奥尔夫创造了

⑴ 达尔克罗滋音乐教学法对我国学前儿童音乐教学有何启示

近几十年来,随着世界各国音乐教育事业的蓬勃发展,传统的音乐教学方法已不能适应音乐教育发展的要求,一些音乐教育家和学者,经过长期的研究和实践,总结和创造了许多教学方法,这些方法中有很多先进之处,对我国音乐教育事业的发展有着很重要的借鉴意义。
一、几种国外优秀音乐教学法
(一) 科尔曼的儿童创造性音乐教学实验
萨蒂丝·科尔曼(Satis Coleman) 是美国20世纪初具有影响力的儿童音乐教育家。科尔曼1918 年在美国哥伦比亚大学教育学院林肯学校进行的“儿童创造性音乐教学”实验,突破传统的儿童音乐教育模式,创造性地进行了适合儿童音乐发展的教学实践。她强调知识是由个体在自然发展过程中通过个体经验而获得的。实验的着眼点不在于理性的传授知识和技能,而在于自然的直接地诉诸于感性,在感性的直接带动下,在制作乐器及奏乐的具体过程中,学会知识,掌握技能。她强调注重儿童的音乐经验和音乐教学中的美感教育,推崇儿童主动学习音乐和给予儿童自由表现的机会,强调即兴创作和培养儿童的创造力。
(二) 达尔克洛斯的体态律动学
埃米尔·雅各·达尔克洛斯是瑞士音乐教育家。他一生从事音乐教育事业,建立了一整套音乐教育体系。其中最有成效的一部分,已形成了有独特名称的科学体系———“体态律动学”,与视唱练耳并重,在世界有广泛的影响。他认为:“学习音乐不仅要学习用听觉去感受音乐,同时必须要用整个肌体和心灵去感受音乐,只有身心两方面都真正投入到音乐之后,内心对音乐的感受,理解才可能是精确的、生动的。” 体态律动的主要目的是训练学生如何有效地利用听觉去感受及理解音乐,并根据音乐的速度、节奏、力度、分句、情绪等变化,将整个身体当作乐器,有控制地做出各种幅度和力度的动作,重新表达出他所听到的乐曲,这样创造出来的协调而合乎节奏的动作,既培养了儿童的节奏感,又有助于他对音乐的全面的感受,同时也加强了学生表演的自信心。达尔克洛斯以身体的动作再现音乐的教学方法,使学生直接产生对音乐的体验。这对培养学生灵敏的听觉反应、丰富的乐感、强烈的创作欲望和表现力是卓有成效的。同时这种教学方法更加活跃了课堂气氛。
深入研究达尔克洛斯的教学思想和方法,就会发现,他创造的体态律动意义十分深远、重大。在著名的奥尔夫教育思想体系及柯达伊等人的教学法中,这种以身体为乐器,以动作表现、领会音乐的方法,继续得到应用和发展。
(三) 奥尔夫原本性教育思想
奥尔夫音乐教育体系的核心思想是原本性,也是这个体系最突出的特点。“原本”意即“属于基本元素、原本素材的、原始起点的、适合于开端的” 。奥尔夫以博大的胸怀站在人类学的基础上,以事物与人原本的自然性和人对自由意志的渴望并通过原本音乐思维和行为达到了情感的释放,从而使他的这种教育理念带上了人性与博爱的光环,并且直接或间接地影响了东西方音乐教育观念的改变。奥尔夫原本性思想的确立是对欧洲中心论传统音乐评价的革命。即兴是奥尔夫教学法的核心部分。奥尔夫称此为他的“音乐教学方式”的独特之处,他倡导不管是少年、成年、老年人都可以在艺术活动的即兴中放纵自己,进入一种自我控制的思维之中,不用任何教师的语言和行为来规定和要求你去怎样做,全部依靠参与即兴的人去自然地流露喜怒哀乐,这种即兴的表现方式,最根本的目的是为了“解放人性”。