艺术创造派

『壹』 艺术派有哪些主要艺术家及他们的艺术特色

莫奈的童年
克劳德·莫奈(Claude Monet, 1840-1926)1840年生于巴黎，童年在阿弗尔渡过。他没有按照画家的常路走，而是以画漫画起家，在画漫画方面有了一些名声，并受到欧·布丹(Eugène Boudin, 1824-1898)的注意。布丹曾对莫奈说“当场画下的任何东西，总是有一种以后在画室里所不可能取得的力量、真实感和笔法的生动性。”莫奈在他今后的绘画生涯中也是按布丹说的话去做的，因为在他的内心里充满了对大自然的热爱。

不久，莫奈又被荷兰的画家约翰·巴托尔·德·琼康的创作所吸引。这位画家以动荡、兴奋、活泼而且比他同时代的法国人更为活跃的笔触画小桥、村景、河岸和破旧的茅草屋。莫奈就是从布丹和琼康那里接受到了基本艺术修养的。

1840年10月14日，莫奈生于法国巴黎。父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人，在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。莫奈5岁时。来致函父亲的身边。在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。不过，父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候，莫奈在当地已小有名气，他为自己作品开出的 格是每幅20法郎。经过画商的介绍，这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中，二人从此结识。布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”，乍开始莫奈并没在意，甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。由于布丹的一片诚心，终于感动了这位少年。自学成才的布丹，习惯于在露天作画，他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。对此，莫奈也深以为然，因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。从1858年起，莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想，学习并动笔画外光画。布丹所强调的：要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。更是在他的心中深深地扎下了根。就在二人一起到户外作画的过程中，莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。

写生巴黎

在布丹的建议下，莫奈于1859年5月到了巴黎。

在巴黎，他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后，极为赞赏。经布丹介绍，莫奈与巴比松画派的画家有了接触，认识了该派代表人物之一的特罗容。特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室，要学习素描”，要“常常到乡村去画速写”。1860年，莫奈进了斯维赛学院，练习人体写生。这个所谓的“学院”，不过是一间画室，斯维赛是它的主人的名字，这里既不讲课，也没有考试，只要交上一点钱，就可以画人体模特儿。在这里，他接触到了后来成为印象派的一些画家，比如毕沙罗等。在这里，还创作了一些风景画。

这一年的秋天，经抽签决定莫奈需服兵役。此时，其父提出只要服从父母的意愿，安心在家做生意，就可以出钱雇人替他从军。莫奈对此毫不理会，毅然参军，入伍后被编入法国的非洲军团。不久，即随军到了阿尔及尔。在画家的眼里，非洲的景色与光线是美丽迷人的，经过部队的允许，他得到了可以作画的时间，在那里，他曾为队长的夫人画了肖像。

1862年初，因为贫血，莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。这时他认识了荷兰画家琼康，并与琼康入布丹一起从事创作。布丹作画的纤细，琼康对动感的重视，以及二人注意捕捉第一印象的画风，都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。由于医生提出警告，如果莫奈回到非洲，将对他的身体极为不利，11月间，莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请，在交付了一定的费用之后，莫奈再次到了巴黎。并进入了古典派画家格莱尔的画室。在画人体的习作中，格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品，要将人体描绘的尽量完美。莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。

这一年举办的沙龙落选画展中，莫奈看到了马奈的作品之后，受到了震动和启示。在1863年，借复活节的休假之机，莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林，在那里进行创作。在外光下，大家创作了一批具有巴比松风格的作品。

1864年，莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。来到了昂弗勒作画。在这里，莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》与《昂弗勒港》，由于不同于学院派的造作手法，被选入1865年官方沙龙。这一年里，他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上，莫奈是在画景之后才描绘的人物。画面上的人物朴实无华，具有自然的动感，显示了画家的现实主义功力。1866年，以恋人卡缪为模特儿，全身大幅肖像画《绿衣女》在同年的沙龙展出，该画受到了评论家左拉的好评；有一位诗人为作品乌 诗，被发表在《艺术家》杂志上；有的画商还要求莫奈根据原作再复制一件，准备送到美国去。由于这次的成功，家里恢复了对他经济方面的支持。

同年夏天，莫奈创作的《庭院里的女人们》，在1867年沙龙中落选。1866年的秋天，为了避开讨债的人，莫奈自毁了约二百幅作品后，回到阿弗尔。这时他的经济状况十分不妙，原因是父亲对于他和卡缪的关系很反感，从而断绝了经济上的支持，莫奈作品的销路又尚未打开。为了解决继续创作用的画布，他不得不将业已画好油画上的油彩刮掉，重复使用。1867年，怀孕的卡缪为莫奈的父亲所不容，留在了巴黎，莫奈住在姑母家。7月卡缪生下第一个孩子，只好请在巴黎的巴齐依作教父代为照顾。此后的几年中，莫奈始终在阿弗尔及其附近，与布丹、琼康，有时与库尔贝一起作画。在这个时期里，由于与父亲的关系紧张，经济拮据，生活艰难。为此，莫奈曾一度有过轻生的念头。1869年，他回到巴黎，参加了“盖尔波瓦咖啡馆”里艺术家的聚会。可能因为很早就离开了学校自感在受教育方面的不足，故而很少参与争论。这时他的穷困程度，从8月间写给巴齐依的信中可以看出，信中提到：由于雷诺阿送来的面包，才没有饿死。一个星期屋里没有炉火、没有照明。到了该月月底，颜料用光，不得不停止了作画。这时候的巴齐依也穷的典当了自己的表，雷诺阿连寄信的邮费都凑不齐。对于莫奈也是爱莫能助。

1870年6月，莫奈与卡缪正式结婚。9月，莫奈将妻、子托付给布丹照顾，只身一人去了伦敦。在那里与杜比尼、毕沙罗相会，然后，和毕沙罗一起在泰晤士河及公园中作画。在参观美术馆时，英国画家透纳（1775-1851）。康斯太勃（1776-1837）的作品，使其为之倾倒。为了给莫奈的作品找到销路，经杜比尼介绍，在这里认识了画商丢朗、吕厄。此人对于穷画家们表示了同情，在经济方面从此一直在支援着他们。

1871年初，父亲去世，莫奈离开英国。在杜比尼的动员下，到了荷兰并滞留到年底。在阿姆斯特丹，他看到了日本 的“浮世绘”版画之后，其中色调极富生气的风景画，给他留下了美好的印象。日后，他曾说到：它们的精致，使我欣喜。我赞成它们的美学原则，利用阴影引起实感，利用片断引起整体感。荷兰的港湾、运河、教堂、人家，特别是那里的风车，使他着迷。回到巴黎后，在马奈的帮助下，莫奈在巴黎以北的阿让特伊定居。对水情有独钟的这位画家，于1873年在塞纳河上建造了船上的画室，此后，他经常在船上作画。充分运用了不同方向，角度的光照、颤动的空气来描绘水及水面上的景物，通过鲜明的轮廓，阴影以及闪动的亮点，创伤了一批作品。此时，与他一起进行创作的还有西斯莱、马奈、雷诺阿。

1872年，莫奈创作了日后扬名于世的《日出、印象》。这幅油画描绘的是从远处观望阿弗乐港口晨雾中日出的景象。它在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出。这幅作品本不是莫奈画作中最典型的，但是，由于一位名叫勒鲁阿的评论家，在4月25日的《喧噪》杂志上，发表了题为《印象主义的展览会》的文章之后，此画才名声鹊起。该文对参展的许多作品逐地进行了潮讽，针对莫奈的《日出、印象》，他写道“糊墙花纸也比这海景更完整”。与这幅作品标题不无关系地，该文作者将这次展览会戏谑地称之为“印象主义的展览会”。加之莫奈本人曾经表述过“我所画的不过是印象而已”这样的观点，以及以他为首的这批年轻画家，确实注意捕捉对描绘对象的最初印象等因素，尽管这些画家中有要并不同意这个提法，但印象主义、印象派这个称号已经是不胫而走。以致在1877年第3次联展时，干脆将其用作展览会的标题。1874年的这次联展，是由莫奈倡议并和朋友们一起组织的独立画展出 ，以摄影家纳达尔腾出的几间工作室为展厅，参展画家共有30多人，其中包括德加、毕沙罗、塞尚、雷诺阿、西斯莱、摩里索等。参展作品共165件，其中莫奈作品12件，通过这次展览，事实上确立了莫奈在印象派画家中的领袖地位，画家本人也已形成了用光、色的变化，来表现所捕捉的瞬里印象的画风。作为这一新画风的典型作品，当数这次参展的莫奈的油画《卡普辛大街》。

