創造亞當素描

㈠ 問一個著名的藝術品名字，忘了是雕塑還是油畫，兩個人物半裸手指尖觸碰

p是丟勒的素描吧，所謂的「祈禱的手。」百度圖片上面的人。簡介

？杜勒（弟弟Albrecht Durer ,1471-1528）

德國畫家，版畫家和版畫設計師。

教養院男孩跟著他的父親，他的畫表現出特別的天賦，13歲就可以畫自己的肖像寫實人像畫的他的父親在19歲時已經充分展現了他成熟的素描功力可回盪著了？芬奇。在畫家赫爾穆特·沃格特（Michaaeel Wolgemut）後來為三年。大型車間沃格穆特也就是丟勒的教父，印刷商和出版商？科貝特爾格安東（安東Koberger）製作木刻插圖。當時，丟勒的這個最大的工廠曾在他的童年初次接觸到銅技巧有很大的影響，對他這種持久耐用的不朽的印象，後來在藝術創作版畫起到了決定性的作用的發揮。之後，該師是充滿了年輕藝術家走出畫室之旅沿著萊茵河，德國主要的工業城市，去法蘭克福，科隆和巴塞爾參觀。旅遊游學四年藝術家的世界觀形成的藝術和發展起到了決定性的作用。 23歲的丟勒是一個有影響力的藝術家在今年，一個音樂家的女兒和他的家鄉Egeliesa？弗拉基米爾結婚黃奕，之後丟勒作為首飾匠和畫家開始獨立工作。

1485年，人文主義對紐倫堡丟勒的改革即將進入公立小學前夕的影響下，德國的教育。按照他的家庭傳統，父親讓兒子在他的車間當學徒，他要發展成為一個珠寶工人。丟勒積累了最初的車間培訓，繪畫，並很快掌握這門藝術，這成為他在藝術活動的基礎上，丟勒有必要學會工藝飾品裝飾藝術，他們開始復制藝術家的肖像，但也？馬丁的雕塑，這是他想創造一個藝術家的條件Sangengue副本。十三歲第一次丟勒雕自畫像用針和彩繪，寫道：。 「1484年，當我還是個孩子，我看著鏡子畫了他的」鋼筆畫他的第二年。 「聖母瑪利亞和天使」在第二片最早的作品之一的寶座，這幅畫被保存。

在繪畫的學習過程中，對字的結構和規則丟勒的繪畫很感興趣，於是就問他的父親，讓他成為一名畫家。遵守他的父親，兒子的意願，曾經去過紐倫堡畫家邁克爾？瓦爾蓋默特附近的工作室，合同規定學徒三年。教師的工作丟勒副本，也漸漸學會了多種繪畫技巧，與自然，人與植物開始研究的對象，並開始嘗試創作。它也仔細研究色彩的調配和使用，所以當他的學徒能夠遵循藝術規律，進行創建。經過二十二歲丟勒結婚，在離家不遠的地方正式成立工作室，開始繪畫肖像。

後來，丟勒完成了第一個偉大的傑作---畫作「現代啟示錄」木刻。這啟示錄起源於羅馬帝國尼祿神秘的幻想王朝舊基督教。他製作了一套15件不朽，人的行為在十五世紀葉，由於世界末日的到來感到無助的恐怖和失望。當時，德國是資產階級和手工業者，農民和爭取人民之間的激情澎湃，最後發展成許多宗教，政治和革命群眾運動的封建領主，飢餓和剝削之間的斗爭之間的斗爭。丟勒願意支付的現實啟示幻想形象，給這些幻想與道德力量。有幾個繪畫，掩飾不住的統治勢力進行了批評自己的意見，大家的良心。

因為「啟示錄」出版，丟勒被評為偉大的當代藝術家的光榮行列。弗雷德里克並邀請他繪制第二幅祭壇。 1498杜勒活力和信心得到早期的聲譽。畫一個自畫像穿著豪華的衣服。 （現有馬德里的普拉多博物館1514年3月19日，丟勒兩個月前在他母親去世，描繪了一幅肖像他的母親，在這片他創造了他最生動，感人的工作，這是唯一的木炭畫現在已經達到了丟勒的畫像之後母親母親去世5月17日，他質疑了幾句話就畫：「這是杜勒的母親，1514星期二，下午二點祈禱星期前逝世，享年63歲？」他對母親的一生就解釋和愛。

1490年至1507年，他已前往巴塞爾斯特拉斯堡和威尼斯等地，並會見了他心儀已久？喬瓦尼·貝利尼（喬瓦尼·貝利尼），他不僅試圖加強自己的藝術知識水平，並開始學習數學，幾何學，拉丁語，古典文學，以及他與藝術家比交流更加頻繁密切接觸的學者，1512年成為馬克西米利安在安大帝（皇帝Maximilan）帝國的畫家，後來到安特衛普，布魯塞爾，馬林，科隆，密堡，布魯日和根特旅遊，多禮貌。在1521年7月回國，健康狀況惡化，但他仍筆耕不輟，直到他去世。

丟勒為代表的文藝復興時期的北方當德國的歷史是在其最黯淡的時期。混亂的思想和信仰，飢荒和瘟疫（黑病）無情地殺害了大批人的生命，社會矛盾激化，這使德國的文化和藝術鬆弛以外的嚴重衰退與此同時，在義大利，歐洲國家主導，但已經走出了中世紀，到政治，經濟，文化，人文光輝學說的開放和繁榮的時期已經照亮了歐洲大陸。因此，作為一個德國藝術家，丟勒只代表過去在一個落後的國家裡苦苦追求和傳播在歐洲「現代」的先進思想。

的天才少年已經准備好獨自在德國。簡單地說，他的眼睛引進現代文化充滿了好奇和懷疑，和基督般的手指指示指示，不像義大利文藝復興時期的世界歡樂觀看的人，也有來自荷蘭文藝復興時期的頑固關心外面的世界，德國文藝復興時期的人自己正盯著微苦，而這會讓他一個充滿矛盾和前衛的孤家寡人。

作為一個文藝復興時期的人，丟勒相信藝術家必須深入觀察自然，並試圖發現宇宙的秘密，揭示美和表現，但在同一時間，他堅持他的半中世紀的信念，藝術家與藝術一起應該是神的器皿，當大衛在（1501年至1504年）的雕像由米開朗基羅展現人的完美和新的，用相同的高超杜勒創建的Eclipse版畫技法「聖尤斯塔斯」（1501），烈士和奇跡會遇到的場景表現，人間仙境，但他那個時期的代表建立了一個早一點，「現代啟示錄「畫作，其中更多的是對與哥特式的小畫像的教導的內容和表現風格特徵明顯的木刻。

一樣達芬奇，丟勒也具有科學的思維，因而有很深的研究數學和科學的角度，寫了大量的筆記和論文，透視和人體解剖學，他創作了許多作品反映社會現實，他還研究建築學，發明了一種系統架構。杜勒或位藝術理論家，「繪畫概論」的作者和「人體解剖學原理」，他擺脫了德國哥特式藝術的藝術感染力和剋制對人本主義，以現實主義的藝術道路的指引。他是幼稚的版畫藝術臻於完美的支持，他的宗教改革運動，同情農民戰爭的新階段，對這次改革的領導人主動，馬丁·路德·傳單？繪制的插圖版畫和農民戰爭紀念館目的是為了結束自己的創作方式。

其動植物提取達芬奇的素描完全一樣完全離開類似的，但他有各種怪物，「啟示錄」中記載的信念的存在。因此丟勒不僅是畫家，也是一位數學家，機械師，建築專家，他創立了築城理論。 P>保留了他的生命旅行，佔地面積廣，當時的寬視野幾乎沒有人相提並論，但始終保留著一些類型的無知，誰相信人類的理性和知識將成為一個高尚的存在，但不是狹隘的農民完美的人有深刻的意義。

他來自一個家庭的中世紀的工匠和藝術家生活在最貧窮的國家地位，但成為歐洲最獨立和驕傲的藝術家。為「自畫像之父，「他是第一個在歐洲為他們的外觀和身份所吸引的畫家，從而成為倫勃朗的先聲，他已經意識到藝術會多少讓不朽，但他生活的想法，亡是迫在眉睫的追索權，不能得到擺脫身體將被帶到消失的恐懼。對藝術風格，盡管他是追求義大利文藝復興時期的藝術和傳播者，但其置身於德國傳統之一，但它保留了一點許多哥特式的中世紀藝術遺產，而令人驚訝的是第一個表現出一定的巴洛克特色。

丟勒的木刻版畫等作品，包括版畫，油畫，素描和速寫素描作品，以印最有影響力的，他是最好的木刻和銅版畫家，他的主要著作有「現代啟示錄」，「基督大難」，「小激情」，「男人浴室」，「海怪」，「浪盪子」，「大命運」，「亞當與夏娃」，「騎士，神與魔鬼「等他的水彩風景畫是他最偉大的成就之一，這些作品氣氛和情感表現得極其生動。

1523年底，丟勒開始寫自傳，不僅使回顧他的生活，並介紹了他的父母和他的17兄弟姐妹和自己的人生經歷。還活著，只是他的一個兄弟

1525年丟勒的重要著作「藝術指南的措施」。出版，所以他跳出了文藝復興時期的經典藝術理論家，1526年，是創造一個優秀的人像丟勒一年如果「伊司馬斯？范？鹿特丹」，成為他最大的傑作的人物。

的1527年，科技部，失去了他的第二本書，「築城原理」出版。1528。「人體解剖學原理」脫稿，這是他27年的人體解剖學研究的結晶。不幸的是，他沒有看到這項工作的巨大影響。丟勒，57歲，來自荷蘭，體質虛弱回來，反復的疾病的侵擾，在1528年4月6日這顆燦爛的文化巨星突然倒下。

當[編輯本段]

人評價;

