创造亚当素描

㈠ 问一个著名的艺术品名字，忘了是雕塑还是油画，两个人物半裸手指尖触碰

p是丢勒的素描吧，所谓的“祈祷的手。”百度图片上面的人。简介

？杜勒（弟弟Albrecht Durer ,1471-1528）

德国画家，版画家和版画设计师。

教养院男孩跟着他的父亲，他的画表现出特别的天赋，13岁就可以画自己的肖像写实人像画的他的父亲在19岁时已经充分展现了他成熟的素描功力可回荡着了？芬奇。在画家赫尔穆特·沃格特（Michaaeel Wolgemut）后来为三年。大型车间沃格穆特也就是丢勒的教父，印刷商和出版商？科贝特尔格安东（安东Koberger）制作木刻插图。当时，丢勒的这个最大的工厂曾在他的童年初次接触到铜技巧有很大的影响，对他这种持久耐用的不朽的印象，后来在艺术创作版画起到了决定性的作用的发挥。之后，该师是充满了年轻艺术家走出画室之旅沿着莱茵河，德国主要的工业城市，去法兰克福，科隆和巴塞尔参观。旅游游学四年艺术家的世界观形成的艺术和发展起到了决定性的作用。 23岁的丢勒是一个有影响力的艺术家在今年，一个音乐家的女儿和他的家乡Egeliesa？弗拉基米尔结婚黄奕，之后丢勒作为首饰匠和画家开始独立工作。

1485年，人文主义对纽伦堡丢勒的改革即将进入公立小学前夕的影响下，德国的教育。按照他的家庭传统，父亲让儿子在他的车间当学徒，他要发展成为一个珠宝工人。丢勒积累了最初的车间培训，绘画，并很快掌握这门艺术，这成为他在艺术活动的基础上，丢勒有必要学会工艺饰品装饰艺术，他们开始复制艺术家的肖像，但也？马丁的雕塑，这是他想创造一个艺术家的条件Sangengue副本。十三岁第一次丢勒雕自画像用针和彩绘，写道：。 “1484年，当我还是个孩子，我看着镜子画了他的”钢笔画他的第二年。 “圣母玛利亚和天使”在第二片最早的作品之一的宝座，这幅画被保存。

在绘画的学习过程中，对字的结构和规则丢勒的绘画很感兴趣，于是就问他的父亲，让他成为一名画家。遵守他的父亲，儿子的意愿，曾经去过纽伦堡画家迈克尔？瓦尔盖默特附近的工作室，合同规定学徒三年。教师的工作丢勒副本，也渐渐学会了多种绘画技巧，与自然，人与植物开始研究的对象，并开始尝试创作。它也仔细研究色彩的调配和使用，所以当他的学徒能够遵循艺术规律，进行创建。经过二十二岁丢勒结婚，在离家不远的地方正式成立工作室，开始绘画肖像。

后来，丢勒完成了第一个伟大的杰作---画作“现代启示录”木刻。这启示录起源于罗马帝国尼禄神秘的幻想王朝旧基督教。他制作了一套15件不朽，人的行为在十五世纪叶，由于世界末日的到来感到无助的恐怖和失望。当时，德国是资产阶级和手工业者，农民和争取人民之间的激情澎湃，最后发展成许多宗教，政治和革命群众运动的封建领主，饥饿和剥削之间的斗争之间的斗争。丢勒愿意支付的现实启示幻想形象，给这些幻想与道德力量。有几个绘画，掩饰不住的统治势力进行了批评自己的意见，大家的良心。

因为“启示录”出版，丢勒被评为伟大的当代艺术家的光荣行列。弗雷德里克并邀请他绘制第二幅祭坛。 1498杜勒活力和信心得到早期的声誉。画一个自画像穿着豪华的衣服。 （现有马德里的普拉多博物馆1514年3月19日，丢勒两个月前在他母亲去世，描绘了一幅肖像他的母亲，在这片他创造了他最生动，感人的工作，这是唯一的木炭画现在已经达到了丢勒的画像之后母亲母亲去世5月17日，他质疑了几句话就画：“这是杜勒的母亲，1514星期二，下午二点祈祷星期前逝世，享年63岁？”他对母亲的一生就解释和爱。

1490年至1507年，他已前往巴塞尔斯特拉斯堡和威尼斯等地，并会见了他心仪已久？乔瓦尼·贝利尼（乔瓦尼·贝利尼），他不仅试图加强自己的艺术知识水平，并开始学习数学，几何学，拉丁语，古典文学，以及他与艺术家比交流更加频繁密切接触的学者，1512年成为马克西米利安在安大帝（皇帝Maximilan）帝国的画家，后来到安特卫普，布鲁塞尔，马林，科隆，密堡，布鲁日和根特旅游，多礼貌。在1521年7月回国，健康状况恶化，但他仍笔耕不辍，直到他去世。

丢勒为代表的文艺复兴时期的北方当德国的历史是在其最黯淡的时期。混乱的思想和信仰，饥荒和瘟疫（黑病）无情地杀害了大批人的生命，社会矛盾激化，这使德国的文化和艺术松弛以外的严重衰退与此同时，在意大利，欧洲国家主导，但已经走出了中世纪，到政治，经济，文化，人文光辉学说的开放和繁荣的时期已经照亮了欧洲大陆。因此，作为一个德国艺术家，丢勒只代表过去在一个落后的国家里苦苦追求和传播在欧洲“现代”的先进思想。

的天才少年已经准备好独自在德国。简单地说，他的眼睛引进现代文化充满了好奇和怀疑，和基督般的手指指示指示，不像意大利文艺复兴时期的世界欢乐观看的人，也有来自荷兰文艺复兴时期的顽固关心外面的世界，德国文艺复兴时期的人自己正盯着微苦，而这会让他一个充满矛盾和前卫的孤家寡人。

作为一个文艺复兴时期的人，丢勒相信艺术家必须深入观察自然，并试图发现宇宙的秘密，揭示美和表现，但在同一时间，他坚持他的半中世纪的信念，艺术家与艺术一起应该是神的器皿，当大卫在（1501年至1504年）的雕像由米开朗基罗展现人的完美和新的，用相同的高超杜勒创建的Eclipse版画技法“圣尤斯塔斯”（1501），烈士和奇迹会遇到的场景表现，人间仙境，但他那个时期的代表建立了一个早一点，“现代启示录“画作，其中更多的是对与哥特式的小画像的教导的内容和表现风格特征明显的木刻。