1875年，经济上再次跌入窘境的莫奈，又向朋友们伸出了求援的手。6月份，在给马奈的信中他写道：从前天起，已身无分文，肉铺和面包房都不再赊帐。你能够寄给我20法郎吗？1876年，在第2次联合展览会上，展出莫奈作品18件。对于此次展览，社会上反映比较冷淡。莫标的油画《穿和服的女子》，以2千法郎的高价售出。同年，画家还创作了《火鸡》等作品。并开始了有关圣拉扎尔火车站的一系列创作。1877年，第3次联合展览会在丢朗、吕厄的画店中举办。展出作品共252件，莫奈作品30件。为了维持生计，画家以每幅40—50法郎的低价，卖给了画商肖凯一部分作品。

1878年3月，当卡缪生下第2个孩子的时候，莫奈又面临困境，他在写给左拉的信中说：家中无法生火，妻子又在病中，昨天我跑了一天也未借到钱。在另一封信中又说：如果明晚我付不出6百法郎，我们将被赶到街上。在生活的重压下，加上长期与官方沙龙对立的结果，背离了当时被多数人维护的路线，这时的莫奈已在考虑如何适时抓住机遇，改善个人处境。于是，在1880年将自己的两件作品送交了沙龙，莫奈此举被德加视为“变节”印象派画家之间出现了裂痕。为此，莫奈没有参加第5、6次联展。

进入80年代，大海成了莫奈新的创作源泉。此后的几年当中，在英法海岸，埃托塔等地，莫奈多次捕捉光与影的瞬间效果，创作了一批较之以前更富有冲击力的作品，为此有人将这一时期称作莫奈的“埃托塔时代”，图31、32是这个时期作品中的两件。

1882年3月1日，第7次联合展览会开幕，据马奈说：在这里，他“发现了印象主义的全部光辉作品”。这次展览中有莫奈作品35件。1886年的第8次联合展览，也是最后的一次，莫奈没有参加。它标志着印象主义运动的解体。

自从1883年起，莫奈开始在吉维尼定居后，再也没有迁居。吉维尼位于巴黎沿塞纳河到鲁昂的中间。住所内环境幽美，景色宜人，有林荫路、花坛、池塘、小桥┉画家晚年的许多作品都是在这里完成的。

1889年6月，为了纪念法国大革命一百周年，莫奈与罗丹两位大师举办了作品的联合展出，其中包括1864—1889年莫奈的作品66件，博得了好评。

进入90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩，任职多达15次的描绘，图44、45是其中的两幅。在1891—92年间，以同样的作法创作了“白杨组画”，图46、47是其中的两幅。1900—04年间，创作了“伦敦风光组画”，图51是其中的一幅。当1892—974年创作“鲁昂大教堂组画”时，莫奈租下了教堂对面的一间房子，从天明开始动笔，随着阳光的变化作画，一天下来，作品竟有20件，图48、49是其中的两幅。在进行这种创作时，他常常是很早起来，满载着成车的画布，根据日光的变化，每隔两个小时改画一幅。在80年代末、90年代初创作的组画还有《睡莲》。1900年11月，在丢朗、吕厄的画廊展出莫奈的《池中睡莲》组画26件，获得极大成功。1904年，又在该画廊展出了刚刚完成的有关泰晤士河风光的组画。

1908年9—12月，莫奈与夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。南国的风光、温和的气候、湿润的空气，映在水面上的白云、建筑物，这一切都激起了画家的创作欲望。在这里他创作的作品达30多件。图52、53是这些作品中上两件。

1911年5月，继1879年莫奈夫人卡缪去世后，他的第2位妻子阿里斯又先他而去。画家深陷于悲痛之中，视力也随之下降。1914年，47岁的长子在长期患病后不幸亡故，已是高龄 的莫奈更是形单影孤。在老朋友，曾任法国总理的克雷孟梭的劝说下，莫奈在自己的庭院中建成了长23米、宽20米、高15米的大画室，并着手创作大型装饰画《睡莲》毓系列。1922年3月，他决定将完成后的该大型装饰画捐献给自己的祖国，4月12日，他在“赠与书”上签了名。不久，由于白内障，画家几乎丧失了视力，9月，被医生禁止作画。转年后，经过手术，视力有所恢复。1925年，85岁的老画家独自一人，又在画定室、室外投入了大型壁画的创作之中。在人们期待的目光里，这件足以反映出画家对光与色认识的深度，描绘技巧娴熟的大型壁画《睡莲》，业已耗尽了他的全部心力。就在这件巨作完成的第2天、1926年12月6日，这位仅存的印象派大师永远地告别了人间，按照既定计划，《睡莲》被安置于卢浮宫旁、原法王亨利二世王后的土伊勒宫里宫中桔园的 园形大厅，作为永久性陈列品。1927年建成的该厅，被誉为“印象派的西斯廷礼拜堂”。（西斯廷礼拜堂内有波提切利等名家壁画，特别是米开朗琪罗的《最后的审判》，更是驰名世界）按照死者生前愿望，在他去世的第2天上午，举行过简单的告别仪式之后，即将遗体安葬于当地莫奈夫人的墓地。送葬的除去一些艺术家外，还有当地的群众，以及克雷孟梭，期间并未安排讲话，献花等。在静静中大家送走了这位艺术大师。

从印象主义的产生、发展看，始作俑者非马奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。为后人留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养。

还要提及的是印象派的理念、技法，本是基于现实的观察而提出的，但是，由于热中于描写光与色，甚至将其神秘化，从而出现了不顾及现实物象的倾向。莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果。

莫奈来到巴黎，在那里见识到了居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet,1819-1877）、让-巴蒂斯特·卡米耶·柯罗（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及爱德华·马奈（Edouard Manet1832-1883）的创作。他认真鉴赏了他们的绘画长处，并且以惊人的速度运用了他们的成就。但莫奈并不是他们的追随者，而是一个反叛者。莫奈并不想在学院完成他的学画过程，他只在1863年在格莱尔学院的画室里呆了一段时间。当他遇到了巴齐依（Bazille）、阿尔弗莱德·西斯莱(Alfred Sisley,1839-1899)和皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)以后，他便劝说他们也放弃那些学字派课程。当格莱尔学院的画室停办后，他便把他的伙伴们带到枫丹白露林边的一个小村庄——舍依，在那里画户外写生。

当莫奈离开了格莱尔学院画室后，他并没有去充实他那相当贫乏的艺术修养，而是怀着火热的信念投入了自然生活的纯直觉观察；他根本不买各种理论学说的帐，而是发展出自己的一套绘画方法。

莫奈一生对造型漠不关心，他关心的是正确的层次关系。正是因为莫奈对造型格格不入，所以他能够轻而易举地表现出他所确实看见的事物，但也正因为此，他却表现不出事物的幻觉真实感。

莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。他喜欢所有使人眼花缭乱的东西，他描绘的河水、天空、房屋和树木都洋溢着非同寻常的生命感。他的内心满怀着难以遏止的激动；从他的观念看他是一个现实主义者，然而从他本性看，他却是一个幻想家。