根據同時代人的回憶文字看起來的時候丟勒寫道：

「他有一個生動的表情的臉，一雙明亮的眼睛，長著希臘人們稱它為方的鼻子，長長的脖子，寬闊的胸膛，收緊腰腹部，大腿肌肉發達，身材勻稱的雙腿很強壯，溫和的方式。有人看見他的手指，看起來美麗的淡藍色，他那俏皮的對話更醉人，讓聽眾感到更惆悵的事情時，沒有比他的演講結束多，他幾乎通過曉天文地理，哲學和美學，不僅了解，而且還決定了。「

這種聲譽甚至如果有些誇張，就足以解釋丟勒的形象在同一代眼中的天才。

丟勒大多數工作是流傳下來。「手」，後來被改名為「祈禱之手」，其影響力比任何其他工作。

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參考文獻：
網路知道，丟勒



評價
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五
32％ 採用率

擅長：
沒有自定義







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㈡ 20世紀中，以最高價格被買下的畫作出自哪位畫家的手筆

達芬奇的《蒙娜麗莎》。

《蒙娜麗莎》原作的尺寸：縱77cm、橫53cm，該作品畫在一塊黑色的楊木板上。《蒙娜麗莎》畫像沒有眉毛和睫毛，面龐看起來十分和諧。直視蒙娜麗莎的嘴巴，會覺得她沒怎麼笑；然而當看著她的眼睛，感覺到她臉頰的陰影時，又會覺得她在微笑。

蒙娜麗莎的微笑中，含有83%的高興、9%的厭惡、6%的恐懼、2%的憤怒。蒙娜麗莎，坐在一把半圓形的木椅上，背後是一道欄桿，隔開了人物和背景，背景有道路、河流、橋、山巒，它們在達·芬奇「無界漸變著色法」的筆法下，和蒙娜麗莎的微笑融為一體，散發著夢幻而神秘的氣息。

《蒙娜麗莎》代表了文藝復興時期的美學方向；該作品折射出來的女性的深邃與高尚的思想品質，反映了文藝復興時期人們對於女性美的審美理念和審美追求。

每年到盧浮宮鑒賞《蒙娜麗莎》作品的人數，大約有600萬左右。

(2)創造亞當素描擴展閱讀：

世界上價值最高的10幅畫，蒙娜麗莎榜首無人不知。

1、蒙娜麗莎：蒙娜麗莎的名氣無需多言，幾乎世界上所有的人都知道達芬奇畫過一個無論哪個角度都在看著你的女人的畫，位居世界十大名畫排行榜第一位毫無疑問。這幅畫最神奇的地方就在於，從哪個方向看去，都會感覺蒙娜麗莎在看著，對微笑。

2、最後的晚餐：耶穌坐在桌子的正中間,他的門徒們分別坐在他的左右圍繞著整張桌子,而這是他們最後，因為其中有人出賣了耶穌。世界十大名畫排行榜第二位，同樣是來自達芬奇的作品，《最後的晚餐》。

12個門徒聞言後，或震驚、或憤怒、或激動、或緊張。《最後的晚餐》表現的就是這一時刻的緊張場面。

3、格爾尼卡：《格尼爾卡》是十幅畢加索最貴的畫之一，畢加索在20世紀30年代時是受西班牙共和國政府的委託，為1937年在巴黎舉行的國際博覽會西班牙館而創作，畫面中表現力1937年德國空軍瘋狂轟炸西班牙小城格爾尼卡的情景。

4、星月夜：這幅畫現在已經成為了隨處可見的背景圖片、裝飾畫等，與其梵高他的作品不同，在世界十大名畫排行榜中星月夜是唯一一幅即使你對藝術一無所知，但是依然會很單純的認為它很好看。

5、大宮女：大宮女最早在巴黎展出時家德·凱拉特里曾說這簡直就是畸形，安格爾的這位宮女的背部至少多了三節脊椎骨。這副畫引起了極大的爭議和抨擊。

6、戴珍珠耳環的少女：《向日葵》我們在小學的美術課本上就已經見過，雖然當時並不可能有人能理解它的價值所在。這是梵高最被人熟知的一幅作品，或者說它是一組作品。在繪畫藝術的漫長歷史中，梵高的向日葵似乎成為最具代表性的作品，它甚至成了藝術史上的一座豐碑。

7、維納斯的誕生：《維納斯的誕生》是桑德羅·波提切利公元1487年間創作的一幅畫，這幅畫描繪了女神維納斯誕生時的情景，畫面上人物的體態和衣紋表現十分出色，人物與自然背景也達到巧妙的和諧統一。

8、創造亞當：米開朗基羅在創作這副畫時，心情極為悲憤，因為他是被迫在西斯廷禮拜堂屋頂壁上作畫的，整個壁畫面積達500平方米左右，是美術史上最大的壁畫之一。

其中《創造亞當》最為出色，畫中亞當的形象體態健壯，氣魄宏偉，具有強烈的意志與力量，顯示了藝術家在寫實的基礎上非同尋常的理想加工，予同時代人深刻的啟示。

9、亞維農的少女：這幅畫也許是是歷史上將女人畫的最難看的畫，當然這只是我等俗人的眼光。從藝術角度來看《亞威農少女》開創了法國立體主義的新局面，畢加索與勃拉克也成了這一畫派的風雲人物。

這是一幅與以往的藝術方法徹底決裂的立體主義作品，當時不免要遭到來自社會各方面的嘲諷和指責。

10、日出·印象：日出印象是莫奈在1873年在阿弗爾港口創作的一幅寫生畫，當時莫奈並沒有給它命名，直到一名新聞記者諷刺莫奈的畫是"對美與真實的否定，只能給人一種印象"。於是莫奈於是就給這幅畫起了個題目《日出·印象》。

㈢ 20個名畫

《達.芬奇自畫像》
義大利繪畫大師達.芬奇的素描精品。他的素描作品的藝術水平已達極高的境地,被譽為素描藝術的典範。在這幅《自畫像》中,畫家觀察入微,用的線條豐富多變,剛柔相濟尤其善用濃密程度不同斜線表現光暗的微妙變化,此畫用線生動靈活,概括性強,簡單的寥寥數筆卻包含許多轉折,體面關系,發線代面,立體感很強,還有,人物的表情也很傳神。

《岩間聖母》
此畫為祭壇畫 ,達芬奇， 189.5X119.5厘米,現藏倫敦國立美術館.

此畫是應一宗教團體之請而為米蘭的聖弗朗切斯科教堂的一間禮拜堂作的祭壇畫。此畫以聖母居圖中央,她右手扶嬰孩聖約翰,左手下坐嬰孩耶酥,一天使在耶酥身後,構成三角形構圖,並以手勢彼此響應,背景則是一片幽深岩窟,花草點綴其間,洞窟通透露光。此畫雖屬傳統題材,然表達手法和構圖布局皆表明達.芬奇的藝術水平之高深。人物,背景的微妙刻畫煙霧狀筆法的運用,科學地寫實以及透視,縮形等技術法的採用,表明了他在處理逼真寫實和藝術加工的辯證關系方面達到了新的水平。這幅畫是標志達.分奇盛期創作開始的作品。

《蒙娜麗莎》
《蒙娜麗莎》 達.芬奇 油畫 77X53厘米,現藏盧佛爾美術館。

<<蒙娜麗莎>>是一幅享有盛譽的肖像畫傑作,它代表達。芬奇的最高藝術成就.,成功地塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級的婦女形象。畫中人物坐姿優雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓盡致地發揮了畫家那奇特的煙霧狀「空氣透視」般的筆法。畫家力圖使人物的豐富內心感情和美麗的外形達到巧妙的結合,對於人像面容中眼角唇邊等表露感情的關鍵部位,也特別著重掌握精確與含蓄的辯證關系,達到神韻之境,從而使蒙娜麗莎的微笑具有一種神秘莫測的千古奇韻,那如夢似的嫵媚微笑,被不少美術史家稱為「神秘的微笑」。

達·芬奇在人文主義思想影響下,著力表現人的感情。在構圖上,達·芬奇改變了以往畫肖像畫時採用側面半身或截至胸部的習慣, 代之以正面的胸像構圖,透視點略微上升,使構圖呈金字塔形,蒙娜·麗莎就顯得更加端莊、穩重。

另外，蒙娜·麗莎的一雙手，柔嫩、精確、豐滿,展示了她的溫柔,及身份和階級地位。顯示出達·芬奇的精湛畫技和他觀察自然的敏銳。

《最後的晚餐》

《最後的晚餐》達.芬奇 油畫 1495-1498 420X910厘米,現藏米蘭聖瑪利亞德爾格契修道院.
達.芬奇畢生創作中最負盛名之作。在眾多同類題材的繪畫作品裡,此畫被公認為空前之作,尤其以構思巧妙,布局卓越,細部寫實和嚴格的體面關系而引人入勝。構圖時,他將畫面展現於飯廳一端的整塊牆面,廳堂的透視構圖與飯廳建築結構相聯結,使觀者有身臨其境之感。畫面中的人物,其驚恐,憤怒,懷疑,剖白等神態,以及手勢,眼神和行為,都刻劃得精細入微,唯妙唯肖。這些典型性格的描繪與畫題主旨密切配合,與構圖的多樣統一效果互為補充,使此畫無可爭議地成為世界美術寶庫中最完美的典範傑作

