① 歐美音樂的發展史
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音樂空間
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音樂的發展與變化
第一目「19世紀的音樂流派與傑作」，教材主要闡述了19世紀音樂發展的社會背景以及歐洲浪漫主義音樂的流派與傑作和美國音樂的代表人物及其作品。
1.19世紀音樂發展的社會背景。
第一，歐洲資本主義的進一步發展促使文藝格局的面貌發生了變化。19世紀上半期歐洲一些國家如英、法、德意志、義大利、奧地利等國都在不同程度地進行工業革命，大機器生產推動了資本主義的進一步發展，資本主義力量日益壯大。資本主義經濟的發展促使音樂藝術逐漸從封建主義的束縛和教會的壓抑下解放出來，開始走向更廣闊的社會階層，更深刻地表現人性，反映更加豐富的社會生活。
第二，各國面臨不同的社會問題使音樂的發展呈現出多樣性和民族性。19世紀的歐洲經歷了拿破崙戰爭、維也納體系的建立、1848年革命、19世紀六七十年代的資產階級革命和改革等重大事件，這期間由於國情不同各國亟待解決的社會問題也有所不同：法國需要進一步深化和鞏固資產階級革命已取得的成果；德意志、義大利需要完成國家的統一；俄國需要消滅農奴制發展資本主義。而東歐地區許多弱小和落後的國家則要完成反抗外來壓迫反對本國封建統治的民族民主革命的任務。在這種形勢下，具有民主主義思想的音樂家把對現實的不滿和困惑以及自己的追求傾注在音樂的創作中，使音樂的發展呈現出了多樣性和民族性。
2.19世紀的音樂流派與傑作。
第一，歐洲浪漫主義音樂。教材介紹了浪漫主義音樂的興起和發展、主要特點以及代表人物及其作品。
1）興起和發展。浪漫主義音樂是在浪漫主義文學的影響下於19世紀初興起，以奧地利和德意志為中心。19世紀中期走向鼎盛時期。
2）主要特點。浪漫主義音樂與19世紀以前的古典主義音樂不同。古典主義音樂崇尚理性、重視規范、要求感情的節制和形式，而浪漫主義音樂一則著重感情的抒發和個性化的心理刻畫、注重音樂中的詩情畫意，感情熱烈而奔放。二則在音樂作品中大量弘揚民族特性，形成了各具特色的民族樂派。
3）代表人物及其作品。
浪漫主義音樂家燦若群星，他們給後人留下了許多不朽之作。德意志的貝多芬是維也納古典樂派及向浪漫主義樂派過渡時期的代表，有「樂聖」之稱。其作品題材十分豐富，有鋼琴奏鳴曲、交響樂和室內樂等，如《悲愴》《月光》《田園交響曲》《英雄交響曲》《命運交響曲》等都被列入世界名曲。奧地利的舒伯特不到20歲就開始了自己的音樂創作生涯。一生創作了600多首藝術歌曲，被稱為「歌曲之王」。《小夜曲》是其代表作品之一。此外還創作了交響樂、室內樂和鋼琴音樂等作品。奧地利的小約翰·施特勞斯不到7歲就寫出了第一首圓舞曲，他創作的《藍色多瑙河》《春之聲》《維也納森林的故事》等圓舞曲聞名於世，有「圓舞曲之王」之稱。法國的柏遼茲是浪漫主義標題交響曲的創立者，代表作品是《幻想交響曲》。這是一部有文學標題的、浪漫主義的和帶有自傳性的作品，它的副標題是「一個藝術家的生活片斷」，五個樂章的情節線索通過比較詳細的文字標題提供給聽眾。《幻想交響曲》受到貝多芬的《田園交響曲》的很大影響，表現出更鮮明的浪漫主義特徵。
浪漫主義音樂在歌劇中也取得了輝煌成就。義大利羅西尼的作品旋律優美、技藝精巧。他還是美聲唱法的開創者。威爾第的音樂作品具有崇高的愛國主義思想、富有民族特色，對當時義大利民族意識的覺醒起了巨大作用，人們尊稱他為「義大利革命的音樂大師」。其代表作品《茶花女》是名揚世界的巨作。普契尼的音樂除直接採用各國民歌外，還善於使用新手法。如《圖蘭朵》中就採用了中國民歌《茉莉花》。代表作品還有《蝴蝶夫人》等。法國的比才的代表作品《卡門》是世界最優秀的歌劇作品之一，淋漓盡致地體現了法國音樂追求精巧形式的特徵，具有鮮明的浪漫主義色彩。德意志瓦格納的作品極有獨創性。他用近20年的時間完成的巨作《尼布龍根的指環》具有鮮明的德意志民族特色。
第二，民族樂派：民族樂派出現於19世紀中後期的俄國和東歐地區。民族樂派的作曲家在音樂創作中著重以本民族的民歌、民間舞曲為素材，採用本民族的英雄史詩、神話傳說和人民解放斗爭事跡為題材，並且將民族音樂的鮮明特點和古典主義音樂的優秀傳統以及浪漫主義音樂的藝術風格緊密地結合起來，創作出大量既有獨特藝術個性和民族感情，又有強烈藝術生命力的作品。他們通過自己的音樂創作，熱情地歌頌自己偉大的祖國、民族和人民，反映了他們的愛國主義思想和內心強烈的民族責任感。俄國民族樂派的主要代表人物是「俄羅斯音樂之父」格林卡和「俄羅斯樂聖」柴可夫斯基。格林卡是俄羅斯民族樂派的奠基人。他創作的俄國第一部民族歌劇《伊萬·蘇薩寧》描寫了一位俄國農民把波蘭軍隊引入歧路而光榮犧牲的故事，是一部愛國主義的歌劇。柴可夫斯基的作品著重內心刻畫，旋律和配器富於表現力。《天鵝湖》《胡桃夾子》至今仍煥發著生命力，受到人們的喜愛。
第三，美國音樂的發展：19世紀末，美國經歷了南北戰爭和第二次工業革命，迅速成為資本主義強國。經濟的發展給人們帶來豐富生活的同時也促使音樂的長足發展。福斯特的歌曲《淡褐色頭發的珍妮》、蘇薩的進行曲《星條旗永不落》等作品，既表現了美國國力不斷上升時的情懷，也體現出美國文化的多元融合特點。
教學建議：19世紀的音樂以浪漫主義音樂為主。教材介紹了各流派的代表人物及其傑作，它們幾乎都是世界級音樂大師和世界名曲。建議教師在教學中可以選擇播放風格不同的幾個音樂片段，讓學生體會音樂的語言並在鑒賞中比較分析其特色和浪漫主義音樂的共同特點。
第二目「20世紀世界的音樂發展」主要介紹了流行音樂的發展和當代世界音樂的發展方向。
1.20世紀現代主義音樂興起。20世紀世界經濟的迅速增長和第三次科技革命的迅猛發展，不斷改變著人們的生活、心理和思維方式，這些推動了音樂的進一步發展，現代主義音樂興起。在眾多的流派中，流行音樂脫穎而出。
2.流行音樂的發展及評價。
第一，流行音樂發展的三個階段。（1）一戰後至二戰前流行音樂的主流是爵士樂（Jazz）。爵士樂是十九世紀末二十世紀初發源於美國南部新奧爾良的一種流行音樂，是美國黑人從非洲帶來的傳統音樂與歐洲音樂長期融合的產物。爵士樂風格多樣、節奏性強，主要樂器是小號。爵士音樂不僅影響了其他流行音樂的形式，也影響了嚴肅音樂的創作。（2）二戰後的流行音樂中有搖滾樂、藍調和新的爵士樂「比博普」。其中搖滾樂（Rock&Roll）成為主流，原因有二：一是二戰後音樂中電子技術的發展；二是新時代大眾心理和思維方式的變化，尤其是青少年對突破傳統的渴望。搖滾樂源於美國，是黑人音樂的節奏與白人鄉村音樂和西部音樂的有機結合。搖滾樂強烈的節奏、以愛情為主題且簡單直白的歌詞以及演奏者身背吉他邊歌邊舞的演唱形式、奇特的裝扮強烈地吸引著戰後的新一代青年。搖滾樂的代表人物是美國的「貓王」普萊斯利。英國的「甲殼蟲」搖滾樂隊也是風格獨特的搖滾樂代表。他們的演奏對以後的搖滾文化產生了巨大影響。當時人們對搖滾樂的評價不一。【學思之窗】提供了不同的說法。教師可以組織學生進行討論。（3）70年代以後，音樂風格更加多樣，表現在具有即興性、強調藉助和運用電子手段、注重話筒的操縱技術、商業化傾向日趨明顯。流行音樂的發展日益走向繁榮。
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回答者： chinmin_2008 - 首席運營官 十三級 6-1 21:40
② 背景音樂的發展歷史
背景音樂 英文名稱：Background music