1864年，莫奈完成了“翁费勒的塞纳河口”，此画是1865年的官方沙龙上展出，并受到了热烈的欢迎，当评论家评论此画时说：“用调子所组成的和谐色彩……颇能吸引观众们的大胆感觉”。这表现出官方对人们很喜欢这幅画是完全可以理解的。油画表现了丰富的中间调子和那种暗淡、沉着的色阶。向深处展开的空间，通过河岸线而处理得十分成功按照传统，河岸线标志着中景和远景。在这幅画上，出于莫奈自己的东西，就是表现在前景水的笔触和云的笔触上的“颇能吸引观众的大胆感觉”；这些笔触加强了画面的传统效果。

在1866年，莫奈用了几天功夫完成并展出了他未来夫人的肖像“穿绿衣的女士——卡美伊”。这幅肖像引起了争论，但总的说来是成功的；有人甚至把它同马奈的肖像画相媲美。这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力；由此而产生了一种动力感和生动性。

同年，莫奈展出了“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”一画，这幅画对于他未来风格的发展具有更大的意义。油画是他从罗浮宫的一个阳台上画的，这幅画是要表现树叶上的反光。并排的笔触生动地表现了空气的振动，依靠这些笔触的结合而取得了绿黄色的光和绿黑色的影的生动效果。这里的用笔方法已经省印象主义①的了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的；它们画得就像是黑色。教堂和房子在颤动的树叶相比之下显得过于密集了。画中没有整体的形象，但树叶的画法却给我们透露出一点莫奈的色彩理想来

“穿绿衣的女士——卡美伊”是在画室里完成的人物画；“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”是在外光下画成的风景画。“花园中的女人”一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。

印象·日出和印象主义的诞生

1872年，莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈位代表的一批要求革新创造的青年画家位“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。

为历史铭记

莫奈在视觉观察方面无疑是一个富有创造性的天才。他善于从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象。他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其它因素中抽象出来，把它提到了不可攀登的高度。莫奈的视觉观察是天才的、创造性的、非凡的，可是在这种观察的背后又是什么呢？他所看见的东西同他所感觉和他所想象的东西之间关系又是如何的呢？

莫奈在1874-78年间在阿尔让特依所画的一些画可以回答这些问题。如创作于1872年的“阿尔让特依的帆船”。在这幅图里中间调子代替了色彩对比，但不是借了色彩的混合，而是通过形成一种光的综合作用的色彩分解或组合。黑色已不再出现于画家的调色板，剩下的只是造成明与暗的光谱色彩，它们形成了形的实体。统一的色彩风格很自然地遍及整个画面：远景和近景，物体、水和天空，把这一切改造成为一种美妙动人的景象，而浑然一片、不分层次的空间透视，则把这远景和近景联成一个整体。紫色和黄色的调子同河水和天空的蔚蓝色交织在一起，这些颜色的调子差别把这些自然现象区分得清清楚楚，而且平静如镜的河面，仿佛就成了天穹的基础。几何学的透视已被忘却；它已让空气的不断运动代替了。每一种颜色单独看来十分柔和，它们的整体却又是强烈的；出现在我们面前的是天边焰火弥漫，白昼即将消逝的图景，一条大帆船静静地停在一片灰色的半阴影之中。这是一个幻想家的直观，在这烟雾缭绕、夕阳西下、一片忧郁的气氛之中，莫奈仿佛就是那光的生命，直接参与着它的逐渐熄灭。这是莫奈创作中的丰收时期，是他创作了色彩的传奇。

圣拉查尔火车站

绘于1877年的“圣拉查尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。

1883年莫奈过日维尔尼定居，他在那里建造了一座小花园，以便在那里画画；他在池溏里种了许多莲花，这使他发现了实现他纲领的主题：画一些坚硬的形体、水和空气，尽量使它们融合在一起。这便产生的组画“睡莲”，“仙女池，玫瑰色的和谐”就是这组画其中之一。这幅画反映了莫奈一种物我两融的愿望，但它没有一点悲怆的情调。

每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。

代表作

《日出·印象》

《阿尔让特伊大桥》

《阿尔让特伊的帆船》

《卢昂大教堂》

《睡莲》

『贰』 世界十大抽象派画家

抽象派是兴起于二十世纪的一种绘画风格，泛指想脱离模仿自然的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。

抽象作风是打破绘画必须模仿自然的传统观念，1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

库波卡（F.Kupka1871～1957），捷克画家。运用色彩理论和音乐式和谐造成独特的几何风格，例如《绘图构成主题二》（1911～12，华盛顿国家画廊）、《垂直线语系习作》（1911）。

克利（P.Klee，1879～1940），瑞士画家。运用色彩调和及抽象的手法，创作了许多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金鱼》（1925，油彩加水彩，纸裱在卡纸板上，48.5×68.5cm，汉堡美术馆）、《干道与支道》（1929，油画，布，83×76cm，科隆，里伯尔兹美术馆）、《死与火》(1940，油画，83×67cm，科隆，里伯尔兹美术馆)

『叁』 九叶诗人在诗歌艺术上的创造有哪些代表作品

九叶诗复人在诗歌艺术上也有所创制造。最有特色的还是他们对象征手法的运用。意象的捕捉与运用帮助了诗的形象性。辛笛的《风景》用病态的风景使人联想病态的社会。穆旦的诗是9人中现代派的意味最浓的。他有《探险队》、《旗》、《穆旦诗集》等集子。他也很善于选择各种意象，如《春》，借春天为意象写“这满园的欲望多么美丽。”从外在的春色来表现内在的生的欲望。这在郑敏那里有时是与浪漫主义手法结合着的。如《清道夫》，并不是写实地描绘清道夫形象，而是通过这个形象表示对混沌现实的嫌恶。所以，九叶诗人的抒情往往是间接性的。象征的手法要求高度的想象力。有时诗中的想象是十分奇特的，如陈敬容的《雨后》中:“当一只青蛙在草丛间跳跃，睛。”唐祈的《雾》写夜间的雾:比云卑湿，龌龊，走着，走着，又蹲下来它没有重量的我仿佛看见大地眨着眼庞大白色的臀部。这表现了诗人很有想象力。在色的运用方面，有许多地方让人体会到通感的妙用。

『肆』 比较论述创造社“为艺术”的文学主张与人生派“为人生”的艺术主张。

20年代小说的总体面貌：为人生的现实主义小说与浪漫抒情小说相互对峙、互为补充。20年代大体的小说发展脉络是：首先是“五四”思想在思想文化领域里除旧布新的巨大力量，引出了一批“问题小说”，但是问题小说比较形而上。“虚”一些，大部分问题小说作家都先后倾向于现实主义，与问题小说之后出现的“为人生派”现实主义小说合流，其间还出现了从20年代起便形成了一股持久的创作潮流的乡土小说，而乡土小说实际上可以算作是“为人生派”现实主义小说的一个分支。而在浪漫抒情小说方面，则是先后出现了“自叙传”抒情小说和其他一些主观型的叙述小说，这些小说主要以创造社为主。
20年代的文研会公开倡导文学“表现并且讨论一些有关人生一般的问题”，无疑是“问题小说”创作的重要组成部分，并且将“问题小说”的创作引向了高潮，其创作风格集中体现在王统照与叶圣陶身上，王统照突出“爱”与“美”的观点，探讨人生的“烦闷与混扰”，而叶圣陶也是由“问题小说”起步，后来又成为了“为人生派”小说的代表作家，他除了简单的表现“爱”与“美”之外，更集中于封建宗法制度之下人与人之间关系的“隔膜”，而“隔膜”问题与同时期鲁迅小说中关于“国民性改造”的问题有相通之处，在“问题小说”潮流过去之后，叶圣陶在专心地刻写学校知识分子和市镇小市民的精神历程方面，显出与众不同。而文研会的其他作家则主要构成了现实主义小说中的乡土小说的作家群体，乡土小说给当时的文坛带来了清新的泥土气息，突破了新文学诞生以来创作的相对狭小天地，使得新文学和社会生活土壤的联系更加紧密。
总而言之，20年代的文研会小说创作集中于现实主义小说，影响并推动了20年代整个现实主义小说的发展。
而创造社的主要成员在日本留学期间，较多的接受了19世纪欧洲浪漫主义文学的影响，于是强调“本着内心的要求，从事文艺活动”，同时又吸收了1921年—1926年风靡日本的“私小说”的手法，加以创造性的发展，主张再现作家自己的生活和心境，减弱对外部事件的描写，而侧重于作家心境的大胆暴露，包括暴露作家私生活中灵与肉的冲突以及变态性心理，作为向一切旧道德旧礼教挑战的艺术手段。这样的创作思路无疑使得创造社在20年代的小说创作中选择了浪漫抒情小说。20年代浪漫抒情小说的分支——“自叙传”抒情小说以创造社的郁达夫的《沉沦》为代表，而创造社后起的青年作家紧接郁达夫几乎构成了一个抒情作家群体（还有浅草社与沉钟社作家）。
由此，20年代创造社的小说创作主要是集中于浪漫抒情小说的。
20年代的文研会与创造社在小说创作上，由于不同的文学主张，分别选择了现实主义与浪漫主义两个不同方面，并成为各自阵营的主力军，共同推动了20年代小说创作的发展。