《創造亞當》

《創造亞當》 米開朗基羅 壁畫 1508年
米開朗基羅的代表壁畫中的重要部分。因為他在佛羅倫薩的盛名,當時的羅馬教皇尤里烏斯二世邀他參加製作教皇陵墓,後又中斷。1508年他被迫接受了西斯廷禮拜堂屋頂壁畫的任務,他當時的心情是悲憤的,不料此壁畫後來成為他生平最大傑作。西斯廷屋頂壁畫面積達500平方米左右,是美術史上最大的壁畫之一。米開朗基羅在大廳的中央部分按建築框邊畫了連續9幅大小不一的宗教畫,均取材於《聖經》中有關開天闢地直到洪水方舟的故事,分別名為《神分光暗》,《創造日,月,草木》,《神水分陸》,《創造亞當》,《創造夏娃》,《誘惑與逐出樂園》,《挪亞獻祭》,《洪水》,《挪亞醉酒》。這幅巨型壁畫歷時4年多才完成,由於長期仰面艱苦作畫,他頸項僵直,書信都要置頭頂仰視.其中以《創造亞當》最為出色,畫中亞當的形象體態健壯,氣魄宏偉,具有強烈的意志與力量,顯示了藝術家在寫實的基礎上非同尋常的理想加工,予同時代人深刻的啟示。

《播種者》

《播種者》 米勒 1850年 101X82.5厘米 美國波士頓美術館藏 。
米勒(Jean-Francois millet 1814-1875)法國畫家。1814年10月出生於諾曼底半島格魯什村的一個耕農家庭,1875年1月卒於巴比松。他自幼參加田間勞動。此畫描繪了一對青年夫婦趕赴田間勞作的圖景，構圖線條分明，很好地反映出農民特有的氣質；色彩沉著,加之豐富細膩的暖調子,使作品在純朴濃厚渾厚中,具有撼人的力量。

《夢》

畢加索 油畫 1932年 1927年,47歲的畢加索與長著一頭金發,體態豐美的17歲少女初次相遇,從此,這位少女便一直成為畢加索繪畫和雕刻的模特兒。<<夢>>這幅畫作於1932年,是畢加索對精神與肉體的愛的最完美的體現。

《拾穗者》

米勒 1857年 油畫 83.5X111厘米 巴黎盧佛爾博物館藏。
米勒出身於農民家庭,在他眼裡，大自然有著「無窮無盡的壯觀」。他曾因他的「鄉下佬模樣」和質朴的畫風被巴黎沙龍中的某些同行冠以「森林中的野人」的綽號,米勒試圖把我們引入土地的深處，在開闊而又靜穆的景觀中去感受她的沉重與充實，傾聽她深沉寧靜的呼吸，體會她朴實頑強的生命，體會土地與土地上的農民自然般運行的命運。在這幅畫中,米勒採用橫向構圖描繪了三個正在彎著腰,低著頭,在收割過的麥田裡拾剩落的麥穗的婦女形象,她們穿著粗布衣裙和沉重的舊鞋子,在她們身後是一望無際的麥田,天空和隱約可見的勞動場面。米勒沒有正面描繪她們的面部,也沒有作絲毫的美化,她們就如現實中的農民一樣默默地勞動著。在造型上,米勒用較明顯的輪廓使形象堅實有力,很好地表現了農民特有的氣質。色彩沉著,加之豐富細膩的暖調子,使作品在純朴濃厚渾厚中,具有撼人的力量。羅曼.羅蘭曾評論說:"米勒畫中的三位農婦是法國的三女神"。

《伊莎貝爾.科沃斯.德波塞爾夫人》

哥雅 1806年 82*54.6公分
哥雅（Francisco Jose de Goya Y Lucientes,1746-1828)西班牙近代現實主義畫家。出身農民家庭，14歲開始學畫。年輕時曾任宮廷畫家。1793年思想由樂天無憂進入憤懣吶喊；畫風有明朗鮮明轉為深沉渾厚，是近代現實主義繪畫的奠基人。
《伊莎貝爾.科沃斯.德波塞爾夫人》是哥雅早期宮廷畫之一，這幅充滿自信的西班牙女性畫像，是哥雅極富熱情的傑作。其人物原形是卡斯蒂里亞地區的高官夫人，按照十八世紀後期上流社會風行的典型裝束創作。

《草地上的午餐》

《草地上的午餐》 馬奈 油畫 1863年 213.4X268厘米 藏巴黎盧佛宮博物館
《草地上的午餐》1863年在落選者沙龍中展出,一畫引起了世所罕見的轟動,他直接表現塵世環境，把全裸的女子和衣冠楚楚的紳士畫在一起，畫法上對傳統繪畫進行大膽的革新，擺脫了傳統繪畫中精細的筆觸和大量的棕褐色調，代之以鮮艷明亮、對比強烈、近乎平塗的概括的色塊，這一切都使得官方學院派不能忍受。此畫在構圖上,把人物置於同一類樹木茂密的背景中，中心展開了一個有限的深度，中間不遠的地方那個彎腰的女子，成為與前景中三個人物組成的古典式三角形構圖的頂點。在技法上,把繪畫作為二度表面的主張又向前推進了一步,在對外光和深色背景下出現作了新的嘗試,因此此畫在藝術技巧和歷史意義上都是一個創新。

《天上的愛與人間的愛》

提香 義大利 1515年 118X279厘米
《天上的愛與人間的愛》描繪的是美狄亞與維納斯的相會,裸體的維納斯勸她身旁的美狄亞去協助伊阿宋盜取金羊毛,但從畫面情節來看這種說法又很不確定,所以內容至今未定。此畫是提香描繪女性美創作的早期作品，這一階段是他陶醉於喬爾喬奈的風格時期,這個時期的創作在很大程度上是強調人的壯美與和諧,此畫風格粗獷豪放，筆力雄健，但人物本身所具有的閑雅微妙的精神狀態與純潔高尚的品質，又使作品具有牧歌式的情調,寧靜優美。提香筆下的裸體美,具有生活與感情的因素,絕不是神化了的女性加之獨特的構圖和雄渾輝煌的色彩都鑄就了此畫不朽的藝術魅力。

《聖母升天》

提香 義大利 690*360 教堂壁畫
這是一幅具有恢宏氣勢的巨大壁畫,描繪了聖母升天的神聖瞬間,具有濃厚的宗教色彩。畫中，站於地面上的是仰天呼送聖母的人們,動態不一,但神情卻是一致的虔誠,中間是一群被天使們簇引,身穿紅衣的聖母,上方是有天使相隨的上帝。這是提香早期作品,構圖庄嚴,描繪真實細膩。

《美麗的女園丁》

《 美麗的女園丁》 拉斐爾 油畫 1507年 122X80厘米
此畫通過美麗的女園丁的形象,表現聖母瑪利亞的世俗之愛的精神。筆鋒細膩，技巧完美，表現女園丁的親切、和藹，赤子的純潔可愛，對於母性的依戀，給人一種感受煦暖陽光普照的親情。生動傳神地傳達了作者對生活的渴望。

《維納斯的誕生》

《維納斯的誕生》 波提切利 布上畫 1432年 175X283厘米 藏於烏菲齊美術館。
波提切利(Sandro Botticelli 1445-1510義大利畫家,佛羅倫薩畫派的重要代表,《維納斯的誕生》是他的名作，創作於1432年左右。據說，畫家從波利齊安諾一首長詩《吉奧斯特納》中受到啟迪而繪就的，此畫再現女神維納斯從愛琴海中浮水而出,風神,花神迎送於左右的情景,畫中維納斯的姿態，是按照古典雕像的樣式來描繪的，然而畫上的形象並沒有古典雕像的健美與嫻雅，給人一種是萎靡和嬌弱，並且充滿著對生活的迷茫的感覺，這也是波提切利本人矛盾世界觀的反映。但在另一方面又強調了秀美、清純、含蓄之美。 波提切利很善於用線。線條在維納斯裸體上變得極為流暢，至於那個風神形象上的線就更復雜，具有旋轉的趨勢。全畫的色調也極明朗和諧，藝術家用這一切來盡量強調形象的秀美與清淡，只能讓人感到作者的意圖是神秘的，主題思想是隱晦的。

《梵谷自畫像》

梵谷是荷蘭人,但長年生活在法國,是後印象派的重要的畫家。1887年，通過弟弟提奧的介紹，梵谷在巴黎見到畢沙羅，修拉、和高更。開始接受印象派的畫風。更加強調用色彩突出主題的繪畫風格。在他的畫中，總是一片色彩和筆觸的狂歡，這種畫面所造成的氣氛效果表現出一種罕見的旺盛的生命力。這副《自畫像》就是如此。梵谷一生畫過無數的《自畫像》，這幅《自畫像》屬較前期作品。

《向日葵》

梵谷 1888年 91X72厘米
梵谷的藝術是偉大的,然而在他生前並未得到社會的承認。他作品中所包含著深刻的悲劇意識,其強烈的個性和在形式上的獨特追求,遠遠走在代的前面,的確難以被當時的人們所接受。他以環境來抓住對象,他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生。在人們對他的誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候。因此才留下了永遠的藝術著作。他直接影響了法國的野獸主義,德國的表現主義,以至於20世紀初出現的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰,滿懷熾熱的激情令運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到梵谷豐富的主觀感情中去。總之,梵谷筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始沖動和熱情的生命體。

《 蘋果與橘子》

塞尚 法國 74 x 93 cm 現藏芝加哥藝術學院。
塞尚(Paul Cezanne 1839-1906),法國畫家,繼印象主義之後的繪畫革新家,與梵谷,高更一起被後人稱這"印象主義之後"（Post-impressionism）。他認為：印象派畫家表現的主觀感覺和印象經常是「混亂的」，因此他主張排斥事物閃動而模糊的外表，去領悟那永不改變的內在真實。他在畫中，注重探索事物的 「結構」，表現深植於事物中的本性；塞尚在吸收印象主義技法的同時,更加關心實體感與構圖,關心均衡與結構,因此畫面顯示出凝重厚實和恆定持久的感覺。《蘋果與橘子》就是這一技法的典型。另外，畫中構圖和諧流暢，無論從哪一方面來看，都體現出美感。