1、 電影聲帶上，伴隨場景的音樂。可以是另外附加上去的配樂，也可以來自收音機等現場的音源，後者亦稱「現場音樂」(SOURCE MUSIC)。多種網際網路通訊都有。
2、 在公共場所連續放送的音樂，以不影響人們對話為放音的響度標准，可以調節人們的精神狀態，創造舒適、溫馨的環境。背景音樂通常不是立體聲系統，多採用音箱分散式放音，故聲音分布均勻，不良聲環境對聽音的影響小。
3、 背景音樂的簡稱是BGM
4、 曲目大多來源於經典名曲。
5、 其曲風多元化，大眾化。
Background Music,英文中意為背景音樂，指在電影、電視劇等影視作品中，作為背景襯托的音樂，通常是無人聲的。真正意義上的BGM起源於歐洲的戲曲，自電影有聲化之後BGM得以迅速發展。以BGM指代此義，多出現在動畫行業。動畫界普遍認為，BGM是動畫中不可或缺的一個重要組成元素，它不僅需要配合畫面的情節發展，還必須有著自己獨特的風格，是動畫的潤滑劑與推進器。因其重要性，幾乎每一部動畫都會把自己的BGM抽取出來，收錄進相應的原聲帶OST里，作為副產品發售。
在中國的發展幾乎沒啥可解釋的～就像別人發明了電影～咱國一樣可以拍～這叫「影響」而並不能解釋為模仿～是一種特殊形式的傳播而已～
③ 音樂的歷史
弦樂器 弦樂器是樂器家族內的一個重要分支，在古典音樂乃至現代輕音樂中，幾乎所有 的抒情旋律都由弦樂聲部來演奏。可見，柔美、動聽是所有弦樂器的共同特徵。弦樂器的音色統一，有多層次的表現力：合奏時澎湃激昂，獨奏時溫柔婉約；又因為豐富多變的弓法（顫、碎、撥、跳，等）而具有靈動的色彩。 弦樂器的發音方式是依靠機械力量使張緊的弦線振動發音，故發音音量受到一定限制。弦樂器通常用不同的弦演奏不同的音，有時則須運用手指按弦來改變弦長，從而達到改變音高的目的。弦樂器從其發音方式上來說，主要分為弓拉弦鳴樂器（如提琴類）和彈撥弦鳴樂器 （如吉它）。 弓拉弦鳴樂器： 小提琴（Violin）、中提琴（Viola）、大提琴（Cello）、倍低音提琴（Double Bass）、 電貝司（Electric Bass）； 彈撥弦鳴樂器：豎琴（Harp）、電吉它（Electric Guitar） 木管樂器 木管樂器起源很早，從民間的牧笛、蘆笛等演變而來。木管樂器是樂器家族中音色最為豐富的一族，常用被來表現大自然和鄉村生活的情景。在交響樂隊中，不論是作為伴奏還是用於獨奏，都有其特殊的韻味，是交響樂隊的重要組成部分。木管樂器大多通過空氣振動來產生樂音，根據發聲方式，大致可分為唇鳴類（如長笛等）和簧鳴類（如單簧管等）。木管樂器的材料並不限於木質，同樣有選用金屬、象牙或是動物骨頭等材質的。它們的音色各異、特色鮮明。從優美亮麗到深沉陰郁，應有盡有。正因如此，在樂隊中，木管樂器常善於塑造各種維妙維肖的音樂形象，大大豐富了管弦樂的效果。 唇鳴類：長笛（Flute）、短笛（Piccolo）； 簧鳴類：單簧管（Clarinet）、雙簧管（Oboe）、英國管（English Horn）、大管（Bassoon）、薩克斯管（Saxophone）、口琴（harmonica）. 銅管樂器 銅管樂器的前身大多是軍號和狩獵時用的號角。在早期的交響樂中使用銅管的數量不大。在很長一段時期里，交響樂隊中只用兩只圓號，有時增加一隻小號到十九世紀音樂的起源和上古時期的音樂 人類社會從什麼時候開始有了音樂，已無法查考。但從古至今在音樂中卻沒有國界之分和種族之別，所謂樂器，就是奏出音樂的工具。如前所述，音樂的起源是以聲帶為樂器的「歌唱」，但人類伴隨著智慧的發展，開始了使用工具。不僅利用聲音唱歌，而且在管上鑿孔或者張弦撫弄以奏出音樂作為游戲，這就產生了樂器 。 一、弦樂器的起源傳說: 墨丘利（Mercury）是希臘神話中諸神的使神。據說他在尼羅河畔散步時，腳觸一物發出美妙的聲音，他拾起一看，發現原是一個空龜殼內側附有一條乾枯的筋所發出的聲響。墨丘利從此得到啟發，而發明了弦樂器。雖說後人考證在墨丘利以前就已經有了弦樂器，但也可能是由此得到了啟 發。 二、管樂器的起源傳說: 中國古代歷史記述了距今五千年前的黃帝時代，有一位名叫做伶倫的音樂家，他進入西方昆化山內采竹為笛。當時恰有五隻鳳凰在空中飛鳴，他便合其音而定律。雖然這一故事也不能完全相信，但是，可將其看做是有關管樂器起源的帶有神秘色彩的傳說。 三、中國古代音樂: 中國最初的帝王——黃帝，是五千年前創造了歷法和文字的名君。當時，除了前述的伶倫之外，還有一位名叫「伏羲」的音樂家。據說伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。他彈奏了張有五十弦的琴，由於音調過於悲傷，黃帝將其琴斷去一半，改為二十五弦。 此外，在黃帝時代的傳說中，還有一位名為神農的音樂家，他教人耕作，並發現了醫葯，據說是牛首人身。他創造了五弦琴，如果設想當時的音樂是使用五聲音階，那麼這是理所當然的。 論及古代中國音樂的書籍，據說為數不下三百種之多
④ 黃自創造了中國音樂史的哪幾個第一
黃自創作了我復國第一部交響音樂；制
黃自的《懷舊》是「中國第一部在國外首演並獲得好評」的交響音樂；
黃自是我國第一位在國外獲得作曲學位的音樂家；
黃自的《懷舊》是中國的交響樂隊演出的第一部中國的交響樂；
黃自籌建了我國第一個管弦樂團——上海管弦樂團並任第一任團長；
黃自創作了我國第一部清唱劇《長恨歌》。
⑤ 歷史上是誰第一個創造了音樂
關於人類社會音樂的起源可以追溯到非常古老的洪荒時代。在人類還沒有產生語言時，就已經知道利用聲音的高低、強弱等來表達自己的意思和感情。隨著人類勞動的發展，逐漸產生了統一勞動 節奏的號子和相互間傳遞信息的呼喊，這便是最原始的音樂雛形；當人們慶賀收獲和分享勞動成果時， 往往敲打石器、木器以表達喜悅、歡樂之情，這便是原始樂器的雛形 我們的生活離不開音樂，但到底是誰發明了音樂？關於這個問題的答案，幾千年來，有許多種說法。 有人說，音樂是神創造的。古希臘有個哲學家拉柏圖認為，音樂家「只是神的代言人」。天上有個主管音樂與詩詞的繆斯女神，她附在音樂家的身上，給音樂家以靈感，召喚音樂家去創作，於是人間才有了音樂。中國古書《山海經·大荒西經》說，夏禹的兒子夏後啟是個半人半神的英雄，天帝非常敬重他，經常邀他上天赴宴，而每次宴請時都要演天樂助興。天樂極其美妙動聽，夏後啟把它偷偷記下帶回人間，於是，人間就有了音樂。 有人說音樂起源於摹仿。古希臘哲學家德謨克利特說：「從蜘蛛那裡我們學會了織布和縫針；從燕子那裡學會了造房子；從天鵝和黃鶯等歌唱鳥那裡學會了唱歌。」我國古代也有這種說法，《呂氏春秋·古樂》一書中說，音樂起源於「聽鳳凰之鳴」，「效八風之音」。 有人說音樂起源與游戲。英國哲學家斯賓塞認為，人是高等動物，不同於一般低等動物。低等動物要把全部精力用於維持和延續生命，而人類則在維持和延續生命之外，還有過剩精力，於是在游戲中便創造了音樂。 那麼到底是誰創造了音樂藝術呢？我國著名音樂家揚蔭瀏所著中國古代音樂史稿》一書中說：「音樂起源於勞動。」這個回答完全符合馬克思提出的「勞動創造了美」這一美學論斷。恩格斯說：「只是由於勞動……人的手才達到這樣高度的完善，在這基礎上，它彷彿憑著魔力似的產生了拉斐爾的繪畫，托爾瓦德森的雕刻以及帕格尼尼的音樂。」 早在兩千多年前，我國就有人注意到，歌曲是出於勞動的呼聲。劉安在《淮南子》一書中說：抬大木的人，前面的人喊出「邪許、邪許」的聲音，後面的人也跟上去喊著，這就是在抬重物的勞動中所產生的歌曲。我國偉大的文學家魯迅在《門外文談》中說：「我們的祖先原始人，原是連話也不會說的，為了共同勞動，必須發表意見，才漸漸地練出復雜的聲音來，假如大家抬木頭，都覺得吃力了，其中有一個叫道『杭育杭育』，那麼，這就是創造……」 總的來說，音樂不是神創造的，而是人類創造的，是人類在勞動中創造並發展起來的。
