创造与挑战画

❶ 创造一个枪战游戏侵权吗设计是请别人设计的，跟着我的思路设计，除了操控一样其他画面什么都不一样，

就好像有个公司抄袭了那么多种游戏，很多操控也是一样的啊，但是内容剧情不一样就可以啦。

❷ 《创造营2020》罗志祥画面被剪，如今的他退路何在

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❸ 西班牙画家戈雅的作品中，哪幅画名气最大

西方美术史上，许多画家都是全能画家，如画家毕加索，不仅擅长写实油画风格，还擅长立体主义绘画风格

❹ 创造与挑战的星星在哪里

你玩的是编辑器，对吧？ 点击右边的T，或者看见中间下边的奖励，都可以找到星星，别问我怎么知道的，因为我经常做坑向地图

❺ 两幅画作相似：抄袭和摹古如何区分

华喦白描仕女图（仿品）华喦白描仕女图（真迹） □文/图 林琳 郭晓昊 最近在收藏者宋先生身上发生了一件有趣的事情，他买到的两幅几乎一模一样的书画作品，竟然分别有两个当代画家的题款。到底是谁抄袭了谁？此前，英国广播电台(BBC)消息报道，日本著名艺术家和田义彦由于被揭发多幅油画抄袭意大利艺术家ALBERTO SUGHI的作品，日本政府已收回颁发给他的年度艺术大奖。关于“抄袭”，艺术界有两种截然不同的观点：一种认为艺术必然需要原创，同行之间的互相“复制”，或者从外面直接“拿来”，都令艺术品市场鱼龙混杂；另一种则认为艺术必有传承，尤其是中国书画更有摹古的传统，不能以抄袭论之。那么艺术品的抄袭该如何界定？抄袭和摹古如何区分？ 焦点一 临摹古人：传统美术应向大师致敬 策展人吴杨波认为，关于抄袭，艺术界向来就形成两种截然对立的观点，一种认为凡是艺术就一定要是全新的创作，另一种认为艺术也可以互相借鉴和学习，甚至可以是“对大师的致敬”：“就像京剧一样，来来回回就那么几个唱段，要原创很难。但是不同的艺术家对同一段京剧的理解不同，表现的效果也不一样。”他认为，艺术的创造不一定全部是原创，也可以是在前人的基础上所做的革新、改良、改造。但是抄袭与这种革新和改良截然不同：“抄袭在艺术界是令人深恶痛绝的，抄袭者模仿其他画家的作品，签自己的名字，以假乱真。” 然而，在中国美术史上，却存在着一种绘画的传统——后人以能更好地模仿前人作品为荣，即使在仿作上加上自己的名字，其艺术价值和市场价值也往往能获得认可。在广东省美术馆就藏有两件这样的作品。一件是清代画家华喦的《杨贵妃肖像图》，另一件是上世纪初广东的国画研究会画家黄君璧的《杨贵妃肖像图》。“两件作品相似度达到99%，可以判断黄君璧原封不动地将华喦的作品临摹了一遍。黄君璧把华喦原画上的款都照搬了一次，同时也落了自己的款。”广东省博物馆研究员朱万章告诉笔者，“临摹的过程里，虽然笔法中可能加入了自己的东西，但黄君璧并没有进行‘再创造’，作品的构图和意境与原画完全一样。”从某个角度看来，黄君璧或许是在“向大师致敬”，但是对于朱万章来说，更认为黄君璧这件作品的意义在于展现了自己临摹古画精湛的艺术功底，同时也证实了国画研究会以临摹“起家”。 临摹的功底历来都被认为是中国书画传统功力的一种，古人临摹，一是为了练习，二是为了展示自己能将古画临摹得毫无二致的功底，而不是为了再创作来展现自己的艺术水准。“对于古人来说，最高水准不外乎将古画临摹出100%的相似度，与原画丝毫不差，甚至连对方的毛病、败笔都临摹下来。”朱万章认为，这种文化和审美传统一直影响了国画界，即使在现代也依然存在以临摹起家的现象，有的画家甚至一辈子都在临摹，“只是有的人临摹后‘幸运’地找到自己的出路，形成了自己的技巧。”所以他认为界定临摹或抄袭的标准是，如果把临摹的作品当作自己的作品来展现，当然就有抄袭之嫌，但如果是博采众家之长进行的习作，那就无可厚非了。 焦点二 抄袭西方：油画家名利双收 “在不同的文化环境下，抄袭的界定和对待方法有所不同。”朱万章认为，譬如西方古典油画注重写真，临摹的不是古人，而是复制大自然、复制物体、复制人体，但不能复制达·芬奇或者凡·高的画，不然会被世人批评甚至攻击。 