《教皇英諾森十世像》

1650年 油畫 140X120厘米 羅馬利來-龐斐利畫廊。
委拉士貴支在1649年第二次去義大利時在那裡完成了一幅著名的肖像畫<<教皇英諾森十世像>>,在這幅肖像中,畫家既表現了此人的兇狠和狡猾,又表現了這個七十六歲老頭子精神上的虛弱。畫面上的教皇,盡管臉上流露出一剎那堅強有力的神情,但是他放在椅上的兩只手都顯得分外軟弱無力。畫家巧妙地抓住了這一點使人物形象變得更富有個性。從而給觀眾增加了很多的聯想。這幅作品的油畫技巧也是十分出色的。畫面上,火熱的紅調子表現了特有的宗教的庄嚴氣氛;白色的法衣和紅色的披肩形成了強烈的色彩對比。筆觸十分流暢自由,表現出藝術家的高超技巧。

《泉》

安格爾 1856年 164X80厘米 盧佛爾美術館
此畫是安格爾裸女形象中最負盛名的一幅,是他自於1820開始的,經近30年才完稿，傳說他的助手還幫他繪制此畫。是西歐美術史上描寫女性人體的優秀作品之一。安格爾筆下的這個少女純潔,典雅,恬靜,健康,美麗,充滿生命的活力和青春的朝氣。畫面左下角那朵含苞未放的雛菊下是她的象徵。從這幅畫里,人們感到的是一個寧謐,幽靜的抒情詩般的境界,心靈得到慰藉,感情得到升華的崇高境界。當時,這幅畫引起了人們極大的興趣。爭相搶購當時有五個賣主爭執不休,後來被杜夏特爾伯爵買去了,後來他贈給盧佛爾博物館。

《伏爾加河上的纖夫》

列賓 油畫 1873年 藏於俄羅斯博物館。
列賓(1844-1930),是俄國19世紀後期的俄國批判現實主義繪畫主要的代表之一,《伏爾加河上纖夫》是他的成名之作。還在學生時代,彼得堡涅瓦河上纖夫的沉重勞動引起了列賓的同情,從那時候開始,他就想描繪一幅表現纖夫的作品,以提示下層勞動人民的痛苦生活和社會的不平。1870年夏季,列賓與同班同學華西里耶夫(他後來也畫過有關纖夫的畫)去伏爾加河旅行寫生,典型的俄羅斯風光和纖夫的生活給他留下了難忘的印象。畫中列賓畫了十一個飽經風霜的勞動者,他們在炎熱的河畔沙灘上艱難的拉著纖繩。纖夫們有著不同的經歷和個性,他們生活在社會的最底層,但這是一支在苦難中練成堅韌不拔,互相依存的隊伍。背景運用的顏色昏暗迷濛，空間空曠奇特，給人以惆悵、孤苦、無助之感，切實深入到纖夫的心靈深處，亦是畫家心境的真實寫照，這對畫旨的體現，情感的的烘托起了極大的作用。 因此本畫的構圖、線條、筆力等繪畫技巧都是相當成功的。

㈣ 米開朗其羅

（Michelangelo，1475年3月6日－1564年2月18日），全名 Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，又譯「米開蘭基羅」、「米高安哲羅」，1475年生於佛羅倫斯加柏里斯鎮，雕塑家、建築師、畫家和詩人。他與列奧納多·達芬奇和拉斐爾並稱「文藝復興三傑」，以人物「健美」著稱，即使女性的身體也描畫的肌肉健壯。他的雕刻作品「大衛像」舉世聞名，美第奇墓前的「晝」、「夜」、「晨」、「昏」四座雕像構思新奇，此外著名的雕塑作品還有「摩西像」、「大奴隸」等。他最著名的繪畫作品是梵蒂岡西斯廷禮拜堂的《創世紀》天頂畫和壁畫《最後的審判》。他還設計和初步建造了羅馬聖伯多祿大殿，設計建造了教皇尤利烏斯二世的陵墓。米開朗基羅脾氣暴躁，不合群，和達·芬奇與拉斐爾都合不來，經常和他的恩主頂撞，但他一生追求藝術的完美，堅持自己的藝術思路。他於1564年在羅馬去世，他的風格影響了幾乎三個世紀的藝術家。

1475年3月6日生於佛羅倫薩附近的卡普萊斯（卡波熱斯），父親是當地的一名法官，脾氣爆烈，但是懼怕上帝。母親在米開朗基羅六歲的時候就死了。他13 歲進入佛羅倫薩畫家基爾蘭達約（Ghirlandaio）的工作室，之後又跟隨多納太羅的學生貝托多學習了一年雕塑，主要以自學為主。後轉 作品《哀悼基督》
入聖馬可修道院的美第奇學院作學徒，在那兒他接觸到了古風藝術的經典作品和一大批哲人學者，並產生了崇古思想。為了完全徹底地掌握人體結構，他曾親自解剖屍體進行研究。時興的新帕拉圖主義和受到火刑懲處的多明我會教士薩伏那洛拉給了他一生最重要的影響。米開朗基羅最初本無意做一位畫家，他的志向是成為一位雕刻家，並且只在意"雕"而不在意"塑"：像人們掙脫自己的肉體束縛一樣，獲得存在的形式。這正是新柏拉圖主義的教條。其繪畫代表作有《創造亞當》、《最後的審判》和《聖家族》等。他的藝術風格以現實主義為基礎，又兼具浪漫主義風格，有很深的人文主義思想。 1496年，米開朗基羅來到羅馬，創作了第一批代表作《酒神巴庫斯》和《哀悼基督》等。1501年，他回到佛羅倫薩，用了四年時間完成了舉世聞名的《大衛》。 著名作品《大衛》
1505年在羅馬，他奉教皇尤里烏斯二世之命負責建造教皇的陵墓，1506年停工後回到佛羅倫薩。 1508年，他又奉命回到羅馬，用了四年零五個月的時間完成了著名的西斯廷教堂天頂壁畫。1513年，教皇陵墓恢復施工，米開朗基羅創作了著名的《摩西》、《被縛的奴隸》和《垂死的奴隸》。1519－1534年，他在佛羅倫薩創作了他生平最偉大的作品——聖洛倫佐教堂里的美第奇家族陵墓群雕。1562年受其門生，著名畫家，藝術史家：喬治。瓦薩里之邀成為迪亞諾學院（佛羅倫薩美術學院）名譽院長。1536年，米開朗基羅回到羅馬西斯廷教堂，用了近六年的時間創作了偉大的教堂壁畫《最後的審判》。之後他一直生活在羅馬，從事雕刻、建築和少量的繪畫工作，直到1564年2月18日逝世於自己的工作室中。

米開朗基羅終身未娶，不少人據此推斷他喜歡男人，恰好達·芬奇也有此傾向。說米氏是同性戀者並非空穴來風，他確實不怎麼愛女人，甚至無法在有女人的屋裡多停留。他的雕繪中也有女性內容，卻從未涉足過嬌媚的少女題材，繪制的都是豐腴、成熟的女體，呈現出接近男性的力度，據說米氏即便在繪畫女體時，用的也是男性模特。 他與多個男模特有過情感糾葛，為他們寫下了眾多詩篇。比如他曾花去整整一年時間在早夭、漂亮的布拉奇之墓上刻下詩句：「我卑微的塵軀不再享有，/你的迷人的臉龐與美麗的雙眼，/但任何力量都抹不掉你我共枕相擁時，/兩個靈魂相融所迸發的火焰。」而最得他傾慕的無疑是羅馬貴族托馬索·卡瓦切里。 1532年秋天，23歲的卡瓦切里在聖安傑洛與米開朗基羅初次見面。他翩翩的風度、高貴的姿容立即吸引了米氏對男體的敏感與熱愛近乎痴狂，這也令我們有幸看到《大衛》 、 《摩西》 、 《奴隸》組像、 《創世紀》等一系列驚人之作。 見到卡瓦切里的幾個月內，米開朗基羅畫出了他最好的幾幅素描，其內容全部來自希臘神話，有駕駛金馬車的法厄同，有被禿鷲不斷啄食肝臟的提圖斯，有為宙斯斟酒的美少年伽尼墨得斯。為美第奇禮拜堂製作朱理亞諾公爵雕像時，米氏所雕的面部是卡瓦切里的臉孔，他對他的眷戀，由此可見一斑。詩歌中，米氏更將對方的名字比做他賴以生存的食物，接著又寫道：「不……食物只營養我的身體，你的名字卻滋潤我的身體和靈魂，使它們充滿快樂，只要有你在我心中，我不再感到悲哀，也不懼怕死亡。」 英俊的卡瓦切里也沒有背叛藝術大師深切的情感付出，他始終是他忠誠的贊賞者。直到米氏彌留之際，卡瓦切里仍守在他床前。 米開朗基羅代表了歐洲文藝復興時期雕塑藝術的最高峰，他創作的人物雕像雄偉健壯，氣魄宏大，充滿了無窮的力量。他的大量作品顯示了寫實基礎上非同尋常的理想加工，成為整個時代的典型象徵。他的藝術創作受到很深的人文主義思想和宗教改革運動的影響，常常以現實主義的手法和浪漫主義的幻想，表現當時市民階層的愛國主義和為自由而斗爭的精神面貌。 米開朗基羅的藝術不同於達·芬奇的充滿科學的精神和哲理的思考，而是在藝術作品中傾注了自己滿腔悲劇性的激情。這種悲劇性是以宏偉壯麗的形式表現出來的，他所塑造的英雄既是理想的象徵又是現實的反應。這些都使他的藝術創作成為西方美術史上一座難以逾越的高峰。 米開朗基羅六歲時喪母，養在一個石匠的妻子的家裡，因此從小就對雕塑發生興趣。父親送他進拉丁文與希臘文學校學習，但是他學畫畫，父親訓斥也無用，十三歲進入佛羅倫薩畫家畫室學畫；1489年轉到另一個畫家學雕塑。後來當上美術學校的學生兼助手。那裡是文藝復興運動的中心，人文主義學者集中的地方。在那裡幹了十四年，在思想和藝術上被培養成一個偉大的藝術家。使他離開佛羅倫薩到羅馬。 二十四歲作為雕塑家開始從事創作，製作了著名的<<大衛>>(雕塑)和<<聖家族>>(壁畫)，又為教皇在梵蒂岡的西斯廷小教堂畫壁畫，用了四年時間憑一個人在五百多平方米的天頂上畫了三百四十三人，對於如此宏大的工程，找來一些人作助手，最後中意的只有一個調制顏料干雜活的。 米開朗基羅畫的這些巨人充滿超人力量，善於表現豐富的運動，並達到戲劇性高潮。人們從中感受到的是對人類的庄嚴頌歌。他生命的最後二十年專稿建築。他的作品雄壯宏偉，因此他所畫的女性也具有男性的氣質。一生未婚，純講精神而不涉及肉體。他在孤獨中奮戰了一生。