一样达芬奇，丢勒也具有科学的思维，因而有很深的研究数学和科学的角度，写了大量的笔记和论文，透视和人体解剖学，他创作了许多作品反映社会现实，他还研究建筑学，发明了一种系统架构。杜勒或位艺术理论家，“绘画概论”的作者和“人体解剖学原理”，他摆脱了德国哥特式艺术的艺术感染力和克制对人本主义，以现实主义的艺术道路的指引。他是幼稚的版画艺术臻于完美的支持，他的宗教改革运动，同情农民战争的新阶段，对这次改革的领导人主动，马丁·路德·传单？绘制的插图版画和农民战争纪念馆目的是为了结束自己的创作方式。

其动植物提取达芬奇的素描完全一样完全离开类似的，但他有各种怪物，“启示录”中记载的信念的存在。因此丢勒不仅是画家，也是一位数学家，机械师，建筑专家，他创立了筑城理论。 P>保留了他的生命旅行，占地面积广，当时的宽视野几乎没有人相提并论，但始终保留着一些类型的无知，谁相信人类的理性和知识将成为一个高尚的存在，但不是狭隘的农民完美的人有深刻的意义。

他来自一个家庭的中世纪的工匠和艺术家生活在最贫穷的国家地位，但成为欧洲最独立和骄傲的艺术家。为“自画像之父，“他是第一个在欧洲为他们的外观和身份所吸引的画家，从而成为伦勃朗的先声，他已经意识到艺术会多少让不朽，但他生活的想法，亡是迫在眉睫的追索权，不能得到摆脱身体将被带到消失的恐惧。对艺术风格，尽管他是追求意大利文艺复兴时期的艺术和传播者，但其置身于德国传统之一，但它保留了一点许多哥特式的中世纪艺术遗产，而令人惊讶的是第一个表现出一定的巴洛克特色。

丢勒的木刻版画等作品，包括版画，油画，素描和速写素描作品，以印最有影响力的，他是最好的木刻和铜版画家，他的主要著作有“现代启示录”，“基督大难”，“小激情”，“男人浴室”，“海怪”，“浪荡子”，“大命运”，“亚当与夏娃”，“骑士，神与魔鬼“等他的水彩风景画是他最伟大的成就之一，这些作品气氛和情感表现得极其生动。

1523年底，丢勒开始写自传，不仅使回顾他的生活，并介绍了他的父母和他的17兄弟姐妹和自己的人生经历。还活着，只是他的一个兄弟

1525年丢勒的重要著作“艺术指南的措施”。出版，所以他跳出了文艺复兴时期的经典艺术理论家，1526年，是创造一个优秀的人像丢勒一年如果“伊司马斯？范？鹿特丹”，成为他最大的杰作的人物。

的1527年，科技部，失去了他的第二本书，“筑城原理”出版。1528。“人体解剖学原理”脱稿，这是他27年的人体解剖学研究的结晶。不幸的是，他没有看到这项工作的巨大影响。丢勒，57岁，来自荷兰，体质虚弱回来，反复的疾病的侵扰，在1528年4月6日这颗灿烂的文化巨星突然倒下。

当[编辑本段]

人评价;

根据同时代人的回忆文字看起来的时候丢勒写道：

“他有一个生动的表情的脸，一双明亮的眼睛，长着希腊人们称它为方的鼻子，长长的脖子，宽阔的胸膛，收紧腰腹部，大腿肌肉发达，身材匀称的双腿很强壮，温和的方式。有人看见他的手指，看起来美丽的淡蓝色，他那俏皮的对话更醉人，让听众感到更惆怅的事情时，没有比他的演讲结束多，他几乎通过晓天文地理，哲学和美学，不仅了解，而且还决定了。“

这种声誉甚至如果有些夸张，就足以解释丢勒的形象在同一代眼中的天才。

丢勒大多数工作是流传下来。“手”，后来被改名为“祈祷之手”，其影响力比任何其他工作。

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参考文献：
网络知道，丢勒



评价
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五
32％ 采用率

擅长：
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㈡ 20世纪中，以最高价格被买下的画作出自哪位画家的手笔

达芬奇的《蒙娜丽莎》。

《蒙娜丽莎》原作的尺寸：纵77cm、横53cm，该作品画在一块黑色的杨木板上。《蒙娜丽莎》画像没有眉毛和睫毛，面庞看起来十分和谐。直视蒙娜丽莎的嘴巴，会觉得她没怎么笑；然而当看着她的眼睛，感觉到她脸颊的阴影时，又会觉得她在微笑。

蒙娜丽莎的微笑中，含有83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧、2%的愤怒。蒙娜丽莎，坐在一把半圆形的木椅上，背后是一道栏杆，隔开了人物和背景，背景有道路、河流、桥、山峦，它们在达·芬奇“无界渐变着色法”的笔法下，和蒙娜丽莎的微笑融为一体，散发着梦幻而神秘的气息。

《蒙娜丽莎》代表了文艺复兴时期的美学方向；该作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。

每年到卢浮宫鉴赏《蒙娜丽莎》作品的人数，大约有600万左右。

(2)创造亚当素描扩展阅读：

世界上价值最高的10幅画，蒙娜丽莎榜首无人不知。

1、蒙娜丽莎：蒙娜丽莎的名气无需多言，几乎世界上所有的人都知道达芬奇画过一个无论哪个角度都在看着你的女人的画，位居世界十大名画排行榜第一位毫无疑问。这幅画最神奇的地方就在于，从哪个方向看去，都会感觉蒙娜丽莎在看着，对微笑。

2、最后的晚餐：耶稣坐在桌子的正中间,他的门徒们分别坐在他的左右围绕着整张桌子,而这是他们最后，因为其中有人出卖了耶稣。世界十大名画排行榜第二位，同样是来自达芬奇的作品，《最后的晚餐》。

12个门徒闻言后，或震惊、或愤怒、或激动、或紧张。《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面。

3、格尔尼卡：《格尼尔卡》是十幅毕加索最贵的画之一，毕加索在20世纪30年代时是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作，画面中表现力1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的情景。

4、星月夜：这幅画现在已经成为了随处可见的背景图片、装饰画等，与其梵高他的作品不同，在世界十大名画排行榜中星月夜是唯一一幅即使你对艺术一无所知，但是依然会很单纯的认为它很好看。