上世纪末，一个现在已经成名的油画家在当年他的本科毕业论文中探讨了抄袭的问题，将国内部分艺术家著名的作品，找到西方作品的原作进行比较。这篇论文在当时的艺术界掀起了轩然大波和反思。时隔20年后，吴杨波认为，当时中国油画界的艺术家模仿西方大师作品是有一定的意义所在：“不同语境下，西方和东方作品的比较，只是后者借用了前者的图像和符号，可以说是抄袭，也可以是对图像的借用。我更倾向于后一种观点。” “东方抄袭西方，自上世纪80年代就开始了，其后一直都有。”这种现象被业内称为“画册现象”，吴杨波解释称，当时中国对国外的艺术界还很不了解，有些艺术家率先得到西方的画册，见到好的作品，在其他人还没获得该信息之前，迅速将这种风格改装一下，变成自己的，并靠这种风格成名。“通过走这条捷径成为著名艺术家的现象确实存在，但在艺术界并没有被口诛笔伐或严加斥责。”他认为，一个原因是每年全国美展的油画部分都会出现类型风格非常接近、学自某人的作品，但丝毫没影响其入围和评奖，证明业界对这种“抄袭”的宽容，二是在著名的画院领军人物中，不乏抄袭西方作品成功的案例，令此在美术圈子中成为司空见惯的现象。 “抄袭的画家却往往有可能名利双收，这种极其不合理的现象就是知识产权落后的表现。”华辰拍卖总经理甘学军[微博]强调，应该对此进行立法，但抄袭的界定是个难题。“在构图、画法上应该可以界定，重点是如何改变传统的观念。”在他看来，印刷不发达的时代，中国画以临摹的方式来作为传承、延续的方法。所以，在国际上极为严重的抄袭，因为中国的这种历史传统，而被“淡化”。他认为，现代的中国美术创作和美术市场需要创作、独特个性，所以现在中国艺术品市场，面临世界大市场的机遇和挑战，应该考虑如何遵循国际通行的法则，“传统书画可以有传承关系、门户之风，但现代创作不遵循国际通行原则一定会吃亏。” 焦点三 相似度多少才算抄袭？ “即使在西方艺术圈中也没存在100%的原创，即使是标榜的全新的，甚至是颠覆性的艺术，也曾存在于前人的语境中，哪怕当时只是存在于反对声中，但跟前面的东西一定是有关的。”吴杨波如此说道。事实上，在西方艺术界，关于是否抄袭有一个比例的衡量。据策展人熊斌了解，一般相似度达到30%~40%就有抄袭之嫌，否则就只属于雷同。然而，在中国书画中，这个比例却并不适用。“怎么可能界定一个书画家的作品学习了20%的齐白石，25%的张大千，15%的傅抱石呢？”画商刘先生说。 熊斌说：“中国的油画大部分是拷贝外国的手法，连当代的中国水墨画都可能受到一定的影响。画家郭润文曾经说过，油画已经没有什么创新的空间了，只有学习其深度。这句话有一定的道理，成名的艺术家不少都是融合古今中外，先抄再求新。”所以艺术创新就是一种学习、整合，“太阳已经有这么多年的历史了，但是我们对太阳的理解不断在深入。这种理解并不是创新，而是本来就有的，所以对艺术也一样。”不过，不少美术院校的学生为了创新，不加强学习，而是为标新立异而标新立异，就没有任何意义了。 “文化产品总是具备现实有效性。在不同语境里，承担的文化角色并不一样。在不同时间、空间、语境里，同一件作品、同一个样式，被不同艺术家使用，承担的文化角色和功能是不同的，所以在艺术界用‘抄袭’这个词不太准确。学术界的抄袭很明确，一就是一，二就是二，你的就是你的，我的就是我的。但是文化产品很难这么界定，因为图像、符号语言很有限。”熊斌说。 一个艺术圈的资深人士说得更直白：“当代艺术允许这种‘学习’，这不犯法，也无可挑剔，中国人就是这样学习和创作的。当代艺术创作方法允许使用已有的图像，譬如张晓刚[微博]，使用的是上世纪60年代的家庭合照，这就是挪用，比如周春芽或其他艺术家，也是这样的。但他们挪用已有的图像创造了新的意义。” 有市场人士认为，抄袭者能够在市场“吃得开”，也与收藏者普遍水平不高、无法判断有一定的关系。甘学军则认为收藏者、消费者确实应该具备一定的鉴别和消费艺术品的能力，但是归根结底，原因不在收藏者身上，收藏者不可能了解所有的艺术家和艺术品，只有制定法律，创作者即生产者不能抄袭杜撰，才能从根本上解决问题。