在即兴的艺术活动中,没有等级划分,没有身份标志,没有年龄限制,没有技术水平的桎梏。奥尔夫认为:“从即兴开始的教育才是真正体现创造性的教学,即兴———是对一个人的一切禁锢的放纵。” 奥尔夫的这些观点是以最大的限度去开放人的能量,充分创造机会让原本音乐人性发挥作用,鲜明地突出了具有创造性的思维。奥尔夫以人为本在他的音乐教育体系中极力反对“音乐教育系统的理性主义化”,并强调教学活动的创造性、灵活性、有效性,极力主张每个国家、民族、地区的教育都可以根据本国、本地区的特点和对奥尔夫音乐教育体系的见解,按照其原则和精神进行有个性、有创意的教学,只有进行有个性、有创意的教学才能培养出具有个性和创新能力的学生。
(四) 柯达伊音乐教育思想及教学法
柯达伊·佐尔丹,是匈牙利著名的作曲家和音乐教育家,学校音乐教育首先要牢固地建立在民间音乐基础上,这是柯达伊教育思想的重要原则之一。柯达伊认为,每个民族都有大量的、特别适合用于教学的民间歌曲,如果选择得好,并且通过这些歌曲有目的地安排各种音乐要素的学习,民间歌曲将会成为最适合的教材,因为它们具有短小的形式,它们是历史文化中久经锤炼的优秀典范。如果我们想要了解其他民族,首先必须要懂得我们自己,通过民间音乐达到对一个民族的了解是最好的办法。学习民间音乐的最终目的是引导、促使学生们懂得热爱这些最优秀的作品的过去、现在和将来 。
从以上的国外音乐教育体系来看,他们都具有“自然发展法”教育理论的共同特点,他们从儿童青少年“好玩、好动”的心理特点出发,结合学生已有的生活经验,从节奏入手,通过语言、动作、舞蹈、表演、音乐游戏等方式训练学生的音乐节奏感,引导学生用自己的身体动作、表演、游戏、画图画等形式去解释、再现音乐,这些方法好就好在以极其自然、巧妙的方式将学生引进了音乐的宫殿,激发了学生学习音乐的浓厚兴趣。这些做法较之传统的以强制的手段,用灌输式、填鸭式教授学生唱歌,强迫学生死记硬背乐理知识,扼杀、窒息学生音乐兴趣和才能的方法,有本质的不同 。
二、对我国音乐教育的启示
目前,我国的音乐教育中还存在许多弊端,应当吸取国外优秀音乐教育思想及教学法,结合我国实际情况,探索出适合我国的音乐教学法。
(一) 彻底更新教育思想,转变传统的教学观念
传统的音乐教育观念根深蒂固,一些教师把音乐基础知识和基本技能技巧的学习和训练作为音乐教育的重点,使学生失去了兴趣。在音乐教学中较多地保留了过去那种师徒式的师生关系模式,过分强调教师的权威,无形中扼杀了儿童的创造性,阻碍了儿童主动地学习音乐。传统的音乐知识观认为教学就是用音乐知识去填满大脑,音乐学习就是获取音乐知识。在这种观念的影响下,教师灌输式教学,强调对音乐知识的记忆,结果学生只会死记硬背,缺乏创造力。事实上,音乐是艺术,不是机器,音乐是文化,不是技术,儿童通过学唱歌、乐器演奏、音乐欣赏等活动,逐步提高欣赏美、表现美、创造美的能力,使他们接受审美教育的熏陶。所以,应当转变“以技艺训练为中心”的观念,树立以“音乐审美为中心”的观念。转变“教师本位”观念,树立“以儿童为主体”的观念,转变“以知识学习为重点”,树立“培养创新精神和创新能力”的观念。还有一点不得不提,我们必须明确,音乐是专业,不是职业。学习音乐有利于儿童整体素质的发展和提高这是毋庸质疑的事实,但若片面地认为只有学习音乐才能提高孩子的个性素质,甚至过早地将音乐定为孩子将来的谋生手段,把音乐当作职业,这不但不能使孩子得到全面发展,反而会走向反面,弄巧成拙。