5、大宫女：大宫女最早在巴黎展出时家德·凯拉特里曾说这简直就是畸形，安格尔的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。这副画引起了极大的争议和抨击。

6、戴珍珠耳环的少女：《向日葵》我们在小学的美术课本上就已经见过，虽然当时并不可能有人能理解它的价值所在。这是梵高最被人熟知的一幅作品，或者说它是一组作品。在绘画艺术的漫长历史中，梵高的向日葵似乎成为最具代表性的作品，它甚至成了艺术史上的一座丰碑。

7、维纳斯的诞生：《维纳斯的诞生》是桑德罗·波提切利公元1487年间创作的一幅画，这幅画描绘了女神维纳斯诞生时的情景，画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的和谐统一。

8、创造亚当：米开朗基罗在创作这副画时，心情极为悲愤，因为他是被迫在西斯廷礼拜堂屋顶壁上作画的，整个壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。

其中《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。

9、亚维农的少女：这幅画也许是是历史上将女人画的最难看的画，当然这只是我等俗人的眼光。从艺术角度来看《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。

这是一幅与以往的艺术方法彻底决裂的立体主义作品，当时不免要遭到来自社会各方面的嘲讽和指责。

10、日出·印象：日出印象是莫奈在1873年在阿弗尔港口创作的一幅写生画，当时莫奈并没有给它命名，直到一名新闻记者讽刺莫奈的画是"对美与真实的否定，只能给人一种印象"。于是莫奈于是就给这幅画起了个题目《日出·印象》。

㈢ 20个名画

《达.芬奇自画像》
意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。

《岩间圣母》
此画为祭坛画 ,达芬奇， 189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆.

此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。

《蒙娜丽莎》
《蒙娜丽莎》 达.芬奇 油画 77X53厘米,现藏卢佛尔美术馆。

<<蒙娜丽莎>>是一幅享有盛誉的肖像画杰作,它代表达。芬奇的最高艺术成就.,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。

达·芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情。在构图上,达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯, 代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。

另外，蒙娜·丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满,展示了她的温柔,及身份和阶级地位。显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。

《最后的晚餐》

《最后的晚餐》达.芬奇 油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.
达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作

《创造亚当》

《创造亚当》 米开朗基罗 壁画 1508年
米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视.其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。

《播种者》

《播种者》 米勒 1850年 101X82.5厘米 美国波士顿美术馆藏 。
米勒(Jean-Francois millet 1814-1875)法国画家。1814年10月出生于诺曼底半岛格鲁什村的一个耕农家庭,1875年1月卒于巴比松。他自幼参加田间劳动。此画描绘了一对青年夫妇赶赴田间劳作的图景，构图线条分明，很好地反映出农民特有的气质；色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。

《梦》

毕加索 油画 1932年 1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。<<梦>>这幅画作于1932年,是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

《拾穗者》

米勒 1857年 油画 83.5X111厘米 巴黎卢佛尔博物馆藏。
米勒出身于农民家庭,在他眼里，大自然有着“无穷无尽的壮观”。他曾因他的“乡下佬模样”和质朴的画风被巴黎沙龙中的某些同行冠以“森林中的野人”的绰号,米勒试图把我们引入土地的深处，在开阔而又静穆的景观中去感受她的沉重与充实，倾听她深沉宁静的呼吸，体会她朴实顽强的生命，体会土地与土地上的农民自然般运行的命运。在这幅画中,米勒采用横向构图描绘了三个正在弯着腰,低着头,在收割过的麦田里拾剩落的麦穗的妇女形象,她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子,在她们身后是一望无际的麦田,天空和隐约可见的劳动场面。米勒没有正面描绘她们的面部,也没有作丝毫的美化,她们就如现实中的农民一样默默地劳动着。在造型上,米勒用较明显的轮廓使形象坚实有力,很好地表现了农民特有的气质。色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。罗曼.罗兰曾评论说:"米勒画中的三位农妇是法国的三女神"。

《伊莎贝尔.科沃斯.德波塞尔夫人》

哥雅 1806年 82*54.6公分
哥雅（Francisco Jose de Goya Y Lucientes,1746-1828)西班牙近代现实主义画家。出身农民家庭，14岁开始学画。年轻时曾任宫廷画家。1793年思想由乐天无忧进入愤懑呐喊；画风有明朗鲜明转为深沉浑厚，是近代现实主义绘画的奠基人。
《伊莎贝尔.科沃斯.德波塞尔夫人》是哥雅早期宫廷画之一，这幅充满自信的西班牙女性画像，是哥雅极富热情的杰作。其人物原形是卡斯蒂里亚地区的高官夫人，按照十八世纪后期上流社会风行的典型装束创作。

《草地上的午餐》

《草地上的午餐》 马奈 油画 1863年 213.4X268厘米 藏巴黎卢佛宫博物馆
《草地上的午餐》1863年在落选者沙龙中展出,一画引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，中间不远的地方那个弯腰的女子，成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。

《天上的爱与人间的爱》

提香 意大利 1515年 118X279厘米
《天上的爱与人间的爱》描绘的是美狄亚与维纳斯的相会,裸体的维纳斯劝她身旁的美狄亚去协助伊阿宋盗取金羊毛,但从画面情节来看这种说法又很不确定,所以内容至今未定。此画是提香描绘女性美创作的早期作品，这一阶段是他陶醉于乔尔乔奈的风格时期,这个时期的创作在很大程度上是强调人的壮美与和谐,此画风格粗犷豪放，笔力雄健，但人物本身所具有的闲雅微妙的精神状态与纯洁高尚的品质，又使作品具有牧歌式的情调,宁静优美。提香笔下的裸体美,具有生活与感情的因素,绝不是神化了的女性加之独特的构图和雄浑辉煌的色彩都铸就了此画不朽的艺术魅力。

《圣母升天》

提香 意大利 690*360 教堂壁画
这是一幅具有恢宏气势的巨大壁画,描绘了圣母升天的神圣瞬间,具有浓厚的宗教色彩。画中，站于地面上的是仰天呼送圣母的人们,动态不一,但神情却是一致的虔诚,中间是一群被天使们簇引,身穿红衣的圣母,上方是有天使相随的上帝。这是提香早期作品,构图庄严,描绘真实细腻。