記得採納啊
⑥ 音樂史怎樣產生的
.中國音樂的發展
中國音樂的發展可以大致分為三個時期：
中國音樂的形成期（約公元前21世紀至公元3世紀），包括從夏、商、西周到春秋、戰國、秦漢。這一時期為中國音樂以後的發展奠定了基礎，其最具有代表性意義的音樂藝術形式是鍾鼓樂隊。
中國音樂的新生期（約公元4世紀至10世紀），包括從魏、晉、南北朝到隋、唐。中國音樂在這一時期發生顯著變化，開創了音樂國際化的新樂風。一方面世界音樂為中國音樂的發展做出了貢獻，而另一方面中國音樂也開始走向了世界化。
中國音樂的整理期（約公元10世紀至19世紀），包括遼、宋、金、明、清。這一時期的音樂文化與普通的平民階層保持著密切的關聯，呈現出世俗性和社會性的特點。其代表性音樂藝術形式是戲曲藝術及其音樂。
⑦ 音樂發展史
1.印象主義：開創人是法國作曲家德彪西（1862~1918），代表作有《大海》等。
2.原始主義：代表人物是俄國作曲家斯特拉斯基（1882~1971），代表作有《俄狄浦斯王》等。
3.表現主義：代表人物是奧地利作曲家勛伯格（1874~1951），代表作有《變形之夜》等。
4.神秘主義：創始人是俄國作曲家斯克里亞賓（1872~1915），代表作是《極樂之詩》。
5.微分主義：代表人物是捷克作曲家哈巴（1893~1973），代表作是《願您的天國降臨》等。
6.真實主義：代表人物是義大利作曲家普契尼（1858~1924），代表作為《來自西部的女郎》。
7.浪漫主義：代表人物是德國作曲家理查•斯特勞斯（1864~1949），代表作是《家庭交響曲》。
8.序列主義：代表人物是奧地利作曲家韋勃恩（1883~1945），代表作有《樂隊曲五首》。
9.擊樂器主義：代表人物是法國作曲家瓦列茲（1883~1965），代表作有《赤道》。
10.新即物主義：代表人物是德國作曲家興德米特（1895~1965），代表作有《畫家馬蒂斯》。
西方音樂的流派。
巴羅克音樂。「巴羅克」一詞源於葡萄牙語barrôco，詞意是「不規則的珍珠」。現通常用來指大約17世紀初至18世紀中葉歐洲藝術所經歷的一個時期或它的風格，即崇尚富麗堂皇、精雕細琢，有別於文藝復興時期庄嚴、明凈、均衡、和諧的風格。巴羅克音樂的主要特點為：在各聲部相對獨立的復調音樂主題中融合了突出主旋律的主調音樂織體。巴羅克時期最重要、最著名的兩位作曲家是巴赫（1685－1750）與亨德爾（1685－1759）。
古典主義音樂。18世紀下半葉至19世紀歐洲音樂家的思想與創作，受「啟蒙運動」的深刻影響。這一時期的音樂作品都鮮明地體現著「自由」、「平等」、「理性」的進步思想和美學原則。海頓、莫扎特和貝多芬三位大師，先後以維也納為生活、創作的中心地，他們之間有著內在深刻的繼承關系，並對歐洲音樂史產生了久遠的影響，被後人稱為「維也納古典樂派」。這一時期音樂的特徵主要表現為：音樂語言的精煉、樸素、親切；形式結構的明晰、勻稱；音樂中的矛盾沖突因素逐步加強和深化；和民間音樂的更密切的聯系等。
浪漫主義音樂。浪漫主義是19世紀歐洲資產階級民主革命和民族革命時期的一種文藝思潮。浪漫主義音樂的藝術主旨是表現個人的感情和幻想，尤其強調個人主觀的體驗。作曲家們追求姊妹藝術之間的互相融合，並著力挖掘和發揮音樂的更多方面的表現性能，從體裁形式到具體表現手段都有革新與突破。標題音樂、交響詩等都是這一時期的產物。浪漫主義音樂的代表人物主要有：韋伯、舒伯特、門德爾松、舒曼、李斯特、瓦格納、馬勒等。
民族樂派。民族樂派是浪漫主義音樂的一個分支，其美學觀點和創作方法和浪漫樂派完全一致，作品強調反映祖國歷史、民族性格和民族文化，突出民族民間音樂的體裁形式和風格，常採用本國的民間故事和文學作品為題裁，採用民族民間音樂素材創編音樂主題。民族樂派主要興起於當時音樂不很發達的歐洲國家，主要代表人物有俄羅斯的格林卡、穆索爾斯基，捷克的德沃夏克，匈牙利的巴托克和科達伊，挪威的格里格，芬蘭的西貝柳斯等。
現代音樂。從19世紀末葉至20世紀60年代，西方音樂不再象古典主義和浪漫主義時期那樣，有一個基本的共同點，而呈現出多潮流、多風格的五光十色的情狀。其影響較大的派別有：以德彪西為代表的印象派；以勛伯格等為代表的表現主義，創造了無調性的12音序列體系，給傳統調性音樂以空前強烈的沖擊；斯特拉文斯基等為代表的新原始主義和新古典主義，強調解放不協和音響、突破傳統節奏系統、超越傳統音色組合規范；以梅西安等為代表的全面序列主義音樂，將音樂的全部要素納入序列計算體系，形成高度理性化的、非形象化的音樂。在這期間還產生了噪音音樂、微分音樂、偶然音樂、隨機音樂等多種新潮派。
後現代主義音樂。20世紀70年代以來，出現了近似「回歸」的傾向，主要表現為：綜合運用傳統和現代的表現手法，注重情感表達的新浪漫主義；主張用盡可能少的材料、盡可能多的重復創作現代音樂的簡約派；將現代主義音樂與各民族流行音樂、民族傳統音樂結合的第三潮流音樂。
此外，隨著20世紀科學技術的發展，電子音樂在藝術生產與消費過程中扮演著越來越重要的角色。從40年代末第一首電子錄音帶音樂作品的問世，60年代合成器音樂的興起，直至80年代以來計算機音樂的迅速普及與發展，電子音樂不斷擴展著音樂藝術的表現手段和領域。
⑧ 音樂的發展史
第六章 浪漫主義音樂
一、音樂中的浪漫主義: 浪漫主義這一詞的含義，原來是指用羅曼語（Roman）書寫的故事，進而專指長篇小說或騎士故事，後來也包括傳奇小說等。浪漫主義在藝術上的興起，首先出現於十八世紀的文學中。在作品裡，將一切個人的感情、趣味和才能完全不受限制地表現出來。就是說，作曲家強烈地表現出自己的癖好。這與受形式支配的古典主義在理論上相對立。古典主義的音樂是線條式的而且是鮮明的，浪漫主義的音樂富於色彩和感情，含有許多主觀、空想的因素。然而，這只是原則上的區別，實際上在古典主義音樂中，已含有浪漫主義的因素，而浪漫派的作品中，也多有古典式的內容。
二、浪漫主義音樂的形成 : 初期浪漫主義音樂與其它姊妹藝術一樣，發自歐洲「啟蒙時代」的思想與同法國大革命有關的自由民主思想，比文學中的浪漫主義約晚數十年。貝多芬的晚期作品已成為初期的浪漫主義的先驅，其後的作曲家們都可劃分為浪漫派。從時代上來說，十九世紀中葉是其全盛時期。
三、浪漫主義音樂的代表人物: 事實上，在古典派作曲家貝多芬、羅西尼和韋伯的後期作品中，就已經明顯地流露出浪漫主義音樂的風格，正是他們開創了浪漫派的先河。
1800年前後出生的作曲家們，形成了初期浪漫主義的中心。作為代表初期的浪漫派作曲家，可舉出舒伯特和柏遼茲這兩人。他們都是從格魯克、海頓、莫扎特和貝多芬的傳統出發，而又各自形成了自己的流派。後來，浪漫主義音樂經過門德爾松、舒曼、肖邦和威爾第等人的進一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格納的時代達到了高峰，這一系列作曲家、鋼琴家構成了中期浪漫主義的中心。至於馬勒、理查·施特勞斯和拉赫瑪尼諾夫等近代名家的作品，則在音樂史上歸於晚期浪漫主義音樂。
四、浪漫主義音樂的歷史地位 : 浪漫樂派在音樂史上的地位不言而喻，不但這一時期盛產偉大的音樂家，而且音樂體裁空前廣泛，出現了諸如無詞歌、夜曲、藝術歌曲、敘事曲、交響詩等新穎、別致的形式，是人類藝術史上的一個「寶庫」。
浪漫主義音樂也是一座橋梁：韋伯接受了格魯克和莫扎特的傳統，傳至近代的瓦格納；舒柏特在器樂方面是貝多芬的繼承人，但是他的浪漫主義藝術歌曲，經過舒曼和沃爾夫傳到現在；柏遼茲的標題音樂出自貝多芬的《田園》交響曲，後來又與近代法國的印象主義發生聯系。
第七章 民族樂派