❻ 为挫折画上美好作文600字

漆黑的夜晚因闪亮的星星而美好；荒凉的大山因茂密的树林而美好；大树因青翠的嫩叶而美好。那生活因什么而美好呢？生活好像一幅长长的画卷，我们需要用发现美的眼睛为它画上绚丽的色彩……

一座山上的石缝中，长了一颗劲松，从小它的世界就是石缝间的一片天，它渴望长大，冲出石缝享受大自然，于是它努力向上长，就算被尖锐的石头戳破弄脏，也不会害怕不怕累的继续生长……终于有一天……它终于冲出了石缝，开始了自己的一片天……挫折造就了成功，在挫折中成长，让你变的更加坚韧了……

挫折，或许只要你勇于挑战，就这一念之间，就能选择你通向成功的道路。

贝多芬是一个很伟大的音乐家，但命运就是这么不公，身体的残缺让他的生活更加艰难。。可是他没有向命运低头，没有放弃自己，以坚强的意志力克服了重重的困难，在一生中创造了许多着名的作品，他的挫折给予了他的想冲向成功的动力。正是因为他战胜了挫折，才取得了伟大的成就。

挫折并不是你的绊脚石，或许更是你驶向成功的风帆。

我一个人走在放学回家的路上，路灯映着我那长长的影子，不知走了多久，终于到了家，但我还是不敢进去，因为我考试失利了，于是我开始想：这样也不是个办法，还是回家好好复习吧！回家后，我努力寻找自己的错误并不断挖掘经验不断积累。在这次考试中终于获得好成绩，重获了自信与自豪。

❼ 创造与挑战极限小跳怎么开启

极限小跳吗？打开编辑器，看见右上角的游戏属性没？把它拉到中间，双击允许极限小跳，把那个f改为t就好

❽ 临摹抽象画需要画的一模一样吗

临摹主要是为了学习技法，而抽象画本身就是把创新作为唯一的艺术。它强调的是挑战经验与世界，不模仿任何已有的创造，刻意在视觉空间，创造出独特的绘画语言，所以，临摹抽象画本身是从技法上是没有任何意义的。

❾ 冷军画两幅发动机，为何相差1000多万

“成大事不在于力量的大小，而在于能坚持多久。”

虽然坚持不一定能到达心中的目标，但是不坚持一定达不到。每个人心中的成功都不一样，追求的东西也不一样。成功是个概率问题，这个世界可能有几亿人和你的梦想是一样的，但是真正能让历史记住的屈指可数。可是在条艰难的路上，没等到出发时，就有很多人已经离开了。