《美丽的女园丁》

《 美丽的女园丁》 拉斐尔 油画 1507年 122X80厘米
此画通过美丽的女园丁的形象,表现圣母玛利亚的世俗之爱的精神。笔锋细腻，技巧完美，表现女园丁的亲切、和蔼，赤子的纯洁可爱，对于母性的依恋，给人一种感受煦暖阳光普照的亲情。生动传神地传达了作者对生活的渴望。

《维纳斯的诞生》

《维纳斯的诞生》 波提切利 布上画 1432年 175X283厘米 藏于乌菲齐美术馆。
波提切利(Sandro Botticelli 1445-1510意大利画家,佛罗伦萨画派的重要代表,《维纳斯的诞生》是他的名作，创作于1432年左右。据说，画家从波利齐安诺一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪而绘就的，此画再现女神维纳斯从爱琴海中浮水而出,风神,花神迎送于左右的情景,画中维纳斯的姿态，是按照古典雕像的样式来描绘的，然而画上的形象并没有古典雕像的健美与娴雅，给人一种是萎靡和娇弱，并且充满着对生活的迷茫的感觉，这也是波提切利本人矛盾世界观的反映。但在另一方面又强调了秀美、清纯、含蓄之美。 波提切利很善于用线。线条在维纳斯裸体上变得极为流畅，至于那个风神形象上的线就更复杂，具有旋转的趋势。全画的色调也极明朗和谐，艺术家用这一切来尽量强调形象的秀美与清淡，只能让人感到作者的意图是神秘的，主题思想是隐晦的。

《凡高自画像》

凡高是荷兰人,但长年生活在法国,是后印象派的重要的画家。1887年，通过弟弟提奥的介绍，凡高在巴黎见到毕沙罗，修拉、和高更。开始接受印象派的画风。更加强调用色彩突出主题的绘画风格。在他的画中，总是一片色彩和笔触的狂欢，这种画面所造成的气氛效果表现出一种罕见的旺盛的生命力。这副《自画像》就是如此。凡高一生画过无数的《自画像》，这幅《自画像》属较前期作品。

《向日葵》

凡高 1888年 91X72厘米
凡高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

《 苹果与橘子》

塞尚 法国 74 x 93 cm 现藏芝加哥艺术学院。
塞尚(Paul Cezanne 1839-1906),法国画家,继印象主义之后的绘画革新家,与凡高,高更一起被后人称这"印象主义之后"（Post-impressionism）。他认为：印象派画家表现的主观感觉和印象经常是“混乱的”，因此他主张排斥事物闪动而模糊的外表，去领悟那永不改变的内在真实。他在画中，注重探索事物的 “结构”，表现深植于事物中的本性；塞尚在吸收印象主义技法的同时,更加关心实体感与构图,关心均衡与结构,因此画面显示出凝重厚实和恒定持久的感觉。《苹果与橘子》就是这一技法的典型。另外，画中构图和谐流畅，无论从哪一方面来看，都体现出美感。

《教皇英诺森十世像》

1650年 油画 140X120厘米 罗马利来-庞斐利画廊。
委拉士贵支在1649年第二次去意大利时在那里完成了一幅著名的肖像画<<教皇英诺森十世像>>,在这幅肖像中,画家既表现了此人的凶狠和狡猾,又表现了这个七十六岁老头子精神上的虚弱。画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性。从而给观众增加了很多的联想。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上,火热的红调子表现了特有的宗教的庄严气氛;白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由,表现出艺术家的高超技巧。

《泉》

安格尔 1856年 164X80厘米 卢佛尔美术馆
此画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅,是他自于1820开始的,经近30年才完稿，传说他的助手还帮他绘制此画。是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。安格尔笔下的这个少女纯洁,典雅,恬静,健康,美丽,充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。当时,这幅画引起了人们极大的兴趣。争相抢购当时有五个卖主争执不休,后来被杜夏特尔伯爵买去了,后来他赠给卢佛尔博物馆。

《伏尔加河上的纤夫》

列宾 油画 1873年 藏于俄罗斯博物馆。
列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一,《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。

㈣ 米开朗其罗

（Michelangelo，1475年3月6日－1564年2月18日），全名 Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，又译“米开兰基罗”、“米高安哲罗”，1475年生于佛罗伦斯加柏里斯镇，雕塑家、建筑师、画家和诗人。他与列奥纳多·达芬奇和拉斐尔并称「文艺复兴三杰」，以人物“健美”著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。他的雕刻作品“大卫像”举世闻名，美第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“昏”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世纪》天顶画和壁画《最后的审判》。他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教皇尤利乌斯二世的陵墓。米开朗基罗脾气暴躁，不合群，和达·芬奇与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。他于1564年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。

1475年3月6日生于佛罗伦萨附近的卡普莱斯（卡波热斯），父亲是当地的一名法官，脾气爆烈，但是惧怕上帝。母亲在米开朗基罗六岁的时候就死了。他13 岁进入佛罗伦萨画家基尔兰达约（Ghirlandaio）的工作室，之后又跟随多纳太罗的学生贝托多学习了一年雕塑，主要以自学为主。后转 作品《哀悼基督》
入圣马可修道院的美第奇学院作学徒，在那儿他接触到了古风艺术的经典作品和一大批哲人学者，并产生了崇古思想。为了完全彻底地掌握人体结构，他曾亲自解剖尸体进行研究。时兴的新帕拉图主义和受到火刑惩处的多明我会教士萨伏那洛拉给了他一生最重要的影响。米开朗基罗最初本无意做一位画家，他的志向是成为一位雕刻家，并且只在意"雕"而不在意"塑"：像人们挣脱自己的肉体束缚一样，获得存在的形式。这正是新柏拉图主义的教条。其绘画代表作有《创造亚当》、《最后的审判》和《圣家族》等。他的艺术风格以现实主义为基础，又兼具浪漫主义风格，有很深的人文主义思想。 1496年，米开朗基罗来到罗马，创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。1501年，他回到佛罗伦萨，用了四年时间完成了举世闻名的《大卫》。 著名作品《大卫》
1505年在罗马，他奉教皇尤里乌斯二世之命负责建造教皇的陵墓，1506年停工后回到佛罗伦萨。 1508年，他又奉命回到罗马，用了四年零五个月的时间完成了著名的西斯廷教堂天顶壁画。1513年，教皇陵墓恢复施工，米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。1519－1534年，他在佛罗伦萨创作了他生平最伟大的作品——圣洛伦佐教堂里的美第奇家族陵墓群雕。1562年受其门生，著名画家，艺术史家：乔治。瓦萨里之邀成为迪亚诺学院（佛罗伦萨美术学院）名誉院长。1536年，米开朗基罗回到罗马西斯廷教堂，用了近六年的时间创作了伟大的教堂壁画《最后的审判》。之后他一直生活在罗马，从事雕刻、建筑和少量的绘画工作，直到1564年2月18日逝世于自己的工作室中。