一、民族樂派的形成 : 在十九世紀中葉，東歐、北歐和俄羅斯的許多音樂家雖然深受西歐浪漫主義音樂創作的影響，但他們實際上更重視具有本民族特色的音樂創作，因而此間產生了一大批表現本民族的國民性格、願望和生活的優秀音樂作品。正是他們，建立和發展了這一相對獨立的音樂派別——民族樂派。這一樂派並不屬於某一時間范圍，而是由於這一樂派具有共同的美學准則，而在音樂史上劃歸為一個整體。
狹義上的民族樂派僅包括四位代表人物，即捷克音樂家斯美塔那、德沃夏克和挪威音樂家格里格以及芬蘭音樂家西貝柳斯。廣義的民族樂派范圍稍大一些，除了上述四位音樂家之外，還包括俄羅斯音樂家格林卡和俄羅斯「強力五人集團」（巴拉基列夫、里姆斯基-柯薩科夫、穆索爾斯基、鮑羅丁和居伊）。有的音樂理論家甚至認為俄羅斯音樂家柴科夫斯基、波蘭音樂家肖邦和匈牙利音樂家李斯特等人應兼屬浪漫樂派和民族樂派。
可以這樣說，只要一個作曲家把他的音樂建立在他本國的民間歌曲和舞蹈上，或者努力用各種音來表現它的傳奇或風景的時候，他就是在創作叫做民族主義音樂的東西。
二、俄羅斯民族樂派: 俄國是一個廣闊的國家，覆蓋著整個地球表面的六分之一。在北方，亞麻色頭發的巨人們，唱著孤獨的歌曲，在冰海里打魚，並且在冰凍的海里獵貂來為世界上的名國王子做皮袍。在南方，深色皮膚的人們從亞細亞來到這些山裡，帶著他們那些古怪的、粗野的舞蹈。這一貧富分化、內戰連綿不斷的民族，古往今來都給人以「多災多難」的印象，正是這樣的命運，使這一民族具有了獨特的性格：深沉而憂郁的氣質、熱情奔放的民間文化、爭強好勝的民族精神。
從「俄羅斯音樂之父」格林卡開始，經過「俄羅斯樂聖」柴科夫斯基，一直到本世紀不斷活躍在音樂界的不計其數的俄籍作曲家、演奏家、指揮家，他們創作或表達的音樂語言，無不滲透著俄羅斯民族的精華。
三、捷克民族樂派 : 捷克這一國家處於中歐和東歐交界之處，境內山川縱橫，景色優美，民族舞蹈也兼有中歐和東歐的特色。從斯美塔那和德沃夏克這兩位大音樂家的作品中，可以真切地感受到他們對於自己祖國的無限熱愛和眷戀。他們的作品深受本民族舞蹈音樂的影響，用濃厚的色彩、深情的筆觸描繪了祖國的山川大地等自然景色。
除了兩位大師以外，捷克還產生了諸如菲比赫（1850－1900）、傑那克（1854－1928）、蘇克和德爾德拉等著名音樂家。
四、北歐民族樂派 : 這一樂派也稱為「斯堪第納維亞民族樂派」，其代表為格里格和西貝柳斯。
挪威的格里格深受浪漫主義音樂的影響，結合本民族音樂的精華，形成了自己獨特的風格。他的作品以描寫自然為主，雖然充滿民族音樂特色，卻從不照搬任何一首民歌的旋律，而是把激情融於創作，從真實的創作中體現出民族性格。
芬蘭的西貝柳斯則是一位充滿愛國激情的音樂家，他的重要作品大多反映出爭取民族獨立的傾向，具有強烈的號召力和鼓動性。他崇尚貝多芬，作品中常表露出類似貝多芬音樂性格的「斗爭性」。後人認為，西貝柳斯是繼貝多芬之後最重要的交響樂作曲家。
五、其他民族樂派: 每個國家的民間音樂中都有一些不同於世界上任何別的國家的曲調和節奏。例如：一旦我們逐漸熟悉了西班牙的音樂，以後再聽到那些以響板和腳跟舞的咔嗒聲為標志的令人興奮的節奏，我們就絕不會誤認它是任何別的音樂。西班牙是舞蹈的國土，像探戈舞、霍塔舞、波勒洛舞、阿拉岡涅茲舞、瑪拉歸納舞——似乎有一種魅力，而且這類音樂感染了許許多多的作曲家們。偉大的西班牙作曲家法雅、阿爾貝尼茲、格拉納多斯以及被後人譽為「吉它音樂史上的肖邦」的吉它演奏家泰雷加等人，都在創作中大量融入了西班牙民族音樂的特色，成為西班牙民族樂派的奠基人。
到本世紀上半葉，和西班牙民族樂派密切相關的拉丁美洲民族樂派也對世界音樂發展產生了深遠的影響。其中代表人物為墨西哥作曲家龐塞、巴西作曲家魏拉-羅伯斯、委內瑞拉作曲家勞羅等人。
第八章 近代音樂 : 從十九世紀末到第一次世界大戰之前，在音樂史上可稱為「近代音樂」時代。在這一時期，以印象主義音樂為代表的幾種音樂流派，實現了音樂史上從晚期浪漫主義向二十世紀現代音樂的過渡。
一、印象主義音樂的形成: 印象主義音樂產生於十九世紀末，是受「象徵主義文學」和「印象主義繪畫」的影響而出現的一種音樂流派。這一流派的音樂家與此前的浪漫主義音樂家有很大區別，他們並不通過音樂來直接描繪實際生活中的圖畫，而更多的是描寫那些圖畫給我們的感覺或印象，渲染出神秘朦朧、若隱若現的氣氛和色調。
集印象主義音樂之大成的兩位音樂家都是法國人，即德彪西和拉威爾。此外，法國作曲家杜卡和義大利作曲家雷斯庇基也是印象派音樂的代表人物。
二、法國印象主義音樂 : 象別的法國作曲家的作品一樣，德彪西的音樂是標題音樂而不是絕對音樂。十九世紀末，在法國有一派叫做「印象主義者」的畫家和詩人，因此法國著名作曲家德彪西力圖用音樂來達到「印象主義者」用繪畫所達到的同樣效果。這種印象主義藝術家所畫出的並不是生活的美，而是夢幻的美，象彩虹的終端的一大堆金子那樣的遠處的美。在使用新的和聲和音樂方面，德彪西是現代音樂的先驅。
德彪西建造他那古怪的、非塵世的音樂，主要採用的就是完全沒有半音關系的「全音階」和許多在空氣中根本聽不見其振動的「泛音」。他還在管弦樂隊里使用各種樂器的不同組合來發出柔和的帶有閃爍性的音響效果。起初人們還被他的音樂所困惑，並且不知道怎樣理解它，但是一旦他們聽慣了，就會非常喜歡它。
仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同族拉威爾了，但是拉威爾並沒有象德彪西那樣對全音音階和聽起來奇怪的和弦使用得那麼多。大概從來也沒有另一個作曲家象他那樣更懂得如何從管弦樂隊里抽取這么多音色的深淺明暗度的了。例如在《波列羅舞曲》中，那節奏從頭到尾都是一樣的，那旋律是重復一遍又一遍。在這首西班牙舞曲形式中的變化和趣味是來自拉威爾對力度的純熟使用（從輕到響或從響到輕的變化）和對音色的巧妙結合。
三、印象主義音樂的影響 : 印象主義音樂是浪漫主義音樂向現代音樂過渡的橋梁之一，雖然這一樂派主要集中在十九世紀末到二十世紀初的法國，但這種風格對於近現代音樂的發展所起的作用是不可估量的。後來的二十世紀音樂中的「表現主義」、「十二音體系」以及「序列音樂」等幾種流派都或多或少地受到印象主義音樂的影響。
第九章 二十世紀現代音樂
在歷史上，從來也沒有一個時期象二十世紀那樣，有這么多的迅速變化。兩次大戰改變了各國的邊界和人們的思想方法，科學正在以令人目眩的速度把我們推向一種尚未為人所知的未來。在反時代精神的策動下，各種藝術，如繪畫、雕刻、文學、戲劇和音樂，正在沖破著各種舊的形式，試圖表現新的生活方式。
一、現代音樂的特點 : 在每個國家，本世紀的作曲家們都在對音樂的諸要素——如節奏、旋律、和聲、曲式——進行著實驗。
本世紀傑出的前蘇聯作曲家肖斯塔科維奇曾經說過，他贊成這樣一種音樂，在其中，所有的主題都絕對不出現重復，每個小節都應當同前面所有的小節完全不同。
許多作曲家都對節奏進行實驗。有的作曲家寫出了既沒有小節線，也根本沒有節奏型的樂曲。其他現代作曲家們正在製造一種音樂，在其中，一個管弦樂隊或合唱隊的兩個部分有完全獨立的節奏。這些現代派也許沒有認識到：這種不同節奏的同時使用早在美國印第安人的音樂里就可以找到。
作曲家們也正在在旋律上，即各音的橫向安排上做出同樣令人驚訝的改變。有些作曲家回到了古希臘人和早年教堂神父們的調式上去，還有的作曲家從東方人的滑行音階那裡取得靈感，將「四分之一音」和比「四分之一音」更小的音程差別運用到了樂曲之中，有些人甚至發明了一架能彈出四分音而不是半音的鋼琴。雖然這種音樂並沒有得到發展，但它的確有助於使音樂家們更注意半音階音樂，即利用所有半音的音樂。這種對半音的運用的最著名的例子是奧地利音樂家勛伯格的十二音音階。在形成一個旋律時，這種十二音音階（由鋼琴上的一個八度范圍內的所有白鍵和黑鍵組成）的每個音都必須逐個用過一次以後才能再用。當然，這種音樂沒有特定的調子，因此被叫做「無調性的音樂」。