㈤ 米開朗基羅 懷才不遇嗎他一生雕刻了那麼多作品，活那麼多，怎麼還感覺生不逢時呢，當時人們不認可嗎

人物簡介

米開朗琪羅，雕塑家、繪畫家、詩人兼建築師：
米開朗基羅
1475年3月6日，米開朗琪羅出生於義大利卡森蒂諾的卡普雷賽，父親是法官。母親在他六歲時便死去，米開朗琪羅被寄養在一個石匠的妻子家裡。十三歲時，他進入多梅尼科·吉蘭達約的畫室。據說由於他的成績優秀，他的老師為之嫉妒。一年後他們分手了，米開朗基羅來到大名鼎鼎的美第奇家族創辦的雕塑學校。[1]不久，由於宗教信仰的沖突，他離開了那裡。後來，他又先後到過威尼斯、羅馬等名城，雕塑水平不斷地得到了提高。
1508年，[1]米開朗琪羅被他人鼓動教皇讓他去畫西斯廷教堂的天頂畫。此後幾年，他一直受著歷任教皇的差遣，攜帶著痛苦去創作他並不滿意的作品。1527年米開朗琪羅捲入了一場革命的漩渦，差一點喪命。革命結束後，教皇克雷芒又將他從隱避的地方找了出來，米開朗琪羅不得不重新為他所抗拒的人勞作。1537年9月克雷芒教皇駕崩，米開朗琪羅原以為從此能安安靜靜地做自己的事了。但他剛到羅馬，又被他新主人——保羅三世抓住了。似乎命運註定他只能在無休止的

米開朗基羅的素描及草稿作品(14張)干涉中替別人幹活。不僅如此他的愛情也不太理想。
1564年2月12日，米開朗琪羅站了一整天來創作《哀悼基督》。14日他開始發燒，18日下午5時，這位傑出的雕塑家兼畫家永遠地離開了人間!
編輯本段
個人生平

米開朗基羅·博那羅蒂（Michelangelo Buonarroti，1475年3月6日－1564年3月18日），意大
米開朗基羅廣場上的大衛雕像
利文藝復興時期偉大的繪畫家、雕塑家、建築師和詩人，文藝復興時期雕塑藝術最高峰的代表。與拉斐爾和達·芬奇並稱為美術三傑。全名 Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，又譯「米開蘭琪羅」、「米高安哲羅」，1475年3月6日生於佛羅倫薩加森汀省的卡普雷塞鎮[2]，1564年2月18日去世。作為文藝復興的巨匠，以他超越時空的宏偉大作，在生前和後世都造成了無與倫比的巨大影響。他和達芬奇一樣多才多藝，兼雕刻家、畫家、建築家和詩人於一身。他得天獨厚活到89歲，超越了古稀之年，度過了70餘年的藝術生涯，他經歷人生坎坷和世態炎涼，使他一生所留下的作品都帶有戲劇般的效果、磅礴的氣勢和人類的悲壯。
米開朗基羅13歲就進了佛羅倫薩著名畫家多梅尼科·吉蘭達伊奧的工作室，在那裡他最初接觸終生所從事的神聖事業，並以神奇的速度掌握了繪畫技巧。後來他又進了佛羅倫薩統治者羅倫佐·美第奇開辦的「自由美術學校」，由於他的超群才華倍受羅倫佐的重視和愛護，宮廷中大量的藝術品成了他學習、研究的對象，經常出入於宮中的人文主義詩人和學者給了他極大影響。
《摩西》
短短四年中，他在美第奇宮里獲得了一個偉大藝術家所必須具備的條件，為他整個藝術創作打下了堅實基礎。
在羅倫佐的府邸里，設有一個「柏拉圖學院」，學者們聚在一起研究學問，他們在羅倫佐的支持下創立了一種新的思想體系——人文主義，他們的思想是要把世界歸還給人，把人歸還給他自己。把人的藝術、文學和科學，還有作為個體的獨立的思想和感情歸還給人，人絕不能像一個奴隸一樣被捆綁在教條之上，在鎖鏈中死亡腐朽。
米開朗基羅還經常去聽宗教改革家、修道士薩伏納羅拉揭露教會黑暗的演說，這位為了拯救人類命運而不怕宗教法庭審判的修道士給他的靈魂留下了不可磨滅的烙印。羅倫佐·美第奇死後，米開朗基羅失去了保護人，佛羅倫薩陷於一片混亂，他深感故鄉非久留之地，赴威尼斯和波倫亞，後轉道羅馬尋找發展機會。羅馬到處林立古代雕像，猶如走進巨大的古代藝術寶庫。23歲的米開朗基羅受法國紅衣主教委託，為聖彼得教堂制

米開朗基羅作品(23張)作 《哀悼基督》雕像。這件雕像的問世，使米開朗基羅名蓋羅馬，自多納太羅之後又一顆雕刻巨星升起。26歲的米開朗基羅載譽回到故鄉佛羅倫薩，便立即從事《大衛》雲石雕像的製作，三年後完成，安放在韋吉奧宮正門前，作為佛羅倫薩守護神和民主政府的象徵。
1505年應教皇朱理二世邀請，米開朗基羅赴羅馬為教皇在聖彼得教堂內建造陵墓，雕刻家歷經艱辛磨難為陵墓留下名雕《摩西》和《奴隸》等雕像，米開朗基羅的雕塑成就，使教皇的藝術總監勃拉曼特極為妒忌，他唆使教皇暫不修陵墓，強求雕刻家去畫西斯廷教堂天頂壁畫，米開朗基羅以超凡的智慧和毅力完成了世界上最大的壁畫《創世紀》。41歲的大師重又回到佛羅倫薩，出生美第奇家族的教皇利奧十世又強迫米開朗基羅為其祖宗聖羅倫佐陵墓製作雕像，著名的《晝》《夜》《晨》《暮》雕像就是安放在這座陵墓的石棺上。已經61歲的雕刻家又被教皇召到羅馬，在25年前完成的《創世紀》天頂畫下的祭壇壁面上繪制《末日的審判》。米開朗基羅是人類天才、智慧和勇氣的結晶，他的光榮與成就屬於全人類。
作品特點：在致力於領悟古人成就時，也致力於解剖人體，研究人體的結構和運動，這使他成
《創造亞當》局部
為量充分發揮人體．表現力的美術家之一。不同於充滿深遂智慧之美的達·芬奇的藝術，米開朗琪羅的作品以力量和氣勢見長，具有一種雄渾壯偉的英雄精神。或許，他是一位最接近貝多芬境界的美術家。在他的雕塑上，在他的繪畫中，一個個巨人般的宏偉形象挺立起來，就連他塑造的女性形象，也都具有剛勇的氣概，彷彿是神話中的阿瑪宗女子。
代表作品：雕像《大衛》(1501--1504)，是美術史中最為人們熟悉的不朽傑作，也是最鮮明展示盛期文藝復興義大利美術特點的作品。在用一塊久被棄置的名貴石材雕刻大衛形象時，他真正實現了把生命從石頭中釋放出來的理想，以精湛的技巧、強烈的信心，雕鑿出這尊完美的英雄巨像。

㈥ 有關西方繪畫的欣賞問題。

如果不是有非常的需要，你就是出於深度的好奇，才會想做「欣賞」這件事。
否則，幹嘛非欣賞不可？
所以，建議你不辭辛苦，先體會一下：在沒有電影沒有電視，沒有攝影，沒有鋪天蓋地的圖片的時代，人們的眼睛業余時在干什麼？而另一些人滿足了他們。
我認為舉一兩個畫當例子，是不能喚醒你的瞌睡的。所以建議你先上網搞些畫的圖片，先從文藝復興的畫看起，一直到現代主義的超現實主義，一路看下來。在說什麼欣賞之類的話，才有意義。中國的就從宋代繪畫看到齊白石，東西方在這以後的美術史會讓你眼花繚亂。所以，先看到這吧。
希望你能看出來，繪畫是一件瘋狂的事。

先要糾正樓主的錯誤觀念，文藝復興時代仍就是古典主義的時代，古典主義直到印象派的出現才逐漸式微。所以說印象主義標志著現代主義的開端，而現代主義是包括印象派，後印象派，野獸主義，立體主義，分離主義，未來主義，表現主義，抽象主義，抽象表現主義超現實主義等等流派在內的美術史名詞。
而你說的文學中的浪漫主義和現實主義是不能和文藝復興類比的，因為這兩個美術時代分別出現在了新古典主義之後，代表人物是德拉克羅瓦和庫爾貝。而新古典主義的出現是文藝復興之後二百年的事。而且它們和巴羅克洛可可新古典主義等等流派同樣從屬於古典主義范疇。這是美術史的界定。
這就是我為什麼主張樓主先從美術史以圖片瀏覽的方式來欣賞美術的原因。因為如果是個感性的人，他會很容易進入欣賞狀態，而理性的欣賞必須要結合一定的相關知識。