米开朗基罗终身未娶，不少人据此推断他喜欢男人，恰好达·芬奇也有此倾向。说米氏是同性恋者并非空穴来风，他确实不怎么爱女人，甚至无法在有女人的屋里多停留。他的雕绘中也有女性内容，却从未涉足过娇媚的少女题材，绘制的都是丰腴、成熟的女体，呈现出接近男性的力度，据说米氏即便在绘画女体时，用的也是男性模特。 他与多个男模特有过情感纠葛，为他们写下了众多诗篇。比如他曾花去整整一年时间在早夭、漂亮的布拉奇之墓上刻下诗句：“我卑微的尘躯不再享有，/你的迷人的脸庞与美丽的双眼，/但任何力量都抹不掉你我共枕相拥时，/两个灵魂相融所迸发的火焰。”而最得他倾慕的无疑是罗马贵族托马索·卡瓦切里。 1532年秋天，23岁的卡瓦切里在圣安杰洛与米开朗基罗初次见面。他翩翩的风度、高贵的姿容立即吸引了米氏对男体的敏感与热爱近乎痴狂，这也令我们有幸看到《大卫》 、 《摩西》 、 《奴隶》组像、 《创世纪》等一系列惊人之作。 见到卡瓦切里的几个月内，米开朗基罗画出了他最好的几幅素描，其内容全部来自希腊神话，有驾驶金马车的法厄同，有被秃鹫不断啄食肝脏的提图斯，有为宙斯斟酒的美少年伽尼墨得斯。为美第奇礼拜堂制作朱理亚诺公爵雕像时，米氏所雕的面部是卡瓦切里的脸孔，他对他的眷恋，由此可见一斑。诗歌中，米氏更将对方的名字比做他赖以生存的食物，接着又写道：“不……食物只营养我的身体，你的名字却滋润我的身体和灵魂，使它们充满快乐，只要有你在我心中，我不再感到悲哀，也不惧怕死亡。” 英俊的卡瓦切里也没有背叛艺术大师深切的情感付出，他始终是他忠诚的赞赏者。直到米氏弥留之际，卡瓦切里仍守在他床前。 米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。 米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。 米开朗基罗六岁时丧母，养在一个石匠的妻子的家里，因此从小就对雕塑发生兴趣。父亲送他进拉丁文与希腊文学校学习，但是他学画画，父亲训斥也无用，十三岁进入佛罗伦萨画家画室学画；1489年转到另一个画家学雕塑。后来当上美术学校的学生兼助手。那里是文艺复兴运动的中心，人文主义学者集中的地方。在那里干了十四年，在思想和艺术上被培养成一个伟大的艺术家。使他离开佛罗伦萨到罗马。 二十四岁作为雕塑家开始从事创作，制作了著名的<<大卫>>(雕塑)和<<圣家族>>(壁画)，又为教皇在梵蒂冈的西斯廷小教堂画壁画，用了四年时间凭一个人在五百多平方米的天顶上画了三百四十三人，对于如此宏大的工程，找来一些人作助手，最后中意的只有一个调制颜料干杂活的。 米开朗基罗画的这些巨人充满超人力量，善于表现丰富的运动，并达到戏剧性高潮。人们从中感受到的是对人类的庄严颂歌。他生命的最后二十年专稿建筑。他的作品雄壮宏伟，因此他所画的女性也具有男性的气质。一生未婚，纯讲精神而不涉及肉体。他在孤独中奋战了一生。

㈤ 米开朗基罗 怀才不遇吗他一生雕刻了那么多作品，活那么多，怎么还感觉生不逢时呢，当时人们不认可吗

人物简介

米开朗琪罗，雕塑家、绘画家、诗人兼建筑师：
米开朗基罗
1475年3月6日，米开朗琪罗出生于意大利卡森蒂诺的卡普雷赛，父亲是法官。母亲在他六岁时便死去，米开朗琪罗被寄养在一个石匠的妻子家里。十三岁时，他进入多梅尼科·吉兰达约的画室。据说由于他的成绩优秀，他的老师为之嫉妒。一年后他们分手了，米开朗基罗来到大名鼎鼎的美第奇家族创办的雕塑学校。[1]不久，由于宗教信仰的冲突，他离开了那里。后来，他又先后到过威尼斯、罗马等名城，雕塑水平不断地得到了提高。
1508年，[1]米开朗琪罗被他人鼓动教皇让他去画西斯廷教堂的天顶画。此后几年，他一直受着历任教皇的差遣，携带着痛苦去创作他并不满意的作品。1527年米开朗琪罗卷入了一场革命的漩涡，差一点丧命。革命结束后，教皇克雷芒又将他从隐避的地方找了出来，米开朗琪罗不得不重新为他所抗拒的人劳作。1537年9月克雷芒教皇驾崩，米开朗琪罗原以为从此能安安静静地做自己的事了。但他刚到罗马，又被他新主人——保罗三世抓住了。似乎命运注定他只能在无休止的

米开朗基罗的素描及草稿作品(14张)干涉中替别人干活。不仅如此他的爱情也不太理想。
1564年2月12日，米开朗琪罗站了一整天来创作《哀悼基督》。14日他开始发烧，18日下午5时，这位杰出的雕塑家兼画家永远地离开了人间!
编辑本段
个人生平