至於和聲，即在不同的音同時發音這一方面，也有一些驚人的新發展。那些恢復古代調式的作曲家們往往也重新運用了古代的和聲，例如多少世紀以來，曾經被傳統和聲學認為「用起來太僵硬」和「聽起來太別扭」的平行四度和五度進行。
在現代音樂中，我們還可以發現叫做「多調性音樂」的東西——即同時用兩個調子寫的音樂。例如，一個旋律或主要的主題可能是C調的，而它的伴奏或助奏聲部卻可能是升F調的。
二、美國爵士音樂 : 可以這樣說，在本世紀所有基於民族和社會習俗的音樂中，沒有哪一種比美國爵士音樂具有更廣泛的影響力了。由於它那狂熱的節奏和古怪的不協和音，從某方面講，它似乎是新時代的一種表現。爵士音樂有許多對職業音樂家們產生吸引力的特色，例如其中帶有小三度和小七度的音階，以及基於小三度和小七度音階的七和弦等等。
可是，最具強烈感染力的爵士音樂特色，是它那獨具特色的節奏。在爵士音樂這里，有一種新的切分音——「多節奏性」，即同時有兩種很強烈的節奏型相互對立，例如一個三拍子節奏加在一個四拍子節奏上。這種錯綜復雜的多重節奏顯然是原始民族的音樂特點，因此爵士音樂的興起，無疑是人類對於自然的一種理性回歸，這是本世紀各種藝術形式的共同趨向之一。
職業的音樂家們也被那些不常使用樂譜的、甚至事實上常常不會讀譜的原始爵士音樂演員們所迷住。在一時的沖動之下，這些自發的爵士音樂演員可能在一個旋律上即興演奏出最復雜的變奏曲。
我們在本世紀初美國傑出的作曲家喬治·格什溫的代表作《藍色狂想曲》中，可以找到爵士音樂在節奏上、旋律上和和聲上最好的擴展運用。還有另一位美國當代作曲家格羅菲，也成功地借鑒了爵士音樂的特色，結合他那超凡的配器才能，描繪出一系列美國自然風景的音畫。他那《大峽谷組曲》就是用來表現大自然的色彩和情調感的一個令人目眩的樂器調色的展覽會。
三、樂器方面的變革 : 隨著本世紀電子技術的迅猛發展，音樂藝術也受到很大沖擊，電聲樂器從它的誕生之日起就對傳統樂器提出了挑戰。不過，那些至今已經得到廣泛使用的電子樂器，如電風琴、電鋼琴和電吉他，在音色上並不是新的樂器。頭兩種樂器只是模仿原有樂器的音色，而第三種樂器只是擴大了原來樂器的音量。後來由於電子合成器的出現，人類終於可以演奏出人聲、風雨聲等傳統樂器所不能實現的音色。
對新效果的最戲劇性的追求是在打擊樂器上進行的。從前，打擊樂器幾乎只是由定音鼓組成的，偶然由鼓和鈸加以加強。現在，打擊樂器組已經變成一個任何地方似乎都可以接受的東西——例如一個打字機、一個發電碼的鍵、一個錘子、一張鐵片、或一條沉重的鐵鏈。
四、紛繁復雜的現代音樂流派 : 正如二十世紀的其他藝術形式那樣，音樂藝術也趨向於多樣化，眾多的流派各成一體，都完全脫離了古典的美學傳統。比較典型的幾個音樂流派為：以巴托克、斯特拉文斯基為代表的「原始主義」；以亨德密特為代表的「新古典主義」；以勛伯格、韋伯恩為代表的「十二音主義」；以普羅科菲耶夫、肖斯塔科維奇為代表的「社會主義現實主義」等。本世紀中葉以後，還出現了「序列音樂」、「偶然音樂」、「具體音樂」等略顯「怪異」的全新流派。
無論文學、美術還是電影、音樂等各個藝術分支，許多二十世紀的現代藝術作品剛剛問世之時，總難免遭到非議，其原因或者是與傳統美學相悖，或者是難以理解。但是其中又有相當一部分作品經過時間的推移，逐漸得到人們的認可，而成為現代藝術中的名作。
第十章 未來音樂展望
通過觀察當前音樂的某些傾向，我們就能在某種程度上預測未來的音樂。
一、電腦音樂的崛起 : 電腦音樂的出現大約是在二十世紀八十年代，到今天也不過十多年歷史，但其發展之迅猛，是以前任何一種音樂製作形式所無法匹敵的。
傳統的音樂製作過程大多較為復雜。以前的音樂家在作曲時，要先親自寫好樂曲的總譜，再由專門的抄譜人員按照各個樂器抄好分譜，其後還要請一個與樂曲體裁相應的樂隊來進行排練演奏，作曲家聽過演奏之後，再對不滿意的地方進行反復修改，直到滿意為止。這樣復雜的作曲程序，需要投入大量的時間、精力和金錢，這顯然與日趨緊張的快節奏現代生活不相適應。
本世紀由於電子音樂的出現，終於使作曲家可以在同一個鍵盤上演奏出不同樂器的音色，而錄音技術的不斷提高，使各種音色的合成變得輕而易舉。有了這些工具，作曲家們不必再依賴樂隊了，在一間小小的錄音棚內就可以隨意作曲和編曲。
八十年代以後，電腦技術的日新月異使音樂製作者又多了一件「超級武器」，在電腦硬體方面，高品位、多功能的音效卡層出不窮，不但越來越逼真地模仿出各種樂器的音色，還能模仿出各種音響效果；在軟體方面，各種音樂製作軟體已成為當代音樂家們必不可少的作曲工具，其功能也日趨完全。
電腦音樂剛剛問世之時，即擁有人類所無法達到的「准確性」，這既是它的優勢，也是它的劣勢。過於准確使電腦音樂不具有任何「感情」因素，平淡而機械。但隨著電腦技術的不斷革新，作曲者已經可以隨意調整每一個音符的音量、力度以及樂曲播放過程中的整體速度變化，如今的電腦音樂，已日益具備生命力了。當然，電腦音樂真正走向輝煌的時代，還並未到來。
二、從當前音樂流行趨勢預測未來音樂
可能影響下一代的音樂的一些當前流行傾向是：
1.對旋律、節奏、和聲和樂器學的新形式的實驗反映出新的能源形式和各種新的機械發明對現在和未來生活的有力影響。
2.對音樂的民族性格的更大強調，伴隨著更廣闊的國際聽眾，導致所有國家的人民之間更深刻的了解。
3.通過運輸、交通和音樂復制工作手段的繼續進步而不斷成長著的潛在聽眾。
4.音樂教育的普及不僅協助那些在音樂上有天賦才能的人們達到最高的發展，而且也使我們每個人都能夠分享未來音樂的光榮奇遇。
⑨ 誰能給我講講音樂的發展史
音樂簡史
第一章 音樂的起源
關於人類社會音樂的起源可以追溯到非常古老的洪荒時代。在人類還沒有產生語言時，就已經知道利用聲音的高低、強弱等來表達自己的意思和感情。隨著人類勞動的發展，逐漸產生了統一勞動節奏的號子和相互間傳遞信息的呼喊，這便是最原始的音樂雛形；當人們慶賀收獲和分享勞動成果時，往往敲打石器、木器以表達喜悅、歡樂之情，這便是原始樂器的雛形。
a、弦樂器起源的傳說
墨丘利（Mercury）是希臘神話中諸神的使神。有一天他在尼羅河畔散步，無意中踩到一個東西，那東西發出了美妙的聲音。他拾起來一看，原來是一個空龜殼內側附有一條乾枯的筋。於是墨丘利從中得到啟發，發明了弦樂器。後人考證弦樂器出現在墨丘利之前，但弦樂的發明有可能正是從此得到了啟發。
b、管樂器起源的傳說
在中國古代，距今五千年前的黃帝時期有一位叫做伶倫的音樂家，傳說中他曾進入西方昆侖山內采竹為笛。當時恰有五隻鳳凰在空中飛鳴，他便合其音而定律。雖然這一傳說並不完全可信，但把它作為管樂器的起源也未嘗不可。原始時代的人類，他們的勞動生活，可以說是和音樂為伴而開拓發展，兩者是緊密聯系在一起的。 從這個意義上來說，音樂是直接從人類的勞動生活中產生出來的。
第二章 原始人的音樂
古代的兩河流域（底格里斯河和幼發拉底河），是重要的人類文化發祥地之一。當時富饒的美索不達米亞地區（今伊朗、伊拉克一帶），在公元前四千年已有了較為發達的音樂。當時生活在這一帶的蘇美爾人已有了類似豎琴式的樂器和幾種管弦樂器。在當時的宮廷里已產生了專業的歌手和較大型的樂隊。後來，這些舷冉�囊衾治幕�鸞チ鞔�槳＜啊⑾＠啊⒂《群橢泄�裙爬系墓�齲�⒃謖廡┑厙�玫攪私�徊降牟煌�問降摹⒕哂忻褡逕�實姆⒄埂K淙桓髏褡濉⒏韉厙�囊衾址⒄共瘓∠嗤���浠�鏡姆⒄狗較蚨際怯墒浪滓衾種鸞デ饗蠐謐誚桃衾幀?