『伍』 法国象征派在艺术上的重要贡献是创造了什么美

法国象征派在艺术上的重要贡献是创造了音乐美

『陆』 京派小说创作的艺术风格

在20世纪20年代末期到30年代，文学的中心南移到上海，继续留在京、津地区或其他北方城市的一个自由的作家群，当时也称“北方作家”派。“京派”并没有正式的组织，只是一种名称的沿用。“京派”作家创作的小说被称为“京派小说”。京派小说文风淳朴，贴近底层人民的生活，在现实主义的创作中融入浪漫主义的、表现主观个性的多种艺术手法。主要代表作家有沈从文、废名、芦焚等。沈从文的小说《边城》、《萧萧》、《长河》等是其中较为出色的作品。

梦幻乡土。
对乡土的梦幻般的描摹是京派小说的一大特点。京派作家是在视艺术即梦、情感即真，也就是在朱光潜所谓“理想界”与“现实界”二元对立的观念中建构着他们的乡土梦幻的。基于此，他们对宗法制乡风民俗多取宁静认同的态度，努力从中开掘纯朴的人情美、道德美，奇特的风俗美，静穆的自然美。沈从文的湘西世界，废名的鄂东山野，芦焚的河南果园城，老向的河北农村，汪曾棋的苏北乡镇，萧乾的京华贫民区等无不表现了这一特色。两部《新编》同样继承了这一风格，比如潭柘寺、戒台寺的描写；母矮脚虎回乡的描写；保定府的描写；客栈的描写；青楼的描写；批八字的描写，母矮脚虎出嫁的描写，颠轿的描写等等。总之，不论是对强悍生命力的描摹，还是表现女性的温婉纯美、儿童的纯洁稚嫩，都突出地牵动着作者的一种梦幻之情，用沈从文在《旧作选集·代序》中的话来说就是对“一种优美、健康、自然，而又不悖乎人性的人生形式”的神往。

悲悯人生 。
京派小说多表现出对人类的悲悯情怀。京派作家在历史文化的观照中既由衷地赞美那未蒙教化的原始文明的淳厚朴实，又看到了礼教、宗法制的野蛮和人生不幸的一面。同时，京派浓厚的学院背景又使作家们在理论上对社会对人类有一种悲剧意识。沈从文和废名都十分郑重地把自己作品中悲剧的美学特质的一面指出来，在他们看来，人的神性存在与悲剧性存在有着必然性的联系，由此决定了京派小说的悲剧性往往是人性的悲剧；另一方面，京派作家对人性的单纯信仰又使得他们的悲剧是“明快的”，又带着“悲悯的微笑”的情怀。这样，他们的表现方式就是在所写的人事上不为故事中卑微人事失去明快，总能保持一个作家的平静，淡淡的讽刺里常常有一个悲悯的微笑影子。沈从文的《月下小景》中的少男少女在月光中走向美丽的死亡，并借此使情爱升华到崇高境界。这些作品在对爱、美遭罹毁灭的无可奈何的叹息、悲悯中，表现出京派作家“对人生或生命能作更深一层的理解”的努力。京派小说中尚有一类表现美丑、善恶对立较为强烈的社会批判倾向和鲜明的爱憎取舍的人生悲剧，如沈从文的《菜园》、《丈夫》等；萧乾的作品这种特点更明显，他崇尚虽败尤荣的人与命运的搏战，因此，他的悲剧中具有一些英雄主义的因素，这在《邓山东》、《小蒋》、《印子车的命运》中都可以看到。

诗意抒写 。
京派作家的文体都带有一种抒情性。他们小说的文体形态是与他们的叙事态度、价值选择、文化情致相联结而存在的。在叙述中融入诗性的追求，在写实中弥漫着浪漫的气息是京派小说文体的突出特征。沈从文喜欢用“诗的抒情”方式作小说，如《边城》有现实的忧伤，也有桃园般的浪漫，还有水的恬静蕴藉，清丽隽永的诗意扑面而来。废名善用“写绝句的方法”写小说，还常把诗的象征手法移用在其小说中。京派作家往往都有着意境营造的自觉。他们的小说或以景结情，或以象寓意，用空白和空灵构成立体的艺术空间，给读者以极大的想象空间。两部《新编》很多处运用诗歌、歌曲、散文、舞蹈，其中“母矮脚虎与老马聊斋的爱情、婚事”“可视为这方面的代表。这一情节从多个视角描摹了西柏坡的自然风光和人性之美，从而为主人公“母矮脚虎与老马聊斋” 设置了一个“恰当”、“和谐”的生活背景，于是古朴宁静的自然脱化出了西柏坡人的达观自如与世无争的生存观念，这样母矮脚虎就成为了整篇小说的核心，而且作者还把禅境中的静观、顿悟等引入到小说中，进一步推动了小说的意境化。伴随诗性意境而来的是京派作品结构上的疏朗和散文化倾向。京派小说往往取一种形散而神聚的结构，而这正是典范的散文体结构，人们称京派作家都是遗像文体家，主要就是指这一方面而言。

『柒』 20世纪所有艺术流派解释及代表人物作品

20 世纪所有艺术流派解释

1 、 象征主义：

象征主义名词源于希腊文 Symbolon， 它在希腊文中的原意是指“一块木板(或一种陶器)分成两半， 主客双方各执其一， 再次见面时拼成一块， 以示友爱”的信物。

几经演变， 其义变成了“用一种形式作为一种概念的习馈代表”， 即引中为任何观念或事物的代表， 凡能表达某种观念及事物的符号或物品就叫做“象征”。

它与通常人们用的比喻不同， 它涉及事物的实质， 含义远较比喻深广。是 1 9 世纪末在法国及西方几个国家出现的一种艺术思潮。 是当时欧洲一部分知识分子对社会生活和官方沙龙文化不满的反映。

他们不敢正视现实， 不愿直接表述自己的意思， 往往采用象征和寓意的手法， 在幻想中虚构另外的世界， 抒发自己的愿望， 这样便产生了近代象征性的艺术。

1 886 年诗人让·莫雷亚斯发表《象征主义宣言》 首先提出这个名称。

象征派在艺术上受英国拉斐尔前派和象征派诗人马拉美、 波特莱尔， 音乐家瓦格纳及尼采主观唯心主义思想的影响。

象征派主张强调主观、 个性， 以心灵的想象创造某种带有暗示和象征性的神奇画面， 他们不再把一时所见真实的表现出来， 而通过特定形象的综合来表达自己的观念和内在的精神世界。 在形式上则追求华丽堆砌和装饰的效果。

象征主义是 1 9 世纪末产生于法国的文学艺术运动， 在巴黎的知识界影响很大， 并对 20 世纪美学的发展， 起了一定的推动作用。 该运动主要在法国， 欧洲的其他文化中心也有一些追随者， 如德国， 比利时等。

2、 前后象征主义：

象征主义分为前象征主义， 和后象征主义。

前象征主义∶

1 9世纪后半叶产生于法国的诗歌流派。 代表人物是： 波德莱尔、 魏尔伦、 兰波和马拉美。 波德莱尔的十四行诗《应和》 首次提出著名的象征主义“应和”论。

后象征主义： 出现于一次大战后的世界性文学潮流， 20 年代达到高潮， 40年代接近尾， 其创作手法延续到后来的各种写作中。 它的主要特点是∶ 创造病态的“美”， 表现内心的“最高真实”， 运用象征暗示， 在幻觉中构筑意象.