米开朗基罗·博那罗蒂（Michelangelo Buonarroti，1475年3月6日－1564年3月18日），意大
米开朗基罗广场上的大卫雕像
利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和达·芬奇并称为美术三杰。全名 Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，又译“米开兰琪罗”、“米高安哲罗”，1475年3月6日生于佛罗伦萨加森汀省的卡普雷塞镇[2]，1564年2月18日去世。作为文艺复兴的巨匠，以他超越时空的宏伟大作，在生前和后世都造成了无与伦比的巨大影响。他和达芬奇一样多才多艺，兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。他得天独厚活到89岁，超越了古稀之年，度过了70余年的艺术生涯，他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。
米开朗基罗13岁就进了佛罗伦萨著名画家多梅尼科·吉兰达伊奥的工作室，在那里他最初接触终生所从事的神圣事业，并以神奇的速度掌握了绘画技巧。后来他又进了佛罗伦萨统治者罗伦佐·美第奇开办的“自由美术学校”，由于他的超群才华倍受罗伦佐的重视和爱护，宫廷中大量的艺术品成了他学习、研究的对象，经常出入于宫中的人文主义诗人和学者给了他极大影响。
《摩西》
短短四年中，他在美第奇宫里获得了一个伟大艺术家所必须具备的条件，为他整个艺术创作打下了坚实基础。
在罗伦佐的府邸里，设有一个“柏拉图学院”，学者们聚在一起研究学问，他们在罗伦佐的支持下创立了一种新的思想体系——人文主义，他们的思想是要把世界归还给人，把人归还给他自己。把人的艺术、文学和科学，还有作为个体的独立的思想和感情归还给人，人绝不能像一个奴隶一样被捆绑在教条之上，在锁链中死亡腐朽。
米开朗基罗还经常去听宗教改革家、修道士萨伏纳罗拉揭露教会黑暗的演说，这位为了拯救人类命运而不怕宗教法庭审判的修道士给他的灵魂留下了不可磨灭的烙印。罗伦佐·美第奇死后，米开朗基罗失去了保护人，佛罗伦萨陷于一片混乱，他深感故乡非久留之地，赴威尼斯和波伦亚，后转道罗马寻找发展机会。罗马到处林立古代雕像，犹如走进巨大的古代艺术宝库。23岁的米开朗基罗受法国红衣主教委托，为圣彼得教堂制

米开朗基罗作品(23张)作 《哀悼基督》雕像。这件雕像的问世，使米开朗基罗名盖罗马，自多纳太罗之后又一颗雕刻巨星升起。26岁的米开朗基罗载誉回到故乡佛罗伦萨，便立即从事《大卫》云石雕像的制作，三年后完成，安放在韦吉奥宫正门前，作为佛罗伦萨守护神和民主政府的象征。
1505年应教皇朱理二世邀请，米开朗基罗赴罗马为教皇在圣彼得教堂内建造陵墓，雕刻家历经艰辛磨难为陵墓留下名雕《摩西》和《奴隶》等雕像，米开朗基罗的雕塑成就，使教皇的艺术总监勃拉曼特极为妒忌，他唆使教皇暂不修陵墓，强求雕刻家去画西斯廷教堂天顶壁画，米开朗基罗以超凡的智慧和毅力完成了世界上最大的壁画《创世纪》。41岁的大师重又回到佛罗伦萨，出生美第奇家族的教皇利奥十世又强迫米开朗基罗为其祖宗圣罗伦佐陵墓制作雕像，著名的《昼》《夜》《晨》《暮》雕像就是安放在这座陵墓的石棺上。已经61岁的雕刻家又被教皇召到罗马，在25年前完成的《创世纪》天顶画下的祭坛壁面上绘制《末日的审判》。米开朗基罗是人类天才、智慧和勇气的结晶，他的光荣与成就属于全人类。
作品特点：在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成
《创造亚当》局部
为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。

㈥ 有关西方绘画的欣赏问题。

如果不是有非常的需要，你就是出于深度的好奇，才会想做“欣赏”这件事。
否则，干嘛非欣赏不可？
所以，建议你不辞辛苦，先体会一下：在没有电影没有电视，没有摄影，没有铺天盖地的图片的时代，人们的眼睛业余时在干什么？而另一些人满足了他们。
我认为举一两个画当例子，是不能唤醒你的瞌睡的。所以建议你先上网搞些画的图片，先从文艺复兴的画看起，一直到现代主义的超现实主义，一路看下来。在说什么欣赏之类的话，才有意义。中国的就从宋代绘画看到齐白石，东西方在这以后的美术史会让你眼花缭乱。所以，先看到这吧。
希望你能看出来，绘画是一件疯狂的事。

先要纠正楼主的错误观念，文艺复兴时代仍就是古典主义的时代，古典主义直到印象派的出现才逐渐式微。所以说印象主义标志着现代主义的开端，而现代主义是包括印象派，后印象派，野兽主义，立体主义，分离主义，未来主义，表现主义，抽象主义，抽象表现主义超现实主义等等流派在内的美术史名词。
而你说的文学中的浪漫主义和现实主义是不能和文艺复兴类比的，因为这两个美术时代分别出现在了新古典主义之后，代表人物是德拉克罗瓦和库尔贝。而新古典主义的出现是文艺复兴之后二百年的事。而且它们和巴罗克洛可可新古典主义等等流派同样从属于古典主义范畴。这是美术史的界定。
这就是我为什么主张楼主先从美术史以图片浏览的方式来欣赏美术的原因。因为如果是个感性的人，他会很容易进入欣赏状态，而理性的欣赏必须要结合一定的相关知识。

㈦ 文艺复兴时期的米开朗基罗与达·芬奇pk谁更厉害

意大利是人文主义文学的发源地，但丁、彼特拉克、薄伽丘是文艺复兴的先驱者，被称为“文艺复兴三颗巨星”，也称为“文坛三杰”（文艺复兴前三杰）。

另外，14～16世纪意大利文艺复兴时期绘画艺术臻于成熟，其代表画家有被誉为“美术三杰”（文艺复兴后三杰），他们分别是：列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔

佛罗伦萨有个传统，艺术家们通过同场竞技展示他们的才能。发生在1504年佛罗伦萨市政大厅，围绕《昂加利之役》与《卡西纳之战》巨幅壁画的双峰对决，可以说是艺术史上的彪炳事件，米开朗基罗的名声隐隐超越达·芬奇，这也是他获得西斯廷委托的契机。