第三章 中古時期的音樂
一、中國古代音樂
黃帝是中國歷史上最早的君王，他在五千年前就創造了歷法和文字。當時，除了前述的伶倫之外，還有一位名叫「伏羲」的音樂家。據說伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。他彈奏的琴本來有五十根弦，但由於音調過於悲傷，黃帝把他的琴斷去一半，改為二十五弦。
在黃帝時代的傳說中，還有一位名叫神農的音樂家，據說他是牛首蛇身。神農曾教人耕作五穀，曾遍嘗百草而發現醫葯，還曾經創造了五弦琴。因此可以理所當然地設想，當時的音樂用的是五聲音階。
在中國古代，有關音樂方面的書籍不下三百種。孔子是春秋時期著名的教育家，同時又是一位音樂家，他曾寫過許多論述音樂的隨筆，我們可以在論語中看到他對音樂的一些評論。孔子在古琴方面的造詣很高，他能自己作曲，並把悲哀與歡樂付諸琴韻之中。孔子把琴藝親自傳授給弟子，在他的三千弟子中，通六藝者就達七十二人。他的教學內容，可稱為「詩、書、禮、樂」。「禮」是謂理天地陰陽之秩序，「樂」即取得和諧。在孔子的哲學中，道德與音樂居於同等地位，他提倡的是以音樂來提高品德。另一方面，中國古代的宮廷音樂多為舞樂，即融詩、舞、音樂於一體，與今天的舞蹈是完全不同的。
二、埃及、阿拉伯的古代音樂
古埃及文明是世界上最古老的文明之一。在金字塔內石壁的雕刻上，我們可以看到音樂演奏者的行列，從而想像出當時演奏音樂的盛況。雕刻中有以手指彈奏的豎琴狀弦樂器，還有各種笛類樂器。阿拉伯等地區的器樂也相當發達，很早以前他們就開始使用在一個八度之間分為十七個音名的特殊音階了。
古埃及壁畫：
三、古希臘和古羅馬音樂
希臘音樂的起源也籠罩著一層神秘的色彩。傳說中阿波羅神主管音樂，下轄九位繆斯（Muse）女神，因此音樂也稱為Music或Musik。在希臘樂器中，有一種叫做阿烏洛斯的V字型雙管笛，還有一種叫做里拉（Lyra）的手琴，齊特爾（Kithara）則是一種類似吉它的弦樂器，這些樂器都是從埃及或阿拉伯傳入的。在古希臘人的生活中，音樂的地位是十分顯著的。他們以從埃及和阿拉伯流傳過來的東方音樂為基礎，逐步加以發展和變化，形成了自己的音樂。古希臘的音樂與詩歌和戲劇有著緊密的聯系。在他們那充滿魅力的兩部荷馬史詩和許多著名的戲劇作品中，都體現出了音樂的重要意義。當時社會上一些著名的民間歌手演唱的歌曲，對古希臘音樂的形成和發展，也具有十分重要的意義。
古希臘音樂在許多方面都有著重大的成就。公元前六世紀，古希臘大哲學家和數學家畢達哥拉斯（Pythagoras）用一種稱為弦琴（Monochord）的單弦樂器，首先解釋出純律理論，根據弦的長度計算出了當時所使用的一切音程。畢達哥拉斯音律的發明與應用是音樂理論方面的重大突破。其次古希臘人還發明了字母記譜法。在樂器的製作上也有著許多大膽的革新和創造，發明了一批過去不曾有過的樂器。古希臘音樂不但有器樂伴奏的獨唱抒情曲，而且還有戲劇音樂和舞蹈音樂等形式。 這些音樂一般都是以單音音樂為主，在內容上大多為宗教題材。
古羅馬的音樂主要是沿襲古希臘音樂的巨大成就。當時的音樂主要是在祭神、婚宴以及軍隊凱旋時演奏。公元三世紀以來，古羅馬大肆向外擴張勢力，對鄰近城邦進行野蠻的侵略和掠奪。許多古希臘的優秀樂師和歌手們都變成了古羅馬帝王、貴族和奴隸主的奴僕，因此音樂也就成為專門為統治階級消遣娛樂的工具。但古羅馬的音樂文化並沒有因循古希臘而停滯，一些民間的歌謠、結婚歌曲、士兵歌曲以及音樂舞蹈得到了一定的發展。在不斷的發展過程中，出現了用拉丁語演唱的古戲劇。 另外，軍隊中銅管樂器的出現也是古羅馬音樂的主要特徵之一。
古希臘藝術:
雅典列雪格拉得音樂紀念亭
這種建築是古希臘供陳列體育或歌唱比賽所獲獎品的獨立的紀念性建築物。因此也稱為「雅典得獎紀念碑」。從公元前4世紀起，這類紀念性建築的興起，這是僅留存的一座。這座亭是公元前335—334年間，雅典富商列雪格拉得，為了紀念由他扶植起來的合唱隊在酒神節比賽中獲得勝利而建的。
亭子基部是2�9米見方，高4�77米基座；基座上立著高6�5米的實心圓形亭子；亭子四周有6根科林斯式倚柱。頂部是由一塊完整大理石雕成的圓穹頂，安放獎品；檐壁有浮雕，刻著酒神狄奧尼索斯(巴庫斯)海上遇盜,把海盜變成海豚的故事。
亭子的構圖特色體現了一個法則，即基座和亭子各有完整的台和檐部，各部分形成對比：基座的簡潔厚重與亭子的華麗輕巧形成的對比產生穩定與優美感。它是希臘建築中較早使用科林斯柱式建築物
古羅馬藝術：
伊蘇斯之戰
這是公元1831年從龐貝古城遺址發現的鑲嵌畫,據考證是描繪伊蘇斯之戰,是根據公元前4世紀希臘畫家菲羅克西諾斯的同名壁畫復制而成，從中可見希臘繪畫發展情況。原畫是應雅典統治者卡山德的要求創作，作於公元前310年。
畫中描繪公元前330年秋天,亞歷山大大帝與波斯帝國末代國王大流士三世在伊蘇斯大戰的歷史,是一幅著名的歷史畫。在這次戰役中,亞歷山大大帝把大流士打得丟下母親和妻兒落荒而逃,後來大流士寫信給亞歷山大大帝，表示願以巨款贖回母親妻兒，並將女兒嫁給亞歷山大，但遭到亞歷山大拒絕,依然東侵滅掉波斯帝國。
畫中描繪兩軍大戰，亞歷山大擊敗大流士的場面。畫面只用一棵擊倒的大樹來表示戰爭所發生的環境。畫家集中描繪兩軍對陣，突出描繪波斯大流士和他的士兵，由他們的動勢表明激烈的戰斗情況，整個場面充滿了戲劇性沖突和強烈的戰爭氣氛。
第四章 中世紀的音樂
一、基督教與中世紀的音樂
在中世紀的歐洲，教會的權力高於國家和其它社會集團。當時，一切社會意識形態，包括各種藝術以及哲學在內的各方面都要為教會服務，因此中世紀的音樂藉助於基督教而取得了不尋常的發展。可以說從音樂的全部理論到記譜法，從合唱、合奏到鍵盤樂器的興起及教學，無一不是與中世紀的教會休戚相關的。今天的交響樂和歌劇雖然在內容上絕大部分是描寫世俗的，但它們與中世紀的教會也有著千絲萬縷的聯系。教會音樂，最初是原封不動地採用了從猶太王國傳來的形式，即歌唱聖詩、朗誦聖經，是純粹的聲樂。宗教音樂歷來以聲樂為主，這是因為聲樂有歌詞。與此相反，器樂主要是作為世俗音樂而得以發展起來的。
從原始的單音音樂過渡到復調音樂，是中世紀音樂的重要特徵。此外，中世紀音樂在理論上也有了很大的發展，完成了對位法和線譜記譜法。樂器的發明與製作也有了不小的進展，長號、小號和圓號等樂器在當時已廣為流行，弓弦樂器（如維奧爾琴）也有了普遍的應用。
二、羅馬風格