3、野兽派（Fauvism）

是 20 世纪最早出现的新艺术象征主义的画派。 特点是狂野的色彩使用和强烈的视觉冲击力， 常给人不合常理的感觉。

1 905 年一群以亨利·马蒂斯为首的年轻画家在巴黎秋季沙龙展出自己的形象简单， 色彩鲜艳大胆的作品， 震惊了画坛， 人们惊呼“这简直是野兽！ ”从此画坛上出现了一个新的野兽派。

法国象征主义画家居斯塔夫·莫罗在一定程度上成为野兽派的先驱， 他鼓励他的学生们不要遵循程式化的画法， 要根据自己的想象力去作画， 马蒂斯就是他的得意弟子。

野兽派的领袖马蒂斯和安德烈·德朗都是莫罗的学生， 他们吸收非洲、 波利尼西亚和中、 南美洲的原始艺术表现手段， 以横扫千军的笔力和大胆的构图模式， 将朱红、 翠绿、 天蓝和嫩黄等惊人的不和谐颜色糅合起来， 使色彩达到一种新的烈度。

野兽派将梵高和高更的画法更推向极端， 用生硬的线条和大胆的色彩表达自己强烈的感受， 颜色变成画面的主题， 不再讲究透视和明暗关系。

野兽派并不是一个正式的画家组织派别， 只是一批有同样试验的年轻画家，但野兽派的寿命不长， 其他画家有许多放弃了这种画法， 但亨利·马蒂斯一直坚持， 他活了 85 岁， 将野兽派的画法延续了下来。

他偏爱用二维平涂的方法作画，但由于微妙地运用色彩高光， 不管怎样平涂， 还是表现出三维的效果来。

他的画受到塞尚很大的影响， 对于他来说， 主题物体是次要的， 线条、 色彩和形状都游离到主题之外， 这种过度简化的形式使他将他的感受可以表达为一个宁静而超然的形式世界。

4、 表现主义

表现主义， 是指艺术中强调表现艺术家的主观感情和自我感受，而导致对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的一种思潮， 用以发泄内心的苦闷，认为主观是唯一真实， 否定现实世界的客观性， 反对艺术的目的性。

它是 20 世纪初期绘画领域中特别流行于北欧诸国的艺术潮流， 是社会文化危机和精神混乱的反映， 在社会动荡的时代表现尤为突出和强烈。

在北欧各国的传统艺术中早就存在着表现主义的因素： 在早期日耳曼人的蛮族艺术、 中世纪的哥特艺术、 文艺复兴中的鲍茨、 勃鲁盖尔等画家的作品中都可以看到变形夸张的形象、 荒诞的画面艺术效果， 这些都表露出强烈的表现主义倾向。

1 9 世纪末， 出现了象征主义的影响和现代风格混在一起的第一个表现主义运动， 先驱代表画家是荷兰人凡·高、 法国人劳特累克、 奥地利人克里姆特、 瑞士人霍德勒和挪威人蒙克， 他们通过一些情爱的和悲剧性的题材表现出自己的主观主义。

20 世纪表现主义的主要基地是德国， 这决定于德国的社会现实， 同时受到尼采的主观唯心主义哲学、弗洛伊德的精神分析学说和斯泰纳的神秘主义的影响。

5、未来派

未来派， 是由意大利诗人菲利波·托马索·马里奈缔（Filippo Tomasso Marinetti)作为一个运动而提出和组织的。 他在 1 909 年整个一年中， 向全世界发表了一个宣言， 这个宣言以浮夸的文辞宣告过去艺术（过去派） 的终点和未来艺术（未来派） 的诞生。

他聚集了一群诗人和画家在他周围， 其中重要人物有乌姆伯托·波丘尼（Umberto Boccioni,1 882-1 91 6)、 卡洛·卡腊（Carlo Cara,1 881 年生） 和吉诺·塞弗里尼（Gino Severini,1 883 年生） 。

波丘尼写了一篇“未来派画家的宣言”， 于 1 91 0 年 2 月 1 1 日发表， 并于 3 月 3 日向都灵的查雷拉戏院的广大观众公开宣布。 同年 4 月 1 1 日发表未来派“绘画技巧宣言”。 随后又接二连三的出现一些论证和宣言。

1 91 2 年， 这个集团于巴黎举办了他们的作品展览会（随后移至伦敦和柏林展出） ， 1 91 4 年， 波丘尼出版了一本书， 将他们的观点做最后一次说明——形式上和事实上都是最后一次， 因为同年爆发的世界大战， 使这个集团解散了。

波丘尼， 这个运动的推动者， 在 1 91 6 年逐渐恢复伤势时却意外的被杀害了。 因此这个集团没有再组织起来。

塞弗里尼有一段时期转向了立体派， 卡腊受到了契里科（Chirico） 的形而上学的绘画的影响， 巴拉终于又回到了学院派的现实主义， 鲁索洛本来就是未来派音乐的作曲家 （以“骚捞主义”（Bruitism） 的音乐见称） ， 显然对绘画没有兴趣。

代表人物有： 巴拉(Giacomo Balla,1 871 -1 958)、 薄邱尼(Umberto Boccioni,1 882-1 91 6)、 塞佛里尼(Gino Severini,1 883-1 966)等。

6、新造型主义

报纸上一格一格的版面，纽约一栋一栋的方形超高大楼，影响这一切风格的就是接下来要介绍的"新造型主义"(Neo-Plasticism)。新造型主义出现在超现实主义及达达派之后的 1 920 年的荷兰。

当时的蒙德利安(Piet Mondrian)提倡一个进一步的抽象主义,后来就称为"新造型主义"，新造型主义是沿续达达派的抽象艺术。新造型主义的画家放弃一切有形象的造型，企图以水平线与垂直线及单纯色调的正方形与长方形的配置来构成画面。

新造型主义的绘画看起来呆板，,其实那些大大小小的方格及不同颜色长短不同的线条所产生的和谐和韵律,是极具音乐性的。

新造型主义的主要画家有: 新造型主义的掌门人 蒙德利安(Piet Mondrian)

7、超现实主义画派

1 924 年产生于法国。 由法国作家 Andre Breton (布列顿)发起。 在巴黎先后发表两次《超现实主义宣言》 ， 形成了超现实主义画派。认为“下意识的领域”， 如梦境、 幻觉、 本能等是创作的源泉， 主张从潜意识的思想实际中求得“超现实”。

作品主要描写潜意识领域的矛盾现象， 把生与死、 过去与未来、 真实与幻觉统一起来， 具有恐怖、 离奇、 怪诞的特点。 代表人物有米罗·恩斯特等。

超现实主义绘画的意义和表现手法

超现实主义绘画“反常合道”的特点 在超现实主义绘画中， 画家们开始探索自己非理性的一面， 以找到新的创作自由。 虽然超现实主义绘画作品情景奇异怪诞， 与现实格格不入， 体现了“反常”的特征，给人以灵验、 虚无的感觉。

超现实主义绘画显示出不同于以往的最能体现绘画本质的语言特征和艺术技巧。

这种创作方法是对以往以理性、 现实为特征的现实主义绘画的反动， 目的在于对真实的深层次探索和表现。

超现实主义绘画多半依靠具象表现形式与抽象画面情景的巧妙嵌合， 即有意将抽象意境与具象实体搭配， 构成一种既具体又模糊的虚实相交的境界， 从而给读者提供了追寻艺术家个体感受的信息。

