畴中的舞蹈本身就是一种文化，它有着属于自己的内容，从舞蹈发展的历程中，我们可以清晰地看到人类文明进步的轨迹。舞蹈的发展趋势
半个世纪以来，中国舞蹈的发展空前繁荣，大批舞蹈人才、经典作品涌现了出来。很多作品样式繁多，手法新颖，突破了传统的樊篱模式，无论在题材和内容上，都冲破了长期存在的禁区，越来越向丰富多彩的社会和人生靠近。很多作品创新意识非常强，不固守旧，越来越显示出全方位的审美多维探索的趋势。这些都说明了我国的舞蹈发展趋势是向着知识舞蹈的方面发展的，没有知识开掘的舞蹈创作是没有主题思想的，艺术感染力也就无从谈起了。那么如何才能改变一些人对舞蹈演员“头脑简单四肢发达”的看法呢？首先，我们要加强自身的理论学习，没有理论指导的创作，是盲目的创作。一个作品真正达到精品的高度，是以知识积累创作规律为基点的，这是时代的需要，也是促进舞蹈精品向最高目标迈进的需要。
舞蹈人才的界定
常有人赞誉舞蹈为“美的化身”，认为舞蹈是一门美的艺术，这就是说，好的舞蹈要让人赏心悦目。舞蹈虽是以动作为语言来表达思想的，但如果舞蹈动作表达得没有内涵，那么它就失去了飞翔的翅膀。显而易见，一个缺乏厚实文化内涵的舞者是很难塑造出富于艺术魅力、有深刻思想内涵的舞蹈形象的。对专业舞者来说，具备专业技能的同时也要具备很高的艺术修养，所以更应注重并加强理论学习。
近年来，随着经济和社会的快速发展，我国的舞蹈事业也突飞猛进、迅速发展并广为普及，同时对舞蹈人才的取向定位要求也越来越高。我国著名舞蹈理论家吴晓邦曾说过：“一位舞蹈演员只会跳，而不知所以然，那还是‘舞盲’，一位舞蹈教员只知教点技术，而不懂得教的目的是为什么，不懂得告诉学生怎么用，那也只能算是‘教盲’。”显而易见，新时期真正的舞蹈人才应该是智能型和知识型的新型人才。“能文能舞”是我们大家追求的目标。
舞蹈理论与舞蹈实践的关系
理论是抽象的，是用语言来表达的，呈现的是一个思想和意义的世界；舞蹈是形象的，是用肢体来说话的，展现的是一个情绪和形象的空间。要真正做到理论与实践的和谐统一并不是一件易事，在舞蹈界尤为突出。
在我国舞蹈界，曾出现过由于一些编导、演员自身缺乏理论知识与修养，创作的舞蹈作品在形式和内容之间严重失衡。很多权威人士认为这类编导：“创作急功近利，观念过于陈旧，缺少现实主义，过分追求形式美，注意观赏性，舞蹈作品在过重的包装下显示出肤浅与苍白。”
另外，在舞蹈创作中互相模仿甚至抄袭的倾向也层出不穷。有的编导搞创作没有自己的艺术追求和理想，常常是随“大流”、追“时髦”，这些所谓的舞蹈创作其实只不过是在重复别人的路。有的舞蹈演员只会在舞蹈作品中模仿编导教给的示范动作，而不能进行二度创作；有的舞蹈教员在教学过程中只能是过去怎么学的现在就怎么教，不能根据学生的实际情况和具体条件因材施教……之所以出现这些现象，就是由于一些从事舞蹈实践的艺术家在不同程度上忽视了舞蹈理论的学习和研究。
舞蹈理论对舞蹈实践的重要性
所有的理论都来源于实践，舞蹈理论更是舞蹈实践的总结和概括。实践经验上升为科学理论需要一个漫长的过程，在一定时期产生的经验对当时来讲是有益的、先进的，但经验不是永恒的，它会随着训练的内容、方式而变化。科学理论与感性经验的区别就在于，科学理论运用科学的思维方法、科技手段，透过事物的表面寻找出必然的内在联系，通过具体现象概括出事物的本质特征，对实践有着普遍的指导作用。
当前舞蹈理论的相对滞后影响到了舞蹈创作的发展，以正确的舞蹈理论来指导舞蹈创作，也正是我们今天要提高本身艺术修养的重要途径。学习舞蹈理论的目的，是在知其然的基础上知其所以然，舞蹈实践与舞蹈理论相互结合，相互促进，缺一不可。著名舞蹈理论家吴晓邦强调：“无论是演员、教师、编导都应重视舞蹈理论学习和研究，舞蹈教育要培养学者型舞蹈人才，而不是身体的匠人，因此，舞蹈理论课是舞蹈教育不可缺少的内容。”
舞蹈理论与舞蹈实践是彼此依存、不可分离的。理论应时刻触及实践的脉搏，实践也应当常常保持理论的思考。现如今舞蹈要建立更完善的体系，就要求有更多优秀的舞蹈人才。著名编导舒巧认为：“要保证当前的舞蹈创作健康地向前发展，需要教学、理论、体制、市场等方面的不断健全。”作为一名编导，理论修养必不可少，舞蹈编导需要知识的不断丰富。有了知识型人才，才能创作出知识型的舞蹈。
总而言之，我认为舞蹈实践与理论知识之间有着不可分割的联系。舞蹈离不开理论知识的指导，只有提高舞蹈者的文化水平，自身修养才能随之提高，才能使自己的专业所学得到更好的应用，以便更好地创造优秀的舞蹈作品。我们要继承老一辈艺术家的优良传统，促进祖国舞蹈事业的繁

『拾』 如何培养舞蹈编导中的创造性思维

首先，学生是主人，让主人充满激情。有一句话说得好“兴趣是学生最好的老师”。这说明，兴趣对于一个人成就一番事业有多么重要。千方百计设计阅读教学课堂结构，使学生产生浓厚的兴趣，自觉地加入到学习中，让自己成为学习的主人