这个世界上从来不缺少“追风者”，但是缺少的是能把一件事当做自己毕生的追求，一直坚持着，并且做到极致的人。尤其是在当今这个喜欢“速成”的时代，但是还是有很多一生专注于一件事的“工匠”。冷军就是这样一个人。

“锲而不舍 金石可镂”

说到现代超写实画家，可能很多人的印象中会出现这一个人，戴着厚厚的眼镜片，用放大镜和电脑不断的挑战“写实”的极限。他就是冷军。

这也为他以后的作品走向开辟了另一条道路。这幅画的灵感来自于冷军偶然看到了废品回收站的一台破旧发动机，想要创作关于“年代”的作品，又想到了“颠覆”了世界的“工业革命”，就创造出了具有年代感的刚出土的“文物”发动机。

第二幅画叫做《丰碑》，也是以发动机为“主人公”的。但是在2010年拍卖会上拍出了1897万的天价。后来也成为了他的代表作之一。《丰碑》就是之后他延续了这一富有“工业年代感”系列的作品。但是价格却翻了一倍。

为什么价格会有如此大的差别呢？但是原因也很简单

从2005年到2010年相隔了六年，社会发展的脚步是非常迅速的，价钱飞涨也是很正常，更何况冷军的知名度也越来越高，很多人都是慕名而来，都想要得到这副作品，所以价钱会被抬的愈来愈高。再加上这一系列的寓意也很好，歌颂了工业的发展给我国带来了社会经济的繁荣昌盛，在大家印象中又加了不少分。

当然了，也存在着很多质疑声，认为只是个商业噱头，被炒作出来的，趁机抨击他以及他的作品。但是他的这两幅作品确实画的非常细致，仿佛实物就在眼前呈现。也许你可以提出你不喜欢的观点，也可以说这不是艺术，但是我们都无法否定的是冷军的实力。一个人的成功绝非偶然，光炒作卖噱头是无法一直保持到如今。

我们的艺术

我们对艺术的看法是多种多样的，这主要因为我们每一个人的审美风格不一样。一个人，尤其一个名人不可能获得所有人的欢迎，也不可能迎合每一个人了。但是他表达了自己最想表达的，坚持了自己的风格，投入了他全部的情感在其中，就是艺术的最好表达。

其实我们翻看历史画家，有很多画家都画过写实，比如达芬奇有很多画作也偏写实，只是画作的处理更理想化，和我们现在的写实不太一样。而现代艺术家也有很多想要追求极致之美，挑战人的极限，比如出生于维也纳的Gottfried Helnwein，美国艺术家Gregory Thielker等等，他们的作品绝对能够以假乱真，足够震撼人心。

这样的作品是当之无愧的艺术。远比那些刻意追求“抽象”之美的无病呻吟要高级的多。现在的艺术市场非常开放，但是里面鱼龙混杂，有很多人不踏踏实实搞创造，借一个“美术天才”的由头搞抽象创造，借此博眼球。但是这样赤裸裸的炒作又能坚持多久呢？

每一个作品就像艺术家的孩子，珍宝，他们把全部的心血和感情投入到其中，这是他们一生事业。当然一个人的走红，和外部的因素有着千丝万缕的关系，无论是当事人有心或无心的“炒作”，都会把某一个人推向风口浪尖上。

作为我们普通的观众，应该理性的看待每一个作品和每一个人，提高自己的审美能力。但是艺术与风格无关，真正好的艺术，无论是什么风格，都会冲击着你的心灵，真的能够感受到艺术的美好。而没有用心的作品是无法让你产生这样的共鸣。

虽然很多人都不喜欢冷军的风格，但是这并不妨碍他成为艺术家，因为他真的热爱美术，而这些名利都是他付出努力的回报和附属品。我们更应该去关注作品本身的力量，而非绘画风格。