「羅馬風格」一詞來源於當時的建築用語。羅馬式音樂是世界藝術史上最偉大的紀念碑式的遺產之一。這種音樂既無和聲也無伴奏，它的特徵是以齊唱形式為主，通過教堂天井的迴音而產生庄嚴的和聲感，其純朴、清麗的宗教感情與羅馬風格的教堂建築如出一轍。羅馬式音樂是中世紀時期的重要音樂形式之一，其代表當首推格雷戈里聖詠（Gregorian Chant）—— 一種典型的天主教音樂，它是純粹的單旋律歌唱。在漫長的中世紀里，格雷戈里聖詠對音樂做出了重要貢獻。在格雷戈里聖詠中，已經有了多利亞調式、弗利幾亞調式、里第亞調式、混合里第亞調式等四種教會調式及其變格調式。到了十六世紀，出現了愛奧尼亞調式及多利亞調式，進而演變成今日的大、小調音階。格雷戈里一世時代，曾在羅馬設立過稱為「歌唱班」的教授聖詠的學校，這可謂世界上最早的音樂學校之一了。安普羅修斯（ Ambrosius，340-397）聖詠則收集了在教會中所唱的歌曲，並為教會音樂制定了由七音組成的四種教會調式音階，還創造了對唱等形式。在聖詠中，歌詞極為完美地與語言的語勢、聲調高低和節奏關系結合在一起，它們把宗教感情表達得盡善盡美，可以作為這一時代音樂藝術的總結。
補充內容：中世紀基督教音樂的代表是格列高利聖詠（ Gregorian Chant）。該聖詠出現在 6世紀，因羅馬教皇格列高利（ GregoryI，在任 590－ 604）而得名。據說公元 6世紀時，各地教會音樂並不統一。格列高利一世致力於教會音樂的統一，將原有的各地教會的教儀歌曲、贊美歌等收集、選擇、整理，編成一本《對唱歌集》（ Antiphonarium），並對調式及用法加以規定。格列高利聖詠由大量附有拉丁文歌詞的單音音樂組成。它是一種忠實表達經文的歌曲，其旋律超脫、冷靜、毫無人間的慾念。它並非為欣賞，而純粹是為宗教禮儀所創作，是實用音樂，並不重視聽覺上的美感，或俗樂的誇張。這種聖詠以純人聲演唱，沒有樂器伴奏，不用變化和裝飾音。它也沒有節 線和拍子記號，完全是自由節 拍，歌詞只用拉丁文。格列高利聖詠全都是天主教的禮儀歌曲，只供教士吟唱，會眾不參加唱詩。
格列高利聖詠形成後，迅速傳向各地，特別是在義大利北部、英國、愛爾蘭、法國等地得到了普及發展。直到 14世紀，在天主教會中還只有格列高利聖詠。在今天的天主教會中，格列高利聖詠也常被採用。
格列高利聖詠作為歐洲封建社會初期的主體音樂，可以說是西方音樂文化中的第一朵花。它的發展與整個西方音樂史有密切的關系。在記譜法的研究、音樂理論、復音音樂的興起與發展、音樂學校的成立等許多方面，都要提及格列高利聖詠，即使現代的調式音樂也是以格列高利聖詠的調式為基礎。
格列高利聖詠中最富特徵的旋律不僅長久地保存在中世紀作曲家的創作中，而且還保存在後來許多世紀的作曲家的創作中。我們在巴赫、莫扎特等人的作品中可以聽到這些旋律，如莫扎特的《朱庇特交響曲》、李斯特的《死之舞》，柏遼茲的《幻想交響曲》第 5樂章 、聖·桑的附有管風琴和鋼琴的《 C小調第三 交響曲》、拉赫瑪尼諾夫的作品鋼琴和管弦樂曲《帕格尼尼主題狂想曲》。流傳至今的許多樂曲，如小步舞曲、軍隊進行曲，以及奏鳴曲第一樂章 等，都是由格列高利聖詠擴展而成。二 .產生在基督教背景下的復音音樂復音音樂就是由兩個或更多互相獨立的聲部構成的音樂。這種音樂的產生，標志著西方音樂前進了一大步。復音音樂出現在中世紀基督教的背景之下，是由格列高利聖詠發展而成，其音樂家都是天主教會的僧侶。
此主題相關圖片如下：
「聖詠」調式最初分為八種，即多里亞、下多里亞、弗里吉亞、下弗里吉亞、呂底亞、下呂底亞、密克索呂底、下密克索呂底亞。和古希臘音樂一樣，「聖詠」也是單聲部音樂，庄嚴、肅穆、朴實、寬廣，用拉丁文演唱。「聖詠」的旋律可分為兩類，即朗誦性歌調和旋律性歌調。前者是一種沒有伴奏與和聲，沒有節奏，每個音節時而與一個音符相合，時而又與一組同樣時值的音符相合，彷彿是一首單調樸素的練聲曲。因而又被稱為素歌。
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三、中世紀的世俗音樂
中世紀的音樂是以宗教音樂為主的，當時的音樂活動也只局限於在教堂的范圍內，而民間流行的 世俗音樂是被禁止的。雖然如此，在民間仍有許多流浪歌手和游吟詩人。這些窮困的、社會地位極低的民間藝術家們對於宗教音樂對音樂藝術的桎梏十分不滿，他們利用各種方式在民間廣泛傳播世俗音樂。這種音樂（包括贊美詩、愛情歌曲、牧歌和諷刺歌曲）在形式和內容上都較接近民風世俗，充滿著民間的感情。這種民間的世俗音樂在當時已開始醞釀成為一種潛在的音樂潮流，到「文藝復興」時期，這種音樂潮流隨著社會形態的發展與轉變，逐步取代宗教音樂而成為音樂藝術的主流。
巴黎聖母院
巴黎聖母院始建於公元1163年，一直到公元13世紀才全部建成。
從巴黎聖母院的正面看，純粹的尖拱形建築已形成。整個平面還是十字架形的，但東西長於
南北向。底部是凹進去的三座券門，門內層層線腳中布滿了神的雕像，給整個建築增添了華貴感。代替羅馬式建築的典型巨塔是十字形交叉點上的小尖塔，它的高聳使整個建築顯得更加巍峨。聖母院西邊正面有兩座高聳的巨塔，塔有三層，下面一層設有國王畫廊；第二層中央是一個象徵天堂的玫瑰花形的大圓窗；第三層是可穿行的迴廊。雕刻是聖母院中不可缺少的裝飾，有植物圖案和幻想的怪物；還有彩色玻璃大窗，使建築形成一種恍惚的神的幻境，加強了教堂神聖的宗教色彩。
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第五章 文藝復興前及文藝復興時期的音樂
從十一世紀末到十三世紀末，歐洲發生了十字軍東征事件。這一歷史事件對於東西方文化交流起了巨大推動作用，在音樂方面則表現為游吟詩人、游吟歌手、抒情歌手等人物的出現。他們使用的是類似豎琴的小型手琴或古提琴族內的樂器，他們的演唱涉及情歌、敘事詩式的故事、自然的贊美詩以及宗教和道德等方面的內容。
從十三世紀中後期到十四世紀，哥特風格的藝術在北歐悄然興起，並明顯地表現於建築方面。在音樂中，哥特風格雖然沒有形成代表一個時代的形式，但在起始於奧干努姆（Organum）的復調形式中，卻相當明確地表現出哥特風格的特徵。在十三世紀的經文歌中，除了庄嚴的格雷戈里聖詠的固定旋律外，還有採用舞蹈和愛情歌曲的旋律，配以不同歌詞和拍子共同歌唱的形式。
科隆大教堂
德國的科隆中廳高達48米；從教堂的鍾塔高度看德國的烏爾姆市教堂高達161米。其次是形體向上的動勢十分強烈，輕靈的垂直線直貫全身。不論是牆和塔都是越往上分劃越細，裝飾越多，也越玲瓏，而且頂上都有鋒利的、直刺蒼穹的小尖頂。不僅所有的券是尖的，而且建築局部和細節的上端也都是尖的，整個教堂處處充滿向上的沖力。這種以高、直、尖和具有強烈向上動勢為特徵的造型風格是教會的棄絕塵寰的宗教思想的體現，也是城市顯示其強大向上蓬勃生機的精神反映。如果說羅馬式以其堅厚、敦實、不可動搖的形體來顯示教會的權威，形式上帶有復古繼承傳統的意味，那麼哥特式則以蠻族的粗獷奔放、靈巧、上升的力量體現教會的神聖精神。它的直升的線條，奇突的空間推移，透過彩色玻璃窗的色彩斑斕的光線和各式各樣輕巧玲瓏的雕刻的裝飾，綜合地造成一個「非人間」的境界，給人以神秘感。有人說羅馬建築是地上的宮殿，哥特建築則是天堂里的神宮。
鑲嵌玻璃窗