(二) 创新音乐教学内容
现在很多国家重视音乐教材内容,许多音乐教育家都强调学校音乐教材的音乐作品。音乐教育家柯达伊认为只有真正的儿童游戏和儿歌、真正的民歌或优秀创作歌曲才能选为音乐教材 。而我们国家幼儿园、小学、中学、师范学院等教学大纲的衔接性、整体性差,教材更换频繁、内容杂乱,印刷错误数不胜数,并且大部分教材缺乏创新性和针对性。例如,很多儿童音乐教材内容脱离儿童生活现实和社会现实,儿童在学习时缺乏兴趣,自然就起不到很好的效果;还有,许多器乐业余考级教材千篇一律,几年不变,每一级别可供选择的曲目又寥寥无几;再比如,在农村,由于许多客观原因(师资、教学环境、教学设施等) ,许多教材无法开展。所以,要根据不同的教学对象制订一套最科学的、最系统的、最合理的、最优秀的音乐教材。教材应该符合不同对象的身心发展、生活实际以及时代特点。
(三) 改善音乐教学方法
在前文转变教学观念中已经提到在我国音乐教学当中存在教师绝对权威的现象,为避免再走老路,教师应该适当改变教学方法;注重学生的音乐经验,推崇学生主动学习音乐,引导学生去自发地体验音乐,加强学生即兴创造的能力;因材施教,针对好动的特点,音乐教学要注意律动性。音乐教学是在动态中进行的,它以起伏的旋律、鲜明
的节奏、强弱有序的力度、缓急相错的速度以及各种不同的感情变换激起儿童形体动作的反应,使儿童自然地动起来。针对好玩的特点,音乐教学要重视情趣性,需要形式生动、活泼,深受儿童喜爱。如果不重视这一特点,儿童可能会厌恶音乐,这将是音乐教育的悲哀,也是孩子一生的不幸。针对好奇的特点,音乐教学要提倡探索性,不断地向学生提供新的信息,新的刺激,以引起和激发儿童的好奇心。针对儿童的积极主动性,充分调动儿童的积极主动性,尊重学生,鼓励学生,使他们成为学习的主人,多借鉴国外的音乐教学方法,激发学生对学习音乐的浓厚兴趣。
(四) 加强音乐教师素质
要做到上述三点,除了有关的教育部门制定相应的计划外,最关键也是最需要加强的是我国音乐教师的整体素质。一个具有丰富的教学经验、专业知识和强烈的责任心的教师才有资格和能力进行音乐教学,才有能力教好学生。所以,合格的音乐教师必须是经过长期、专业、系统的音乐学习,并且有一定的经验积累。只有这样,我国整体的教师素质才会提高,师资力量才会雄厚,也只有这样,我国的音乐教学才会顺利进行,我国的音乐教育水平才会逐渐提高。
音乐教育能促进学生思想素质的提高,心理素质的提高、文化素质的提高和审美意识的提高。音乐教育是我国全面发展教育中不可缺少的组成部分,是促进儿童发展的重要手段,是对儿童实施美育的一项主要内容,也是实施素质教育的有效途径。所以,我们要吸取各国音乐教育的经验和先进之处,同时也要避免生搬硬套,在立足国情的基础上不断完善我国的音乐教育方法,逐渐形成一个科学的教学体系,推动我国的音乐教育事业迈向新的台阶!