这与中国古人强调“超以象外， 得其圜中”的境界吻合， 超现实主义绘画的艺术效果就在于抽象与具象的适当调配， 在这两者之间取得恰到妙处的平衡。 在“虚”与“实”的处理中， “虚”的部分更是艺术家想象力飞翔驰骋之处， 即是绘画的超现实性。

超现实主义绘画代表画家及作品

西班牙画家达利（1 904—1 989） ， 是 20 世纪最负盛名的画家之一。 他利用反向思维， 自由拼合想象的画面， 通过对以往经验的倒置和回放， 构建出一个意象新奇、 陌生化的超现实主义场景。

其代表作《记忆的永恒》 创作于 1 931 年， 典型地体现了他早期的超现实主义画风。 画面展现的是一片空旷的海滩， 海滩上躺着一只似马非马的怪物， 它的前部又像是一个只有眼睫毛、 鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部。

怪物的一旁有一个平台， 平台上长着一棵枯死的树； 最令人惊奇的是出现在这幅画中的几只钟表都变成了柔软的有延展性的物体， 或挂在树枝上， 或搭在平台上， 或披在怪物的背上。

好像这些用金属、 玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了， 于是都松垮下来。

那种对时间疯狂流逝的独特表现手法， 暗示了个人情感在物质世界挤压之下迸发出的无法回避的力量。

《记忆的永恒》 是 20 世纪具有典型意义的视觉形象之一。 达利承认自己在《记忆的永恒》 这幅画中表现了一种“弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉”， 是自己不加选择的。 他尽可能精确地记下自己的潜意识， 以及自己梦中每一个意念的结果。

20世纪现代艺术流派

20世纪上半叶主要现代艺术流派（野兽派、立体派、未来派、表现派、达达派、抽象派）

野兽派代表人物：

马蒂斯代表作：舞蹈，红色和谐，带帽女人

立体派代表人物：

毕卡索代表作：亚维农姑娘，格尔尼卡

未来派代表人物：

巴拉，意大利的画家。代表作：水星在太阳前

面经过，被拴住狗的动态，在阳台奔跑的女孩

表现派代表人物：

蒙克代表作：生命之舞，圣母玛利亚，呐喊

达达派代表人物：

杜尚，代表作：下楼梯的裸女，泉，L.H.O.O.Q

抽象派代表人物：

康定斯基，代表作：乐曲，即兴曲，构图2号；

蒙德里安，代表作油画第一号，百老汇爵士乐，灰色的树

波普艺术代表人物：

安迪．沃霍尔，代表作：玛丽莲．梦露，寻找失落的鞋

欧普艺术代表人物：

瓦萨雷里、凯利、雷黎、斯特拉等。

偶发艺术代表：

戴恩、尔登伯格、劳森伯格、利希滕斯坦、R奥

格鲁姆斯、惠特曼、乔治

行为艺术代表：

科拉因、约瑟夫·波伊尔

观念艺术代表：

杜尚、罗伯特．劳申伯格

大地艺术代表：

克里斯托、沃尔特．德玛利亚，米歇尔．海泽、丹尼斯．奥本海姆、罗伯特·史密逊和理查德·朗

超级写实艺术代表：

莱斯利、克洛斯（绘画）、安德烈、汉森（雕塑）

『捌』 韩孟诗派的诗歌创作有什么特色

主张“不平则鸣来”，苦吟以自抒愤，并互相切磋酬唱他们具有变态的审美趣味，“以丑为美”，以震荡光怪为美，以瘁索枯槁为美，以五彩斑斓为美。表现出重主观心理、尚奇险怪异的创作倾向。

诗歌形成一种奇崛硬险的风格。他们在艺术上力求避熟就生，标新立异，力矫大历诗风的平弱纤巧。这种诗歌的新的追求与新的变化，积极推动了盛唐以后诗歌艺术境界的开拓。

现的往往是自己心灵的历程，他们常把现实生活中的感受，与自己虚构的世界融合在一起，其诗想像离奇怪诞，往往使人感到虚实不定，跳跃怪奇，不可确解。韩孟诗派的成员在语言方面也有大的变革，他们力求“陈言之务去”。

(8)艺术创造派扩展阅读：

突破了过于重视人伦道德和温柔敦厚的传统诗教，由重诗的社会功能转向重诗的抒情特质，转向重创作主体内心的展露和艺术创造力的发挥，这在诗歌理论史上是一个值得重视的现象。在反对传统、锐意创新的路子上，韩愈做出了突出的贡献，也取得了应有的成就。

他以宏大的胆气驾驭诗篇，赋予诗歌以前所未有的力度和超现实色彩；他雕镂词句，尚险求奇，营造出大量他所独有的险怪意象；他以文入诗、以议论入诗，开一代诗风，这些无不展示出他在中唐诗坛所具有的独特地位。