㈦ 文藝復興時期的米開朗基羅與達·芬奇pk誰更厲害

義大利是人文主義文學的發源地，但丁、彼特拉克、薄伽丘是文藝復興的先驅者，被稱為「文藝復興三顆巨星」，也稱為「文壇三傑」（文藝復興前三傑）。

另外，14～16世紀義大利文藝復興時期繪畫藝術臻於成熟，其代表畫家有被譽為「美術三傑」（文藝復興後三傑），他們分別是：列奧納多·達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾

佛羅倫薩有個傳統，藝術家們通過同場競技展示他們的才能。發生在1504年佛羅倫薩市政大廳，圍繞《昂加利之役》與《卡西納之戰》巨幅壁畫的雙峰對決，可以說是藝術史上的彪炳事件，米開朗基羅的名聲隱隱超越達·芬奇，這也是他獲得西斯廷委託的契機。

對藝術家的偶像崇拜，在歐洲的歷史上正是從文藝復興時期涌現，我們總是驚嘆那個時代的天才之多。但是，正如金所說：「米開朗基羅時代的藝術家絕非如我們今日浪漫想像的那樣，個個是孤獨的天才，自出機杼創造出富有創意的作品，而不受市場需求或贊助者的擺布。」另外，我們要看到，文藝復興的藝術創作受政局的影響很大，達·芬奇受米蘭公爵斯福爾扎的庇護，米開朗琪羅在1527年佛羅倫薩爆發革命時曾經倉皇出逃。米開朗基羅與幾位教皇之間的關系，與美第奇家族的交際，對他的創作活動都是有影響的。文藝復興的藝術家要想有所成就，必須要有強力的贊助人，他們的作品不應當只被理解為藝術家的創造力和情感具化，他們所要表達的首先是委託創作的贊助人的品位、需求和期望。

通過深入歷史背景的客觀闡釋，金讓藝術得到了一種回歸。他減少了附著在藝術家身上的神話色彩，轉而把藝術首先看作是一種艱苦的、枯燥的勞作。這部米開朗基羅傳記呈現出的新意，並且是它最有價值之處，正是作者體現出的返回現場，用當時的眼光來審視當事人的立場。

米開朗基羅代表了歐洲文藝復興時期雕塑藝術的最高峰，他創作的人物雕像雄偉健壯，氣魄宏大，充滿了無窮的力量。他的大量作品顯示了寫實基礎上非同尋常的理想加工，成為整個時代的典型象徵。他的藝術創作受到很深的人文主義思想和宗教改革運動的影響，常常以現實主義的手法和浪漫主義的幻想，表現當時市民階層的愛國主義和為自由而斗爭的精神面貌。米開朗基羅的藝術不同於達·芬奇的充滿科學的精神和哲理的思考，而是在藝術作品中傾注了自己滿腔悲劇性的激情。這種悲劇性是以宏偉壯麗的形式表現出來的，他所塑造的英雄既是理想的象徵又是現實的反應。這些都使他的藝術創作成為西方美術史上一座難以逾越的高峰。米開朗基羅六歲時喪母，養在一個石匠的妻子的家裡，因此從小就對雕塑發生興趣。父親送他進拉丁文與希臘文學校學習，但是他學畫畫，父親訓斥也無用，十三歲進入佛羅倫薩畫家畫室學畫；1489年轉到另一個畫家學雕塑。後來當上美術學校的學生兼助手。那裡是文藝復興運動的中心，人文主義學者集中的地方。在那裡幹了十四年，在思想和藝術上被培養成一個偉大的藝術家。使他離開佛羅倫薩到羅馬。二十四歲作為雕塑家開始從事創作，製作了著名的&lt;&lt;大衛&gt;&gt;(雕塑）和&lt;&lt;聖家族&gt;&gt;(壁畫），又為教皇在梵蒂岡的西斯廷小教堂畫壁畫，用了四年時間憑一個人在五百多平方米的天頂上畫了三百四十三人，對於如此宏大的工程，找來一些人作助手，最後中意的只有一個調制顏料干雜活的，繪畫都由他自己動手。米開朗基羅畫的這些巨人充滿超人力量，善於表現豐富的運動，並達到戲劇性高潮。人們從中感受到的是對人類的庄嚴頌歌。他生命的最後二十年專稿建築。他的作品雄壯宏偉，因此他所畫的女性也具有男性的氣質。一生未婚，純講精神而不涉及肉體。他在孤獨中奮戰了一生。

㈧ 致敬米開朗基羅,以「創造亞當」為原形進行二次設計繪畫

智米靜開機《創造亞當》可以進行第二次設計。

㈨ 「歐洲文藝復興三傑」的達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾他們的畫風有什麼不同

達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾是歐洲文藝復興時期的代表畫家。他們都是西方古典主義油畫的開創者奠基者，都是繪畫技法卓絕建樹非凡的藝術大師，都有經典的油畫作品傳世。但是，他們在繪畫創作上又各有各的風格，各有各的特色。

達芬奇（1452年一1519年）、米開朗基羅（1475年一1564年）、拉斐爾（1483年一1520年），三人幾乎生活於同一時期即15世紀下半葉至16世紀上半葉，這個時期是義大利文藝復興的盛期，也是西方油畫研製成功的初期。一方面，文藝復興運動為繪畫藝術發展創造了前所未有的機遇，達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾生逢其時。一方面，這時候油畫剛產生不久，如何探索開創一條成功而成熟的油畫創作方式和模式，又是他們面臨的一個嚴竣的挑戰。在這樣的形勢背景下，達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾孜孜以求，刻苦研磨，大膽探索，各自形成了獨樹一幟特色鮮明的繪畫風格，開創了西方古典主義寫實油畫的範例。

一，達芬奇的畫風。

拉斐爾油畫以細膩柔潤唯美和諧立名。在三位大師中，拉斐爾年齡最小。拉斐爾少年時就非常敬佩達芬奇，發誓要成為和達芬奇一樣的畫家。19歲時他來到佛羅倫薩，和達芬奇、米開朗基羅同城「競技」。他一方面學習刻苦學習臨摹兩位老大哥的繪畫作品，一方面潛心研究探索自己的繪畫風格，常常夜繼日地作畫，每天只睡四五個小時。遂瑧入化境，自成一家，形成唯美和諧柔潤細膩的繪畫風格。拉斐爾因病37歲辭世，傳世油畫30多幅。代表作有《美惠三美神》、聖母子》、《西斯庭聖母》等。

達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾以高超的繪畫技法不同的繪畫風格創作出經典的油畫作品，開創了西方古典主義寫實油畫的範例，對西方油畫藝術發展產生巨大而深遠影響。他們被並列為文藝復興時期「繪畫三傑」。

㈩ 最貴的世界名畫叫什麼名字

《蒙娜·麗莎》——達·芬奇

這幅肖像花了達.芬奇四年的時間，當他完成這幅肖像之後，不願把它交給佐貢多(富商,蒙娜.麗莎的丈夫）或其他任何人。當他受到法國國王的邀請時，便帶著這幅肖像離開義大利去了法國。達.芬奇是在法國去世的，這就是為什麼《蒙娜.麗莎》這幅畫在法國的緣故。
多少世紀來，人們一直在談論她那神秘的微笑，她的微笑的確神秘：它似乎在變化。不同的觀者或在不同的時間去看，感受似乎都不同。有時覺得她笑得舒暢溫柔，有時又顯得嚴肅，有時象是略含哀傷，有時甚至顯出譏嘲和揶揄。
在一幅畫中，光線的變化不能象在雕塑中產生那樣大的差別。但在蒙娜.麗莎的臉上，微暗的陰影時陷時現，為她的雙眼與唇部披上了一層面紗。而人的笑容主要表現在眼角和嘴角上，達.芬奇卻偏把這些部位畫得若隱若現，沒有明確的界線，因此才會有這令人捉摸不定的」神秘的微笑」。
關於這幅畫有一個故事。達.芬奇在為蒙娜.麗莎繪畫時，請了位樂師在她旁邊彈奏，以便她能象個模特兒那樣耐心平靜地坐著。她眼中的神情告訴我們她正在傾聽。而現在，如果我們看她那雙美麗的手，並把它們與她的臉聯在一起考慮，我們會覺得那神情更誠摯。她的右手輕輕地放在左手上，中指根本沒有任何依託，我們感到它正和著音樂的節奏輕輕地打著拍子。
當我們看著這幅如此逼真的肖像畫背後的景色，我們會為那不真實的背景吃驚。山峰、道路、小橋、流水都在一種夢幻般、飄拂不定的氣氛里出現，彷彿以此證明蒙娜.麗莎的思緒沉浸在一個夢的世界裡。