⑵ 如何选择正确的奥尔夫 类似的问题 近几年被询问的次数越来越多

如何选择正确的“奥尔夫”
类似的问题，近几年被询问的次数越来越多。撰写此文，我的内心喜忧参半，喜的是作为奥尔夫协会的会员，至今已从事了30多年的奥尔夫教学，我伴着它在台湾和内地一起经历了从不被重视到逐步受人追捧的整个过程。作为这一教学法的传播人，我曾经辛苦地南北奔波讲学，开办国际大师研习班，到如今，看着我的很多学生们在奥尔夫音乐教育的道路上卓然有成，由衷地感到欣慰！忧的是面对大街小巷突然之间冒出的众多挂着“奥尔夫”招牌的幼儿园，音乐班，不免深感忧虑：这么多的奥尔夫音乐课开班，师资从哪里来？很多仅仅接受了几小时奥尔夫音乐培训的人，就纵身跃下海成为老师，他们是否真的能够成为一名称职的老师？究竟有多少的“货真价实”，又有多少的“挂羊头卖狗肉”？很担心有人在商业利益的诱惑下，把奥尔夫的“经”念偏了。
奥尔夫教学法提供的只是一种理念，它没有固定的教材，没有统一的课本，所以很多老师都可以说自己“懂得”奥尔夫教学，可以教“奥尔夫”，然而他实践的是“真正”的奥尔夫教学法吗？家长们很难判断。
虽然奥尔夫教学没有标准的课程设计，但它的学习方式却是有迹可循的，家长们或许可以通过对它的学习过程的了解，来判断孩子接受的是否是“真正”的奥尔夫教学法。
奥尔夫教学法的主要学习过程，如图P311所示，以“模仿”入门，经由“探索”，最后实现“创造”。“模仿”的时间要短，而“探索”、“创造”则需占用比较大量的时间。其中“创造”所占用的时间又远远超过“探索”。由此不难发现，奥尔夫音乐教育的真正目的是为了开发孩子对艺术的“自主力”与“创造力”。
为了能够让家长们明辨什么是奥尔夫教学，我以一堂手鼓游戏课为例，来谈谈奥尔夫音乐教育。
……
听了我讲述的游戏课程，相信家长朋友们已经看到了奥尔夫教学的精髓和本质所在：
（一）以感受音乐来代替“学习”音乐。
幼儿阶段是孩子探索世界最重要的时期，把音乐当成一种机械的“学习”项目，对孩子而言，太过沉重。透过音乐游戏来感受音乐的乐趣，而不是造成学习的压力，这样才能培养并维持孩子对音乐的“好感”。
（二）在“感受”音乐的具体方法上，奥尔夫选择的是“多元感官学习”。通过视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉的多元感官的交叉使用，来达到更有趣更有效的教学结果。这绝不是传统填鸭式教学、只透过单一管道学习所能达到的多元效果。
多元感官学习的观念早在二十世纪初开始即由许多西方著名的教育家如：蒙特梭利(Montessori)、布鲁纳(Bruner)、皮亚杰（Piaget）等人所提出。而音乐教育家如奥尔夫、达尔克罗兹、高大宜等人虽未提出这一名词，却早将这些观念大量地运用在其所提倡的各种著名音乐教学法中。当我在教学中以多元感官的教学取代传统的单向教学时，很快就发现它能非常有效地减少儿童在学习时的压力与困难，并在过程中发现许多过去从未有过的乐趣！表面上看似是一种“慢学式”的音乐学习方式，却可培养儿童对音乐的长期热爱，且能让其在后期的学习中厚积薄发！
现在，相信您应该能轻易地判断出何为真正的奥尔夫教学法。
如果老师授课时只单一地使用听觉或视觉，那这种方式无疑是呆板僵硬的。而这种呆板僵硬的教学模式，很容易让我们联想起刻板填鸭式的音乐教学法。有些“假奥尔夫”为了有别于传统的教学法，会刻意地放入貌似多种感官的教学，事实上，换汤不换药，本质仍然是单一感官的教学，就算加了些肢体的律动，引入了些游戏教学，也只是象征性地摆摆花架势而已，无法达到寓教于乐的目的，这样的教学，谈不上是真的奥尔夫教学。
事实上，当孩子处于依靠感觉认知世界的年龄时，你用语言、认知和符号去跟他“讲音乐”，往往收效甚微，甚至会招到抵制；相反，如果顺应了他的天性，让他去听、去感受、去想象和创造，会激发出他的无限潜能。真正的奥尔夫教学方法表面看上去好像“不知道在干什么”，甚至有点“瞎胡闹”的意味，然而它遵循的是孩子的天性。无论是认识乐器，如前所述的手鼓，或是教唱一首儿歌，它都融合了孩子的触觉（孩子可亲手操作、触摸）、视觉（孩子可观察老师或同学的表现）、听觉（孩子可制造并聆听各种声响的效果）、动觉（以身体的动作，诸如跑、跳、移位以及手、脚等身体各个部位的舞动，来表达所感应到的音乐情绪。）
虽然这种教学法无法在短期内看到成效，也无法满足家长们立竿见影的学习要求。但经过奥尔夫教学熏陶的孩子，对音乐，对人生，对感情，都有着更为细腻的理解。这样的孩子，当他学习乐器时，怎么能不“乐由心生”地深刻喜欢并享受音乐的动人之处？而当一个孩子发自内心地喜欢音乐，渴望掌握一门乐器时，他内心孕育和积蓄的这些能量是巨大无比的！
奥尔夫音乐教育让孩子从小学会了思考，习惯了创新，这不光是音乐学习所需要的，美术，体育，文化，科学哪样学习离得了创意？
……