对艺术家的偶像崇拜，在欧洲的历史上正是从文艺复兴时期涌现，我们总是惊叹那个时代的天才之多。但是，正如金所说：“米开朗基罗时代的艺术家绝非如我们今日浪漫想象的那样，个个是孤独的天才，自出机杼创造出富有创意的作品，而不受市场需求或赞助者的摆布。”另外，我们要看到，文艺复兴的艺术创作受政局的影响很大，达·芬奇受米兰公爵斯福尔扎的庇护，米开朗琪罗在1527年佛罗伦萨爆发革命时曾经仓皇出逃。米开朗基罗与几位教皇之间的关系，与美第奇家族的交际，对他的创作活动都是有影响的。文艺复兴的艺术家要想有所成就，必须要有强力的赞助人，他们的作品不应当只被理解为艺术家的创造力和情感具化，他们所要表达的首先是委托创作的赞助人的品位、需求和期望。

通过深入历史背景的客观阐释，金让艺术得到了一种回归。他减少了附着在艺术家身上的神话色彩，转而把艺术首先看作是一种艰苦的、枯燥的劳作。这部米开朗基罗传记呈现出的新意，并且是它最有价值之处，正是作者体现出的返回现场，用当时的眼光来审视当事人的立场。

米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。米开朗基罗六岁时丧母，养在一个石匠的妻子的家里，因此从小就对雕塑发生兴趣。父亲送他进拉丁文与希腊文学校学习，但是他学画画，父亲训斥也无用，十三岁进入佛罗伦萨画家画室学画；1489年转到另一个画家学雕塑。后来当上美术学校的学生兼助手。那里是文艺复兴运动的中心，人文主义学者集中的地方。在那里干了十四年，在思想和艺术上被培养成一个伟大的艺术家。使他离开佛罗伦萨到罗马。二十四岁作为雕塑家开始从事创作，制作了著名的&lt;&lt;大卫&gt;&gt;(雕塑）和&lt;&lt;圣家族&gt;&gt;(壁画），又为教皇在梵蒂冈的西斯廷小教堂画壁画，用了四年时间凭一个人在五百多平方米的天顶上画了三百四十三人，对于如此宏大的工程，找来一些人作助手，最后中意的只有一个调制颜料干杂活的，绘画都由他自己动手。米开朗基罗画的这些巨人充满超人力量，善于表现丰富的运动，并达到戏剧性高潮。人们从中感受到的是对人类的庄严颂歌。他生命的最后二十年专稿建筑。他的作品雄壮宏伟，因此他所画的女性也具有男性的气质。一生未婚，纯讲精神而不涉及肉体。他在孤独中奋战了一生。

㈧ 致敬米开朗基罗,以“创造亚当”为原形进行二次设计绘画

智米静开机《创造亚当》可以进行第二次设计。

㈨ “欧洲文艺复兴三杰”的达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔他们的画风有什么不同

达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔是欧洲文艺复兴时期的代表画家。他们都是西方古典主义油画的开创者奠基者，都是绘画技法卓绝建树非凡的艺术大师，都有经典的油画作品传世。但是，他们在绘画创作上又各有各的风格，各有各的特色。

达芬奇（1452年一1519年）、米开朗基罗（1475年一1564年）、拉斐尔（1483年一1520年），三人几乎生活于同一时期即15世纪下半叶至16世纪上半叶，这个时期是意大利文艺复兴的盛期，也是西方油画研制成功的初期。一方面，文艺复兴运动为绘画艺术发展创造了前所未有的机遇，达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔生逢其时。一方面，这时候油画刚产生不久，如何探索开创一条成功而成熟的油画创作方式和模式，又是他们面临的一个严竣的挑战。在这样的形势背景下，达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔孜孜以求，刻苦研磨，大胆探索，各自形成了独树一帜特色鲜明的绘画风格，开创了西方古典主义写实油画的范例。

一，达芬奇的画风。

拉斐尔油画以细腻柔润唯美和谐立名。在三位大师中，拉斐尔年龄最小。拉斐尔少年时就非常敬佩达芬奇，发誓要成为和达芬奇一样的画家。19岁时他来到佛罗伦萨，和达芬奇、米开朗基罗同城“竞技”。他一方面学习刻苦学习临摹两位老大哥的绘画作品，一方面潜心研究探索自己的绘画风格，常常夜继日地作画，每天只睡四五个小时。遂瑧入化境，自成一家，形成唯美和谐柔润细腻的绘画风格。拉斐尔因病37岁辞世，传世油画30多幅。代表作有《美惠三美神》、圣母子》、《西斯庭圣母》等。

达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔以高超的绘画技法不同的绘画风格创作出经典的油画作品，开创了西方古典主义写实油画的范例，对西方油画艺术发展产生巨大而深远影响。他们被并列为文艺复兴时期“绘画三杰”。

㈩ 最贵的世界名画叫什么名字

《蒙娜·丽莎》——达·芬奇

这幅肖像花了达.芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多(富商,蒙娜.丽莎的丈夫）或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。达.芬奇是在法国去世的，这就是为什么《蒙娜.丽莎》这幅画在法国的缘故。
多少世纪来，人们一直在谈论她那神秘的微笑，她的微笑的确神秘：它似乎在变化。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时象是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。
在一幅画中，光线的变化不能象在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜.丽莎的脸上，微暗的阴影时陷时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。
关于这幅画有一个故事。达.芬奇在为蒙娜.丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。她眼中的神情告诉我们她正在倾听。而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。
当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜.丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。

《最后的晚餐》——达·芬奇

在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。
餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐墙上的?
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达.芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。

向日葵》——梵高
梵高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。
画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

《第一步》——梵高

这作品是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农民的房屋。画的右方一位农妇扶着小女儿帮助她学步。左方女婴的农民父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。
这虽然是梵高临摹米勒的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用色鲜明，多用蓝，黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。
另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中常用的手法，也令这画增加生气勃然的气息。整幅农村景象让人感到农民的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。

创造亚当》——米开朗基罗

米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。
这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视.其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。

《梦》——毕加索
1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年,64岁的毕加索给她的生日贺信中说:"对我来说,今天是你17岁生日,虽然你已度过了两倍的岁月。在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。"<<梦>>这幅画作于1932年,可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