《最後的晚餐》——達·芬奇

在慶祝逾越節的前夜，耶穌和他的十二門徒坐在餐桌旁，共進慶祝逾越節的一頓晚餐。
餐桌旁共十三人，這是他們在一起吃的最後一頓晚餐。
在餐桌上，耶穌突然感到煩惱，他告訴他的門徒，他們其中的一個將出賣他；但耶穌並沒說他就是猶大，眾門徒也不知道誰將會出賣耶穌。
義大利偉大的藝術家列奧納多.達.芬奇的《最後的晚餐》，是所有以這個題材創作的作品中最著名的一幅。這幅畫，是他直接畫在米蘭一座修道院的餐牆上的?
沿著餐桌坐著十二個門徒，形成四組，耶穌坐在餐桌的中央。他在一種悲傷的姿勢中攤開了雙手，示意門徒中有人出賣了他。
大多數門徒在激動中一躍而起，而耶穌的形象卻是那麼的平靜。我們可以看到他明晰的輪廓襯托在背景牆的窗子里，通過窗子，我們看見恬靜的景色，湛藍的天空猶如一隻光輪環繞在耶穌的頭上。
在耶穌右邊的一組中，我們看到一個黑暗的面容，他朝後倚著，彷彿從耶穌前往後退縮似的。他的肘部擱在餐桌上，手裡抓著一隻錢袋。我們知道他就是那個叛徒，猶大.伊斯卡里奧特。
猶大手中的錢袋是他的象徵，它使我們想起，他就是為耶穌和其他門徒保管錢財的人，錢袋裡裝著出賣耶穌得來的三十塊銀幣的賞錢。
即使他沒有拿著那隻錢袋，我們也能通過達.芬奇的繪畫方式，辨別出這個罪惡的敵人猶大。
猶大的側面陰影旁是聖.彼得，我們也可以看見他一頭銀絲與一副白晰的手，他向年輕的聖.約翰靠去。彼得垂在臀部的右手握著一把刀，彷彿在偶然中，刀尖對著猶大的背後。
聖.約翰的頭朝彼得垂著。在所有門徒中，他是耶穌最喜愛的一個。約翰象耶穌那樣平靜，他已經領悟了他主人的話。
耶穌左邊是小雅各，他力圖去理解他所聽到的可怕的話，他兩手攤得大大的驚叫了起來。
從小雅各的肩上望去，我們看到了聖托馬斯，疑惑不解的托馬斯，他懷疑的神色通過他豎起的手指表現出來。
小雅各的另一邊，聖.菲利普往耶穌靠去，雙手放在胸前似乎在說：」你知道我的心，你知道我是永遠不會出賣你的。」他的臉由於愛和忠誠而顯出苦惱的神情。
圍著耶穌的這六個門徒，處於故事的發生的中心。
巴塞洛繆與老雅各的身體向他們傾著，而他們身旁的老安德魯並沒有站起來，但他想聽聽，於是便舉起手似乎要求安靜。
右邊還剩下最後三個門徒，他們正在討論有關耶穌說的那句話，他們的手指也指向餐桌的中央。
他們所看到的這一切，均發生在這幅偉大的作品之中，但每次當我們欣賞它時，都會從門徒的感情與性格中獲得新的含義。

向日葵》——梵高
梵高的藝術是偉大的,然而在他生前並未得到社會的承認。他作品中所包含著深刻的悲劇意識,其強烈的個性和在形式上的獨特追求,遠遠走在代的前面,的確難以被當時的人們所接受。他以環境來抓住對象,他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生。在人們對他的誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候。因此才留下了永遠的藝術著作。他直接影響了法國的野獸主義,德國的表現主義,以至於20世紀初出現的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。
畫家像閃爍著熊熊的火焰,滿懷熾熱的激情令運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到梵谷豐富的主觀感情中去。總之,梵谷筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始沖動和熱情的生命體。

《第一步》——梵高

這作品是梵高臨摹自米勒的同名作品。畫面是一個農村的耕地，背面是農民的房屋。畫的右方一位農婦扶著小女兒幫助她學步。左方女嬰的農民父親蹲在地上張開雙手鼓勵她向前走。
這雖然是梵高臨摹米勒的作品，但是整幅畫都顯露出梵高個人的風格。畫面用色鮮明，多用藍，黃和綠色。這些高明度及屬於自然界的顏色，讓人感受到活躍的生命力。他讓畫中的人和物框上厚實的黑色線條，這明顯是受到日本藝術的影響，亦讓畫面增加實在的感覺。
另外，他亦以彎曲旋轉的筆觸繪畫樹、灌木和農作物。這是他成熟畫作中常用的手法，也令這畫增加生氣勃然的氣息。整幅農村景象讓人感到農民的實在生命，平凡但躍動又充滿親情。

創造亞當》——米開朗基羅

米開朗基羅的代表壁畫中的重要部分。因為他在佛羅倫薩的盛名,當時的羅馬教皇尤里烏斯二世邀他參加製作教皇陵墓,後又中斷。1508年他被迫接受了西斯廷禮拜堂屋頂壁畫的任務,他當時的心情是悲憤的,不料此壁畫後來成為他生平最大傑作。西斯廷屋頂壁畫面積達500平方米左右,是美術史上最大的壁畫之一。米開朗基羅在大廳的中央部分按建築框邊畫了連續9幅大小不一的宗教畫,均取材於《聖經》中有關開天闢地直到洪水方舟的故事,分別名為《神分光暗》,《創造日,月,草木》,《神水分陸》,《創造亞當》,《創造夏娃》,《誘惑與逐出樂園》,《挪亞獻祭》,《洪水》,《挪亞醉酒》。
這幅巨型壁畫歷時4年多才完成,由於長期仰面艱苦作畫,他頸項僵直,書信都要置頭頂仰視.其中以《創造亞當》最為出色,畫中亞當的形象體態健壯,氣魄宏偉,具有強烈的意志與力量,顯示了藝術家在寫實的基礎上非同尋常的理想加工,予同時代人深刻的啟示。

《夢》——畢加索
1927年,47歲的畢加索與長著一頭金發,體態豐美的17歲少女初次相遇,從此,這位少女便一直成為畢加索繪畫和雕刻的模特兒。又過17年,64歲的畢加索給她的生日賀信中說:"對我來說,今天是你17歲生日,雖然你已度過了兩倍的歲月。在這個世界上,與你相遇才是我生命的開始。"<<夢>>這幅畫作於1932年,可以說是畢加索對精神與肉體的愛的最完美的體現。

《大宮女》——安格爾

安格爾在等待去羅馬留學的這段時間，曾接受過今屬比利時的列日城的一幅訂件，為那裡畫一幅《第一執政波拿巴肖像》，此時正值1803年，即路易十六被處死之後，拿破崙又發動旨在推翻督GOVERMENT的霧月十八日政變的重要時期。這位第一執政官要實行全國的軍事獨裁統治，人民無不切齒痛恨。安格爾卻應允去完成這樣一幅肖像畫。1806年，他又畫了《拿破崙一世在皇座上》，這後一件作品已是赤裸裸地為慶賀這個軍事獨裁者稱帝而創作的歌頌性作品。安格爾不問政治，卻在這兩幅畫上宣告了自己的立場。當作品於同年在巴黎沙龍展出時，受到了輿論界的冷嘲熱諷。在羅馬的安格爾獲知這幅畫的反應後，心情非常沉重，曾憤慨地表示：人們總以為，沙龍是鼓勵繪畫的地方，其實不，它給繪畫提供的是一條可悲的道路。」1813年，他與瑪德萊娜·夏佩爾小姐結婚，總算使他得到一些慰藉。他說道：「夏佩爾是自我犧牲精神的典範，她成為我生活中的安慰。」這時，他除了畫神話題材之外，還畫了幾幅裸體題材的大畫，准備送往巴黎再度露面。這一幅《大宮女》（這時法國的貴族上層對具有強烈的東方情調的土耳其內宮生活極感興趣，一些畫家為滿足貴族這種視覺需要刻意去描繪土耳其閨房的淫艷生活。安格爾先後畫過好幾幅土耳其宮女的形象。《大宮女》這一畫題是為區別他的另一幅油畫《宮女》）就是這時期他描繪裸女題材的代表作之一。
這幅畫在巴黎展出時，引起了觀眾更大的抨擊。人們說，作為達維特的學生，安格爾走得太遠了。他們諷刺說：「安格爾先生畫活人，就象幾何學家畫固體一樣。為使其預算好的線條賦予素描以立體感，他什麼事都做了！他把人體的各個局部忽而放大，忽而縮小，就象普洛克魯斯特床上的俘虜（Procrustes; 傳說中的古希臘強盜，縛其俘虜於鐵床上，如身長過榻則斷其足，如不及則強伸之使與榻等）一樣隨意伸縮。有時他感到沮喪，便不再去加強這種可詛咒的立體感，開始使輪廓完善。這就叫舍本求末，用刀鞘代替寶劍來決斗。」
評論家德·凱拉特里說得較為中肯些，他曾對安格爾的學生說：「他的這位宮女的背部至少多了三節脊椎骨。」然而安格爾的學生、曾為其老師作傳記的阿莫里·杜瓦爾說得就更中肯：「他可能是對的，可是這又怎麼樣呢？也許正因為這段秀長的腰部才使她如此柔和，能一下子懾服住觀眾。假如她的身體比例絕對地准確，那就很可能不這樣誘人了。」 這幅《大宮女》就嚴格的古典風格去要求，確實存在很多「越軌」之處，首先，色彩的「音域」受到嚴重破壞，背景上很強的藍色和裸體肌膚的黃色，以及人體的明暗和粉紅色調極不諧調，其次是前面所說的誇張了的形體，這個女裸體幾乎成了變形美的一種試驗，它完全背叛了老師的庭訓。安格爾的學生杜瓦爾為此曾竭力為他作辯解，他說：「我並不想說，安格爾先生是個浪漫主義者。但我也要肯定，他從來不是當時所理解的那種意義的『古典主義者』。」
安格爾似乎在這幅畫上顯示了自己在自然面前的獨立性，但由於安格爾的美學信念的堅定性，這里的表現反而給人們造成對他的見解的模稜兩可性，攻擊與批評是在所難免的。從歷史的角度去認識，我們覺得安格爾具有他的探索勇氣，盡管他所畫的這個人物是有著很大的虛構性。此畫約於1814年完成，為91×162厘米。現藏巴黎盧浮宮。