⑶ 奥尔夫创造的作品

“军特学校”的实验由于在国内外的旅行演出和在各种国际会议上进行的教学法示范性演出受到许多教育家们的关注，有力地推动了有关音乐教育思想的发展。
1932年
一部意味音乐教育革命的作品—《奥尔夫教材——为儿童的音乐，由儿童自己动手的音乐——民歌》已准备出版，但是由于政治和历史的原因，这个出版计划搁浅了。奥尔夫决定离开音乐教育去从事专门作曲。
1937年
一部十四世纪诗集手抄本创作的音乐剧《卡尔米娜·布拉纳》实现了他的突破，四十二岁的他此前已有许多探索性的作品问世，但他称这种突破为他的“全集”的开端。
1935年至1942年
奥尔夫的三部成名作问世：《卡尔米娜·布拉纳》(1934—1937)、《月亮》(1937—1939)、《聪明的女人》（1941—1943)相继问世。奥尔夫从青年时代起就在追求的“完全戏剧”——一种通向人本的、寻找最初的、原始的、融音乐、舞蹈、戏剧为一体的那种艺术，在这三部作品中得到体现，使他在“完全戏剧”(或称整体艺术)的创作上已走向成熟，形成了真正的奥尔夫风格。这里同样体现了奥尔夫在音乐教育中所体现的那种原本性的原则和理念。
1948年到1949年
《安蒂戈尼》，这部作品综合音乐、舞蹈、戏剧为一体，而在伴奏乐队的配器上采用4架钢琴、59种打击乐器与人声的大胆结合，以体现最古老的神话——太阳神与月亮神的结合，刚与柔、健与美的天然合一。这部作品奠定了他在世界上作为大师级的作曲家的声望。 他在专业作曲上所采用的技法与他在音乐教育上一样，都是突出节奏性因素，以某种固定音型不断反复作音乐发展动力，在旋律中较少使用半音音阶和变化音，和声让位到更次要的位置，总之无论旋律、伴奏都以古朴、简洁为创作技法和表现形式。舞台布景、演员服装的象征性都是体现他原本性的“完整艺术”的理念。奥尔夫一生耕耘不息，创作了大量音乐作品和音乐戏剧，直到1973年78岁高龄时，还创作了他最后一部大作《世界末日之剧》。

⑷ 学习奥尔夫音乐的好处有哪些

学习奥尔夫音乐的好处有培养宝宝对音乐的兴趣、培养宝宝的专注力专和协调能力、属培养宝宝的听力和创造力。

3、培养宝宝的听力和创造力

0-3岁的宝宝，是听力发展的关键期，这个时期让宝宝多听各种各样的声音和节奏，有助于听力的发展。由于宝宝社会经验较少，创造力的发展还不明显。4岁的宝宝，是创造力发展的关键时期，这时如果充分运用宝宝这一时期的特点，可以开发宝宝的创造力。

⑸ 浅谈在奥尔夫音乐教学中如何培养学生的创造性能力

音乐教育是培养学生创造性发展的一个重要途径。在奥尔夫音乐教学活动中培养学生的创造性能力，教师要创设各种适合学生创造性能力发展的教学情境，培养学生敏锐的音乐感知能力，丰富学生的乐感及表现能力，挖掘学生即兴创造的潜能。通过与歌唱、动作、舞蹈、语言、游戏、表演、奏乐等直观教学方法相结合，使学生能够积极地参与音乐活动，激发创造性意识，引导学生有意识地进行创造性尝试，在“玩”的氛围中提高音乐创造能力。

⑹ 什么是“奥尔夫”教育法

奥尔夫音乐教学法的创建者奥尔夫是一位卓有成绩的德国作曲家，同时他也是一位音乐教育改革先驱。他的音乐教育体系在全世界广为流传，教材被翻译成二十多种文字。他认为传统音乐教学法舍本求末，过度强调技巧，却忽略了音乐的生命、创造和表达。奥尔夫音乐教学法是一种先进而独特的音乐教学法。它采用儿童喜闻乐见的形式如说儿歌、拍手、做游戏、讲故事、唱歌等，培养儿童的乐感，尤其是节奏感和听力，使儿童能够感受音乐带来的快乐，热爱音乐。幼儿手指小肌肉尚未发育完全，此时最需要发展的不是技巧，而是乐感的培养和对音乐的热爱。奥尔夫音乐教学法恰能满足这一需要。奥尔夫音乐教学法相对于传统的音乐教学法来说具有无可比拟的优势。主要体现在以下几个方面：
一、奥尔夫音乐教学法注重艺术教育的综合性
奥尔夫音乐教学法强调艺术教育的综合性。它把语言、律动和音乐教学相结合，通过节奏朗诵、拍手跺脚等人体乐器、音乐游戏、歌唱、舞蹈、绘画、演小剧、演奏奥尔夫乐器等多种形式，使儿童不仅兴致勃勃地参与音乐活动，而且能够综合提高语言能力、理解力和表演能力。
二、奥尔夫音乐教学法注重儿童创造精神（即兴性）的培养
奥尔夫音乐教学法鼓励儿童的创新精神。音乐活动中有大量机会让孩子即兴创作，创新求异。特制的奥尔夫乐器使儿童能迅速在乐器上表述音乐的构想，享受创作的乐趣。
三、奥尔夫音乐教学法注重本土化
奥尔夫音乐教学法强调本土化。奥尔夫的教育思想能与当地文化遗产完美结合，这也是奥尔夫音乐教学法能迅速传遍世界的重要原因之一。在进行奥尔夫音乐教学的同时使儿童继承民族的文化遗产，这样能够增强儿童的民族自尊心和自豪感。