『玖』 艺术家分为那几派文学绘画等

西方画派主要有：佛罗伦萨画派、威尼斯画派、尼德兰画派、荷兰画派、佛兰德斯画派、学院派、古典主义画派、浪漫主义画派、巴比松画派、拉斐尔前派、桥派、欧尔飞派、巴黎派、达达派、形而上画派、抽象表现派、移动派、野兽派、超现实主义。下面就将这十九个画派进行分别介绍。
佛罗伦萨画派
意大利文艺复兴时期的第一个重要画派。早期代表画家有乔托（约1267～1337）、马萨丘（1401～1428）、乌且罗（1394～1475）等。盛期代表画家有达·芬奇（1452～1519）、米开朗基罗（1475～1564）、拉斐尔（1483～1520）。自14世纪起，意大利文艺复兴运动首先从当时经济和文化中心的佛罗伦萨开始。这一画派，在绘画艺术方面，以人文主义思想为主导，改变中世纪绘画平面装饰的风格，继承古希腊、古罗马的雕塑艺术的传统，运用科学方法认识造型规律，形成以集中透视来表现的、具有明暗效果和三度空间感的绘画技法。题材虽多为宗教神话故事，但已用以表达新兴资产阶级的理想和愿望。除油画外，多创作大幅湿壁画。16世纪下半叶后，随着佛罗伦萨的经济衰落、政治反动的趋势，绘画艺术也逐渐暗淡，画家们盲目崇拜前辈的结果，逐渐走向“风格主义”以及艺术家流落到其他城市，威尼斯、米兰、罗马等画派随之蜂起。
威尼斯画派
意大利文艺复兴盛期最有艺术特色的画派。威尼斯共和国14世纪起成为东西方贸易中心，经济、文化日益繁荣，给绘画艺术带来了新起色。原受拜占庭影响，15世纪吸收了以乔托、达·芬奇、拉斐尔、米开的基罗等大师为代表的佛罗伦萨画派的经验，走上新的发展道路。该画派代表画家有乔尔乔涅（1477～1510）、提香（约1490～1576）、委罗内塞（1528～1588）等。他们于15世纪由维发利尼家族和伯利尼家族奠定基础，至16世纪成为欧洲油画创作中心，是其鼎盛时期。作品描绘豪华生活，歌颂人间幸福，充满乐天、欢快、狂热的情调，即使宗教题材也被世俗化，渗透着人文主义精神；构图新颖，色彩绚烂，形式优美，具有浓厚的装饰味，这就是意大利文艺复兴鼎盛时期威尼斯画派的特色。
尼德兰画派
文艺复兴时期欧洲北部尼德兰地区的绘画流派。尼德兰（相当于现在的比利时、荷兰、卢森堡和法国东北的一部分地区）在中世纪时，由于自由城市的建立及经济逐渐繁荣，至15世纪尼德兰美术得到了新的发展。在人文主义思想影响下，反映现实生活、描绘客观对象，形成了独立的学派，创造了表现人民日常生活的风俗画和写实的风景画，并改进了油画技法。代表作者有雕刻家斯柳特尔，建筑家、雕刻家德·富里安特（1414～1575），画家凡·艾克兄弟等。1579年荷兰独立后，尼德兰美术发展为北方的荷兰美术和南方的佛兰德尔美术两种不同的倾向，前者以林布兰特为代表，后者以鲁本斯为代表。
荷兰画派
17世纪荷兰民族绘画流派。荷兰原为尼德兰的北部，经过民族斗争，摆脱了西班牙封建专制和天主教会的控制，于1579年独立，成立了欧洲第一个资产阶级共和国，使本国的经济和科学文化获得迅速的发展。绘画艺术的服务方向，从过去主要为宫廷贵族和教会转向为新兴资产阶级和一般市民阶层服务，绘画作为商品大量涌向市场，用来布置家庭的小型、精致的油画普遍地发展起来，题材、风格等也有了显著的变化。风景画、风俗画、静物画、动物画开始真正作为独立的艺术样式流行，并取得突出的成就；肖像画也十分发达，技术精湛，富有美感。他们的代表画家有佛朗斯·哈尔斯（约1580～1666），伦勃朗（1607～1669），鲁伊斯代尔（1628或1629～1682），维米尔（1632～1675），霍贝玛（1638～1709）等。以伦勃朗成就最大。荷兰画派不同于当时其他国家、地区盛行的豪华、艳丽的艺术倾向，而是充满着现实生活中的风土人情，以风格朴素、亲切著称，反映了新兴资产阶级的风尚和情调，这是荷绘画流派的民族特色。
佛兰德斯画派
17世纪佛兰德斯民族绘画流派。佛兰德斯在今比利时、法国一带地区，原与荷兰统称尼德兰，属西班牙领地。荷兰经过民族斗争，于1579年独立，成为欧洲资产阶级共和国之一。它的艺术充满着新的活力，反映新兴资产阶级的风尚和情调，以及市民日常生活；而佛兰德斯却仍然受异族统治，绘画继续保持适应封建贵族和天主教会的需要，艺术表现为豪华、铺张、浮夸的风格。题材的内容大量是宗教和神话传说。代表画家有鲁本斯（1577～1640）、约尔丹斯（1593～1678）、凡·戴克（1599～1641）、达维特·泰尼尔（1610～1690）等。以鲁木斯成就最大。这些画家的作品具有民族气节。因为独立斗争的失败，更加激起了人民的民族意识和对自由的渴望，强烈地反映在艺术上的民主倾向和宗教题材的世俗化，这就是佛兰德斯画派所具有鲜明的民族风格。绘画的发展又带有民主性的倾向，这对欧洲美术的发展有很大影响。
学院派
又称“学院主义”。是17世纪开始，在欧洲各国官办美术学院形成的绘画流派。学院派的特点是标榜古代艺术传统，迎合官方统治者需要，多取材于宗教传说、神话故事，或创作奉承当代权贵的作品、形式死板、繁缛、浮华，艺术观陈腐、守旧。以古典传统的维护者自居，压制和排斥主张革新的流派和其他学派的艺术创造和革新。这是学院派数百年来沿袭下来的历史记实。学院派初创于15、16世纪的意大利，原系画家协会性质，17世纪上半叶法国始设官方学院，有一整套艺术观点、方法和数学的严密体系，并对此后其他国家创建的学院产生影响。但是随着社会发展，各种社会思潮的出现，不断地影响学院，其内部艺术思想和风格也时有变化。今日官方学院亦聘请抽象艺术名流，已与旧时不同。学院派的代表画家有法国的勒布朗、席罗姆、布拉柔，及俄国的勃鲁尼等。
古典主义画派
在18世纪中叶西欧兴起的绘画流派。主要在法国。其代表画家有两位，前期以路易·大卫（1748～1825）为代表。他的作品一般从古代神话传说中选取严峻的题材，借古希腊、古罗马的英雄主义，迸发现实斗争激情，这与法国资产阶级大革命紧密联系，被称为“革命的古典主义”。后期以安格尔（1780～1867）为代表，追求纯艺术，为宫廷服务，变成因循守旧的官方学院派艺术的准则，被称为“古典主义学院派”。虽然仍崇尚古典题材，但已失去了积极的意义。目的是为了回避现实，正好与现实主义绘画观相异，但严谨的画风对后世现实主义绘画派产生一定影响。古典主义画派在艺术形式上强调塑造性和完整性，严格按照古代艺术规范进行创作，重视理性而忽视感情，重视素描而忽视色彩。这就是古典主义画派特色。他们重视形式的统一与调和，表现明确，轮廓明晰，以理智的、调和的画法为理想。
浪漫主义画派
继古典主义之后，19世纪初叶在法国兴起的绘画流派。当时的法国人民受启蒙主义思想影响，对现实不满，而又充满幻想和希望。要求“自由、平等、博爱”。浪漫主义画派即在这样的社会背景下产生，并在1830年法国七月革命时达到了顶峰。这个画派在艺术上、哲学上的倾向，主张尊重个性，追求自由，注重想象。曾一度成为欧洲占主导地位的艺术思潮。这时有许多资产阶级艺术家一方面在政治上反对封建制度，在艺术上反对束缚创作发展的桎梏—古典主义和学院派；另一方面又对资产阶革命成功后的现实感到失望。故浪漫主义运动随着1830年革命的而渐趋衰落。法国的浪漫主义画派在艺术上打破古典主义和学院派呆板、虚伪的画风，注重个性表现和革新创造。题材多从现实生活和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德的作品）中选择惊人事件，有一定的进步性。运用想像和夸张手法，从构图动荡变化、色彩丰富、色调饱满等多方面着手，充满激越的情感。这种浪漫主义的画风色彩，虽活动时间不长，但对西方近代绘画产生深远的影响。籍里柯（1791～1824）、德拉克洛瓦（1798～1863）等是此派的代表画家。他们的作品，笔触奔放，色彩强烈，画面富有运动感。
巴比松画派
19世纪法国风景画派。巴比松是巴黎近郊一个小村，紧挨着风景优美的枫丹白露森林。19世纪30年代后，对现实不满的画家，常到这里小住或定居下来写生作画，以描绘自然风光来寄托民族情感和自由理想的风景画家，被命名为“巴比松画派”。该派主张走出画室，到大自然中去直接写生，描绘真实、动人的自然风光。他们创作了许多出色地表现法国绮丽多彩的景色、赞美人民平凡生活的现实主义作品，以新的精神作为法国印象派风景画的先导。该画派还博取荷兰、英国风景画之长，植根于法兰西本土，开辟法国民族风景画的道路。代表画家有罗梭（1812～1867）、迪亚兹（1808～1876）、杜普莱（1812～1889）、杜比尼（1817～1878）、特洛杨（1810～1865）等。
拉斐尔前派