《大宫女》——安格尔

安格尔在等待去罗马留学的这段时间，曾接受过今属比利时的列日城的一幅订件，为那里画一幅《第一执政波拿巴肖像》，此时正值1803年，即路易十六被处死之后，拿破仑又发动旨在推翻督GOVERMENT的雾月十八日政变的重要时期。这位第一执政官要实行全国的军事独裁统治，人民无不切齿痛恨。安格尔却应允去完成这样一幅肖像画。1806年，他又画了《拿破仑一世在皇座上》，这后一件作品已是赤裸裸地为庆贺这个军事独裁者称帝而创作的歌颂性作品。安格尔不问政治，却在这两幅画上宣告了自己的立场。当作品于同年在巴黎沙龙展出时，受到了舆论界的冷嘲热讽。在罗马的安格尔获知这幅画的反应后，心情非常沉重，曾愤慨地表示：人们总以为，沙龙是鼓励绘画的地方，其实不，它给绘画提供的是一条可悲的道路。”1813年，他与玛德莱娜·夏佩尔小姐结婚，总算使他得到一些慰藉。他说道：“夏佩尔是自我牺牲精神的典范，她成为我生活中的安慰。”这时，他除了画神话题材之外，还画了几幅裸体题材的大画，准备送往巴黎再度露面。这一幅《大宫女》（这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》）就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一。
这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。”
评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。” 这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”
安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。此画约于1814年完成，为91×162厘米。现藏巴黎卢浮宫。


《圣母子》——拉斐尔

画中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。
右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。
她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。
当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。
与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的重要位置。
看圣母子的脸，我们可以发现，那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似，这是因为，拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义。

拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。

《吹笛少年》——马奈

马奈早年受过学院派的六年教育,后又研究许多历代大师的作品,他的画既有传统绘画坚实的造型,又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩,可以说他是一个承上启下的重要画家.他的作品(尤其是肖像画)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到马奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。
注：马奈这一名字出典于拉丁文题铭 Manet et manebit,意思是：“他活着并将活下去。”

《打阳伞的女人》——莫奈

这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。
虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。

《维纳斯与战神》——波提切利

波提切利与乔托、马萨乔和多纳泰罗的作品使佛罗伦萨艺术到达了一个崭新的年代，人们非常喜爱写实主义艺术，而波提切利正是那个时代的佼佼者。他的曲线优美、优雅精致、独树一帜的作品，使他成为那个时期佛罗伦萨最伟大的天才画家。
画中的战神是爱神维纳斯的情人之一。战神正在沉睡，没有佩带铠甲，而维纳斯正清醒着，其含义是爱能征服战争，即爱能征服一切。
作品在当时可能是卧室家具上的装饰品，也可能是在床头上、壁板上、靠背板上或箱子上。

《戴安娜的休息 》——弗朗索瓦·布歇
戴安娜是希腊神话中的阿耳忒弥斯，她是月神和狩猎女神，是宙斯与勒托的女儿，阿波罗的孪生姐妹。画面中的两个裸女形象，右边的即是戴安娜，额前缀有月亮饰物，她以美艳与残忍著称；画家的目的并不在于神话本身，而是喻指路易十五时期宫中美丽的女性裸体。据说，画家画的是画室中的专用模特--缪菲姐妹，画家经过了理想化加工。就造型和色彩表现来看，实属上乘之作，但是，画得过于娇艳和刺激。


《雅各与天使搏斗》——高更

这幅看起来象是宗教题材的作品，实际上是以象征主义为特点，描绘布列塔尼半岛上农妇在教区牧师讲解教义时，眼前所产生的幻象。画的是人们脑海里的幻觉，画上以现实主义手法展现，因此画的人物不是基督徒形象。布列塔尼农妇头上戴着的古怪帽子，加强了画面的装饰效果，而宗教传说中“搏斗”场面，却被处理在不太明显的地方，以象征这些虔诚的布列塔尼农妇头脑里所映现的幻象。
这个主题使他的绘画显得神秘化了，这里的红兰黑和白色组成的画，是一幅图案，弯曲起伏的线条，类似拜占庭镶嵌画。由于内容和形式的复杂性，也使高更的艺术风格复杂化，故史家称它是一种“综合主义”高更的这种风格后来还影响了法国纳比派和野兽主义。

西斯廷圣母》——拉斐尔
画面上，帷幔向两边缓缓拉开，圣母马丽亚怀抱婴儿基督从云中冉冉降落。她的脚边，跪着年老的教皇西斯廷二世和年轻美丽的圣徒瓦尔瓦拉，前者穿着沉重的法衣，用手指着圣母应该去的大地，后者目光下垂，虔敬里略带羞怯，似在为母子俩祈祷。圣母面容秀丽而沉静，眉宇之间似有隐忧，为了拯救全人类，她将不得不牺牲自己的爱子。小基督依偎在母亲怀里，他睁着大眼睛望着我们，目光里有一种不寻常的严肃感，似乎他已明白这里所发生的一切。

《伞》——雷诺阿

雷诺瓦擅长画人生、可爱的女人和儿童。他从这时起已摆脱了印象派手法，将重点放在素描上。这幅作品上的华丽色彩已然尽失，代之以新的尝试，亦即准确的素描。据说画面上左手提篮子的女人是以雷诺瓦之妻阿林为模特儿的。

《自缢者之家》——塞尚
1872年末，塞尚离开了蓬图瓦兹对岸的旅馆，到了奥维尔村。通过在蓬图瓦兹与毕沙罗、基约曼一起人事创作，塞尚在作画中，充分地运用了学到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，画面富有生气，笔触较为细腻。不过，仍然保留着结实、粗犷这些原有的特征。
在这幅作品中，右侧高大的屋脊与左侧房屋之间，是急剧下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。这景是奥维尔村明亮的旱田与天空。前景中的屋脊与建筑物、道路，显现得坚固有力，给以厚重的感觉。在这里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物体阻碍了向远处的眺望，在平和、稳定的风景中，犹如打进了一个大楔子。用这样的构图、以及选择《自缢者之家》这样的主题，不能不使人联想到塞尚本人的内心活动与其精神状态。


《泉》——安格尔

年轻的裸女拿着壶罐让水倒出来，其肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力。色彩运用非常柔和而富于变化。表现清高绝俗和庄严肃穆的美。这幅《泉》早在安格尔在佛罗伦萨期间就开始酝酿，事阁三十多年以后才最终完成。

《日出·印象》——莫奈

《日出·印象》描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨，晨曦笼罩下的海水呈现出橙黄色或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现强烈的大气反光中形成的表面的色彩。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。

《伏尔加河上纤夫》——列宾

列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一,《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。
画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。

《亚威农少女》——毕加索
过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，把正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。