與哥特建築一起應運而生的是優美的彩色玻璃窗畫。這種畫也成為不識字信徒們的聖經。圓形的玫瑰窗象徵天堂，各式聖者登上了色彩絢麗的玻璃窗，酷似豐富多彩的舞台畫面。當人們走近教堂不僅產生對天國的神幻感，也產生裝飾美感。由於它是玻璃畫能依靠光線的穿透而生艷，以其光色的奇妙而引人入勝。哥特式雕塑是教堂建築不可缺少的裝飾，它的人物形象開始保持獨立的空間地位，追求三度空間的立體造型，力求符合真實的形象，追求自然生動的塑造，使人體逐漸豐滿起來，衣褶也隨之有了結構的變化，使人感到衣服裡面是實在的人體。雕像不再是人的外形的模似，而是有血有肉的人了。哥特式建築上多採用圓雕和接近圓雕的高浮雕。
哥特式藝術接近生活和寫實，遍布歐洲，因此也稱國際哥特式風格。晚期的哥特式藝術已明顯孕育著文藝復興的到來。
十四世紀下半葉，歐洲的社會意識形態開始發生深刻的變化。一些先進的、具有推動意義的新思想醞釀並逐漸傳播開來。其中最有代表性的即人文主義思想。人文主義主張以人為本，人是社會的主宰而並非是神。頌揚人類對生活的熱愛以及人類的智慧，相信人的力量能戰勝一切。提倡人性，反對中世紀的 禁慾主義。在人文主義思潮的影響和推動下，歐洲發生了一場涉及政治、文化等多方面的深刻的變革——「文藝復興」運動。繼文學、美術等文藝形式之後，音樂也進入了「復興」時期。這一時期的音樂，世俗音樂越來越佔有更加重要的地位。音樂作品中對於人的內心世界以及自然美的描寫變得十分突出，以此形成了全新的音樂風格，並產生了眾多的器樂體裁和歌劇形式。一些富有個性的作曲家如帕勒斯蒂里那、拉索、蘭迪諾、杜法伊和蒙特威爾第等人進行著卓越的音樂活動。他們的創作充滿著新音樂的傾向，具有重要的開拓意義。在這個時期里，音樂藝術是全面發展的，當時的復調音樂在 十六世紀已發展到黃金時代。音樂理論在這時期也趨向成熟：大小調的調性體系已基本確立；和聲的功能體系也正在萌芽和發展中；記譜法已由字母法和符號法轉為二線譜、四線譜直至五線譜；對位法的應用也已到了十分豐富的程度。這一時期中，器樂的獨立性越來越強烈；樂器的發展也逐步加快了步伐。當時的古提琴、短號、小號、長號、管風琴和琉特琴等樂器都已活躍在音樂舞台上，而文藝復興後期小提琴和古鋼琴的出現，更使音樂藝術增添了耀眼的光彩。
第六章 巴洛克時期的音樂
一、巴洛克風格
音樂的巴洛克時期通常認為大致是從1600年至1750年，即從蒙特威爾地開始，到巴赫和亨德爾為止。1750年，對位法大師約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的與世長辭，標志著巴洛克巔峰的對位法音樂的終結，也標志著巴洛克時代的終結。之所以稱這一時期為巴洛克，是由於一時期音樂表達的技術及方式基本上有它一定程度的共同點，所以用此名詞來標志，並無特殊的意義。巴洛克（Baroque）一詞來自法語，追本溯源是葡萄牙語barroco，意謂形態不圓的珍珠。是巴洛克末期評論家們在評論此一時期的音樂時所首先使用的，而且一般含有貶意，指粗陋曲、奇異的、誇張的音樂。巴洛克之後古典主義時期的音樂家們趨於將音樂語言簡化和規范化，在他們看來，巴洛克音樂過於誇飾而不夠規范。因此巴洛克一詞被評論家用來指十七世紀及十八世紀前期的藝術及音樂作品。現在，隨著時間的推移，我們可以用更為深入和細致的歷史眼光來看待這一時期的音樂，巴洛克不復有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前後的音樂作品，它確實存在著誇飾和有些不太規律化的特徵。
文藝復興時期的藝術講究清晰、統一和協調。但至十六世紀末期，藝術中感情的因素日益增加，明凈清澈和完美的形式被表達感情的需要所壓倒。在美術中可以從卡拉瓦喬（1573-1610）的色彩濃烈的、戲劇性的繪畫中看到。在音樂上我們也早已從馬倫齊奧、傑蘇阿爾多的牧歌以及道倫德的古歌曲中看出端倪，而他們的下一代則更往前發展了。要製造出這些強烈的效果，必須發展一種新的音樂風格。一般地說，文藝復興時期平穩的復調音樂已不適合新時期所需要的特色。巴洛克時期最重要的創造就是「對比」的概念。文藝復興時期的音樂 進行流暢，各個聲部（通常為四至五個聲部）相互交織，同步進行。1600年以後這種織體日漸少用，只有在教會音樂中才能見到，這是因為教會音樂受傳統及固定的禮拜禮式所束縛，因此是最為保守的。
卡拉瓦喬的「基督下葬 」
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作品簡介：這幅祭壇畫最初是聖馬利亞·德拉·瓦里契拉教堂的訂件。描繪的是基督被釘死十字架 後，由約翰、尼哥底母、聖馬利亞與基督的兩個女信徒給他下葬的悲劇場景：微弱的光線只 照亮岩洞的一塊大石板。在一片昏黑的背景前，約翰與尼歌底母慢慢地把耶穌赤裸的屍體放 入墓中。背後站著耶穌的母親馬利亞與兩個女信徒。耶穌的屍體被光線照得透亮。整個場面 儼然一個陣亡英雄或戰士的下葬情景。耶穌的軀體畫得強壯結實。臉上也顯出剛毅的意志力。 一張留短黑須的臉十分安祥。氣氛肅穆，悲愴而庄嚴。 畫家運用准確的解剖技巧表現了肌肉發達的屍體。唯有耶穌垂落的一隻手提示他已沒有 生命。但這只下垂的手與被抬起的雙腿，在畫面上構成平衡的光感。尼哥底母在這里是卡拉 瓦喬重點刻畫的形象。傳說他是法利賽人。曾於夜間見過耶穌，和耶穌談論過人可否重生的 問題。耶穌被釘死後，他前來幫助埋葬。畫家把他描繪成一個上了年紀的農民形象。並把他 畫在前景主要位置，尤其展示了他的一雙赤裸的大腳。為了加強整個形象的穩定性，這兩只 腳在前景上起著平衡作用。 在這里，除前景上耶穌屍體與尼哥底母的生動形象外，後面三個婦女形象也處理得很有 節奏，尤其是雙手高舉、臉上表現了悲痛欲絕的心情的抹大拉，她給畫面增強了悲劇性。她 哭腫了雙眼，嘴唇半張，似在呼天搶地。聖母包著頭巾，臉容消瘦，她從約翰的肩後伸出一 只右手。這只手被光照射著，因而使分布在右邊的受光部分取得均衡。同時這只掌南螄碌?手又起著對這幕下葬悲劇的指揮作用。 中間一個馬利亞形象畫得很美。她顯得楚楚動人，嬌弱可愛。她是拉撒路的姐妹。一個 質朴的農家姑娘。她正低著頭，沉浸在悲痛之中，右手用手帕緊擦著眼淚。梳著中間分縫的 並在腦後盤上小辮的發式，更使人感到這個形象的寫實性質。所有人物，除了約翰的臉部沉 入半陰影中外，都有清晰的受光部位。畫家的典型構思是作了一番精心考慮的。 在色彩上，衣服的紅、藍與皮膚的蒼白也形成了一種鮮明的色調對比。這使英雄下葬的 悲愴氣氛，與四周的黑暗構成了強烈的沖突。當這幅畫公展時，不僅使卡拉瓦喬的崇拜者心 悅誠服，連他的宿敵也不得不承認畫家的高度藝術修養。此畫現藏羅馬梵蒂岡繪畫館。
「對比」可以表現為各個不同的方面：音的高與低；速度的快與慢（快與慢的段落對比或快慢聲部間的對比）；力度的強與弱；音色的不同；獨奏（唱）與全奏（合唱）等等。所有這些都在巴洛克時期的音樂結構中存在，各有它們的地位。許多巴洛克時期的音樂家使用協奏曲或復協奏曲形式（此詞本身意味著明顯的對比因素），這種形式的基本特點是織體的變換，有時用一個聲部 （獨奏）或幾個聲部，有時用較大的群體合奏。