《聖母子》——拉斐爾

畫中，我們看到聖母子坐在凳子上，背後是一片溫柔和景色。這天，風和日麗，我們可以看到遠處的山巒融進淺藍色的天空。
右邊的幾簇矮樹叢，把我們的目光引向了山上的那座小教堂。這使我們想到年輕的母親與她的嬰兒屬於宗教的世界。母親與孩子頭上環繞的兩道光環，是他們聖潔的標志。拉斐爾無需用這種標志來展現他所要表達的東西。他把年輕的母親繪得那樣甜蜜，夢幻般的臉畫得如此溫柔，當我們看著她時，我們想到的只能是聖母。
她那雙大大的眼睛根本沒看任何東西，因為它們追隨著她的思緒。她正在沉思，似乎沒有注意到嬰兒耶穌把他的小腳放在她那隻擱在膝蓋的手上。她的另一隻手抱著嬰兒。
當我們把她的雙手與臉放在一起理解的時候，我們感到她似乎已經忘記了嬰兒的存在，她在想著耶穌與他的未來前程。
與他的母親相比，小耶穌畫得比他那個年齡的男孩大是自然的。拉斐爾創作這個孩子的肖像的方式，確立了耶穌在畫中的重要位置。
看聖母子的臉，我們可以發現，那柔和的輪廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，與希臘傑出的雕塑家普拉克西特利斯創作的維納斯頭像有著驚人的相似，這是因為，拉斐爾是文藝復興時期的一位藝術家，他一直在對古代藝術進行研究。但也有不同，拉斐爾把聖母的臉畫得更加溫柔，他把古代女神的神態畫得更精緻、更柔和，賦予了一件古代異教徒的藝術作品以新的基督教的含義。

拉斐爾賦予了古代美以新的生命。在他的畫中，古代藝術獲得了再生，並發展成一種新的不同的完美形式，拉斐爾的成就，代表了文藝復興時期繪畫的最高水平。

《吹笛少年》——馬奈

馬奈早年受過學院派的六年教育,後又研究許多歷代大師的作品,他的畫既有傳統繪畫堅實的造型,又有印象主義畫派明亮、鮮艷、充滿光感的色彩,可以說他是一個承上啟下的重要畫家.他的作品(尤其是肖像畫)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用幾乎沒有影子的平面人物畫法，表現人物的實在，從這里我們可以看到馬奈的才氣和自負感。此畫明顯帶有日本浮世繪版畫的影響。
註：馬奈這一名字出典於拉丁文題銘 Manet et manebit,意思是：「他活著並將活下去。」

《打陽傘的女人》——莫奈

這件作品是莫內早期的印象技法畫作。畫面正中偏右站著一位撐陽傘的女仕，而畫面偏左較遠處的就是她的兒子。這是一個晴天的早上，兩母子在草地上漫步。
整幅畫只用了簡單的藍、綠、棕等自然的色彩，給人一種寧靜舒適的感覺。畫中的女仕佔了畫面大部份的空間，成為畫的趣味中心。但左側的小兒子與陽傘和女仕也構成一個三角形，得到一個平衡的作用。
雖然此畫是莫內早期的作品，但也可見他已很好地捕捉光影和畫中的瞬間印象感覺。畫中女仕面部和上半身都用上較暗的色彩，表明是處於陽傘的陰影之下。而整個陽傘、面部、衣裙和草地上的陰影區，與女仕衣裙上向光一面的光影形成對比（小兒子方面也一樣），就如現實中看到的一樣。另外，女仕擺動的頭巾和長裙上的縐褶也加強了畫面的動感。

《維納斯與戰神》——波提切利

波提切利與喬托、馬薩喬和多納泰羅的作品使佛羅倫薩藝術到達了一個嶄新的年代，人們非常喜愛寫實主義藝術，而波提切利正是那個時代的佼佼者。他的曲線優美、優雅精緻、獨樹一幟的作品，使他成為那個時期佛羅倫薩最偉大的天才畫家。
畫中的戰神是愛神維納斯的情人之一。戰神正在沉睡，沒有佩帶鎧甲，而維納斯正清醒著，其含義是愛能征服戰爭，即愛能征服一切。
作品在當時可能是卧室傢具上的裝飾品，也可能是在床頭上、壁板上、靠背板上或箱子上。

《黛安娜的休息 》——弗朗索瓦·布歇
黛安娜是希臘神話中的阿耳忒彌斯，她是月神和狩獵女神，是宙斯與勒托的女兒，阿波羅的孿生姐妹。畫面中的兩個裸女形象，右邊的即是黛安娜，額前綴有月亮飾物，她以美艷與殘忍著稱；畫家的目的並不在於神話本身，而是喻指路易十五時期宮中美麗的女性裸體。據說，畫家畫的是畫室中的專用模特--繆菲姐妹，畫家經過了理想化加工。就造型和色彩表現來看，實屬上乘之作，但是，畫得過於嬌艷和刺激。


《雅各與天使搏鬥》——高更

這幅看起來象是宗教題材的作品，實際上是以象徵主義為特點，描繪布列塔尼半島上農婦在教區牧師講解教義時，眼前所產生的幻象。畫的是人們腦海里的幻覺，畫上以現實主義手法展現，因此畫的人物不是基督徒形象。布列塔尼農婦頭上戴著的古怪帽子，加強了畫面的裝飾效果，而宗教傳說中「搏鬥」場面，卻被處理在不太明顯的地方，以象徵這些虔誠的布列塔尼農婦頭腦里所映現的幻象。
這個主題使他的繪畫顯得神秘化了，這里的紅蘭黑和白色組成的畫，是一幅圖案，彎曲起伏的線條，類似拜占庭鑲嵌畫。由於內容和形式的復雜性，也使高更的藝術風格復雜化，故史家稱它是一種「綜合主義」高更的這種風格後來還影響了法國納比派和野獸主義。

西斯廷聖母》——拉斐爾
畫面上，帷幔向兩邊緩緩拉開，聖母馬麗亞懷抱嬰兒基督從雲中冉冉降落。她的腳邊，跪著年老的教皇西斯廷二世和年輕美麗的聖徒瓦爾瓦拉，前者穿著沉重的法衣，用手指著聖母應該去的大地，後者目光下垂，虔敬里略帶羞怯，似在為母子倆祈禱。聖母面容秀麗而沉靜，眉宇之間似有隱憂，為了拯救全人類，她將不得不犧牲自己的愛子。小基督依偎在母親懷里，他睜著大眼睛望著我們，目光里有一種不尋常的嚴肅感，似乎他已明白這里所發生的一切。

《傘》——雷諾阿

雷諾瓦擅長畫人生、可愛的女人和兒童。他從這時起已擺脫了印象派手法，將重點放在素描上。這幅作品上的華麗色彩已然盡失，代之以新的嘗試，亦即准確的素描。據說畫面上左手提籃子的女人是以雷諾瓦之妻阿林為模特兒的。

《自縊者之家》——塞尚
1872年末，塞尚離開了蓬圖瓦茲對岸的旅館，到了奧維爾村。通過在蓬圖瓦茲與畢沙羅、基約曼一起人事創作，塞尚在作畫中，充分地運用了學到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，畫面富有生氣，筆觸較為細膩。不過，仍然保留著結實、粗獷這些原有的特徵。
在這幅作品中，右側高大的屋脊與左側房屋之間，是急劇下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。這景是奧維爾村明亮的旱田與天空。前景中的屋脊與建築物、道路，顯現得堅固有力，給以厚重的感覺。在這里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物體阻礙了向遠處的眺望，在平和、穩定的風景中，猶如打進了一個大楔子。用這樣的構圖、以及選擇《自縊者之家》這樣的主題，不能不使人聯想到塞尚本人的內心活動與其精神狀態。


《泉》——安格爾

年輕的裸女拿著壺罐讓水倒出來，其肌肉因安格爾美麗柔緩的曲線而更具魅力。色彩運用非常柔和而富於變化。表現清高絕俗和庄嚴肅穆的美。這幅《泉》早在安格爾在佛羅倫薩期間就開始醞釀，事閣三十多年以後才最終完成。

《日出·印象》——莫奈

《日出·印象》描繪的是勒阿弗爾港一個多霧的早晨，晨曦籠罩下的海水呈現出橙黃色或淡紫色，天空被各種色塊渲染，再現強烈的大氣反光中形成的表面的色彩。這種對繪畫語言本身的探索為後世許多畫家所接受，從而形成了以印象派為起源的大潮流，藝術踏上了邁入現代的旅程。

《伏爾加河上纖夫》——列賓

列賓(1844-1930),是俄國19世紀後期的俄國批判現實主義繪畫主要的代表之一,《伏爾加河上纖夫》是他的成名之作。還在學生時代,彼得堡涅瓦河上纖夫的沉重勞動引起了列賓的同情,從那時候開始,他就想描繪一幅表現纖夫的作品,以提示下層勞動人民的痛苦生活和社會的不平。1870年夏季,列賓與同班同學華西里耶夫(他後來也畫過有關纖夫的畫)去伏爾加河旅行寫生,典型的俄羅斯風光和纖夫的生活給他留下了難忘的印象。
畫中列賓畫了十一個飽經風霜的勞動者,他們在炎熱的河畔沙灘上艱難的拉著纖繩。纖夫們有著不同的經歷和個性,他們生活在社會的最底層,但這是一支在苦難中練成堅韌不拔,互相依存的隊伍。背景運用的顏色昏暗迷濛，空間空曠奇特，給人以惆悵、孤苦、無助之感，切實深入到纖夫的心靈深處，亦是畫家心境的真實寫照，這對畫旨的體現，情感的的烘托起了極大的作用。因此本畫的構圖、線條、筆力等繪畫技巧都是相當成功的。

《亞威農少女》——畢加索
過去的畫家都是從一個角度去看待人或事物，所畫的只是立體的一面。立體主義則是以全新的方式展現事物，他們從幾個角度去觀察，把正面不可能看到的幾個角度去觀察，把正面不可能看到的幾個側面都用並列或重疊的方式表現出來。在《亞威農少女》中，五個裸女的色調以藍色背景來映襯，背景也作了任意分割，沒有遠近的感覺，人物是由幾何形體組合而成的。