19世纪中叶产生于英国的一个画派。1848年英国画家罗塞蒂·米莱司、亨特等为中心而兴起的美术运动，是反抗当时学院派艺术的革新运动。因认为真正（宗教）艺术存在于拉斐尔之前，企图发扬拉斐尔以前的艺术来挽救英国绘画而得名。并得到艺术批评家罗斯金的支持。它主张绘画应起宗教道德教育作用，题材应以圣经故事及富于基督教思想的文学作品为主，忠实地反映主题，描绘对象。代表画家有罗塞蒂（1828～1882）、亨特（1827～1910）、密莱斯（1829～1896）等。随后还出现了进一步把艺术变成理想的说教的“新拉斐尔前派”。代表画家有布·琼斯（1833～1898）、莫里斯（1834～1896）、克莱因（1845～1915）。这一画派的画风审慎而细致，用色较清新，反对学院派的陈规。这一艺术的革新运动，至19世纪末叶消失。
桥派
20世纪初德国表现派的一个组织。1905年在德勒斯登组成，创立者基尔比纳（ErnstLrdwigKirchner，1880～1938）、海格尔（ErichHeckel，1883）、施米特·罗特夫（KariSchmidt-Rottiuff，1884～）等。他们都是德勒斯登工业大学建筑科学生，因热心绘画而聚合在一起，年少气锐反对当时受印象主义影响的分离派，受到民间艺术、原始艺术的启发，并受梵谷、孟克画风的影响。他们强调绘画必须表现画家内在的自我，有些作品带有象征主义倾向。1906年邀请诺尔德、佩比修坦因（MaxPechstein1881～1955）加入为会员。1908年梵邓肯加入。桥派活动至1913年，因彼此不和而解散。但是，这个运动却成为表现主义的端绪，感动年轻一代的画家。
欧尔飞派
由希腊神话中的音乐名手欧尔飞（Onpheus）之名而来，立体派的指导者诗人阿波里内尔，对德洛涅在1911年开始的新画风，而称为“立体主义的欧尔飞”。德洛涅原是立体派的一个分派“SectionDOr”，画风脱离说明式的形象，进入纯粹的立体主义方向，而企求凭想像与本能去创作，以抽象的形与色，组成律动感，在音乐的韵律与构成中，表现速度感与运动现象，等于结合立体派与未来派的一些要素。此派的代表者有：德洛涅、毕卡匹亚、克普卡等。
巴黎派
泛指第一次世界大战后活跃在巴黎的一群国际画家。如意大利画家莫迪利亚尼（AmedeoModigliani）、荷兰画家梵·邓肯（CorneliusVanDongen）、俄国画家史丁（ChaimeSoutine）、波兰画家基斯林格（MoiseKisling）、保加利亚画家巴斯金（JnlesPascin）、夏卡尔（MarcChagall）及日本画家藤田嗣治。20世纪初叶到第二次大战前，法国绘画的发展与这群外国画家有很大关连。他们活动于巴黎画坛，每个人的艺术体质仍潜流着地域传统、并富有个性与情感，画风独树一格。
达达派
1920年代欧洲各大都市兴起的绘画、雕刻和文学上的反抗运动。“达达”一词的由来，原是札拉（TristanTzara）、巴尔（HugoBail）与希森白克（RichardHiilsenbeck）在法语词偶尔发现dada一词，他们即以此语作为反抗既成艺术运动的称呼。1916年5月他们在自己发行的达达派杂志上首用此语。此派的兴起是由于第一次世界大战，一般人对人类希望的幻灭、产生虚无主义的哲学思想的背景下。达达派是对艺术传统中所认为神圣的东西的一种抗议，它愤世嫉俗，对一切传统价值都加以贬抑。此派的作品可说是幻想的、象征的、嘲讽的，也是无定形的构成，采用一些艺术家普遍都不使用的材料。达达派先出现在瑞士的苏黎世，后来发展到德国和法国，一直到1924年导致超现实主义的产生。代表人物除上述几人外，尚有杜象、阿尔普、曼雷伊、艾伦斯特、修维达士、李比达等。60年代美国又出现了艺术趋向一新达达主义。杜象指出新达达主义是达达主义的死灰复燃，因为此派艺术家采用大量的日常生活中的通俗物品来构成艺术品，将达达主义的观念更推向极致。
形而上画派
意大利近代绘画的一支流派。基里诃（GiorgiodeChirico1888～1978）是此画派的开创者。他说：“真正的艺术，应该是更完整、更深奥而复杂的，换言之，就是形而上学的艺术。”此即形而上绘画名称的由来。基里诃在1915年从巴黎回到意大利后，开始作画，他爱好以人体模型、器具、几何体组合成的画面，追求形而上形态的特质，描绘谜样的孤独空间，在作品中牵引着梦幻与现实的观念。形而上绘画流行的时间，虽然只有短短的4、5年（1915～1920），但它确实是与超现实主义有着关连，甚至有人说形而上绘画是超现实主义的雏型。除了基里诃外，莫朗迪（GiorgioMorandi1890～1964）也是代表画家。
抽象表现派
亦称“纽约画派”。（AbstractExpressionism）。从20世纪40年代纽约的抽象画派运动发展而来，独立于欧洲画派之外，具有影响力的第一个美国画派。亦称“纽约画派”（TheNewYorkSchool）或“行动画派”（ActionPainting）。抽象表现一词，原是德国批评家霍洛吉（OswaldHerog），在1919年时用来称呼康丁斯基1910年代所作的主观表现绘画。到1944年，美国批评家詹尼士（SidneyJamis），首次以“抽象表现主义”称呼第二次世界大战中和战后所崛起的一群美国年轻的抽象画家。这群画家包括：帕洛克（JacbsonPollock1912～1956）、杜库宁（WillemdeKooning1904～）、高尔基（ArshileGorky1904～1948）、马查威尔（RobertMatherwell1915～）、葛特莱布（AdoiphGottlieb）、罗斯柯（MarkRothko1903～1970）、克莱因（FranzKline1911～1962）等人。后来，他们都成为抽象表现派代表画家。美国批评家哈罗德·罗塞堡（HaoldRosenberg）认为这群美国画家的创作，只是行动的结果，所以他把这种绘画命名为“行动绘画”。又因为他们都以纽约为活动的据点，而且在精神上也有共通的特点，因此又称为“纽约画派”。此派绘画特点是使用巨大的画布，画面的任何部分都被认为同等重要，即构图是没有中心的满篇幅；以线条、痕迹、斑点为符号去表现作者主观的意识，展示出笔触和质感，以及强烈的动作效果；利用作画过程中的偶发事故，表现作者和作品间直接和意想不到的关系。这种注重内在心理表现的抽象艺术，促成美国现代绘画第一次获得世界绘画领导权。
移动派
译“巡回展览画派”。19世纪末至20世纪初期，俄国一批现实主义画家组成的艺术团体，以在俄国各大城市进行美术展览活动而著名。认为写实绘画要关注社会问题。他们在别林斯基、车尔尼雪夫斯基等革命民主主义美学观点指导下进行创作。有些作品在一定程度上揭露农权制度的残余及反映俄国人民的生活。创始人和领导是克拉姆斯柯依和彼罗夫，代表画家还有列宾、苏里科夫等。他们的作品对我国绘画的发展有很大影响。
野兽派
也称作“野兽主义”，法国现代画派之一。20世纪初叶法国兴起的绘画运动。1905年马蒂斯等青年画家参加“秋季沙龙”，批评家沃克塞尔指着被这群青年画家作品包围的雕刻家马尔克所作的一件近于杜纳得勒风格的学院派雕刻《小孩头像》带讥讽的口吻说：“看！一群野兽里的杜纳得勒。”这句“野兽”的称呼，便被一般人用来称呼这群青年画家。野兽派的历史很短，1907即已达到顶点。他们强调绘画要表现主观感受，多用大色块和线条构成夸张变形的形象，以求得单纯化的装饰效果。此派的名称后改为“巴黎画派。”其画风和技法因人也各不相同。代表画家有杜菲、马蒂斯、德朗、卢奥、马尔肯、凡邓肯、甫拉曼克等。
超现实主义
1924～1929年法国作家布鲁东（Breton）在巴黎先后发表两次“超现实主义者宣言”，之后产生了超现实主义画派，曾在伦敦、巴黎举行画展。此派从主观唯心主义出发受到精神分析学影响，认为“下意认的领域”，包括梦境、幻觉、本能是创作的源泉，否定文艺艺术反映现实生活的基本规律，反对美术上的一切传统观念。表现在艺术上则是潜意识中的世界，将生与死、过去与未来、真实和幻觉等在所谓“绝对的现实”的探索中统一起来，完全违反正常的思维规律。代表画家有米罗、达利、马松、艾伦斯特等。后来从绘画、文学上的运动，影响到戏剧、摄影、电影、建筑、雕刻和商业美术。
在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画搀杂太多的“非艺术的杂质”。实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。传统绘画在艺术上的这种不纯粹性，主要表现在功利性和描述性等方面。西方传统画与现代绘画差异，还反映在对于所谓再现的不同态度上。对于传统绘画来说，再现是其根本所在，也可以说是西方传统绘画的基本目标。虽然相对于现代绘画而言，西方传统绘画以“再现性”为其主要特征，但是这种再现绝非对自然一成不变的描摹，这种写实带有浓厚的风格特色：时代的、民族的，以及艺术家个人的风格特色。